El sello que Coltrane impulsó - I!

El último libro de Ashley Khan ofrece un detallado recorrido por la historia de uno de los sellos más emblemáticos de la historia del Jazz: Impulse Records.

"El sello que Coltrane impulsó" es el título de este interesante repaso al sello en el que Coltrane publicó muchos de sus más importantes trabajos como A Love Supreme, Ascension, Ballads, Crescent y un largo etc. puesto que la política de Impuse! era la de grabarlo todo, de modo que el catalogo se consolidó, en pocos años como uno de los más interesantes del momento.

Se puede decir que Impulse! destacó por dos cosas fundamentalmente, por ser el sello de Coltrane y por tener una visión distinta a sus sellos contemporáneos. Así este sello, que formaba parte de la gran ABC, contaba con un presupuesto elevado para las grabaciones de jazz, desde su producción hasta su diseño caracteristico por el color naranja y negro y por las fundas de los discos desplegables.

Entorno a la figura de Trane se construyó el sello que albergó a la gran parte de los protagonistas de la New Thing o del jazz de vanguardia. Esto no hizo sino que agrandar aúna más la figura del saxofonista puesto que debido a lo bine que funcionaban las ventas de sus discos se forjó la identidad de Impulse! a través de los músicos de la generación de Trane que compartían su visión y que lo tenían por su total referente. Músicos como Pharoah Sanders, Archie Shepp desarrollaron su música en este sello gracias al camino que Trane y un atrevido productor, Bob Thiele, abrieron.

El libro está estructurado entorno a la vida e influencia de Coltrane pero es que esto no puede ser de otra manera puesto que las distintas fases del sello estuvieron condicionadas por los movimientos del genio. Incluso después de su muerte, Impulse! siguió aprovechando todo el material que había grabado editándolo en lo que dio de sí un buen número de álbumes que permiten seguir los pasos que dio Coltrane hasta su fallecimiento.

Ashley Khan es el autor de otros dos extraordinarios libros que desarrollan la historia de problablemnte los dos álbumes más influyentes Kind of Blue y A Love Supreme que contribuyen a mantener vivo y para la posteridad lo que se ha llamado el único patrimonio cultural de los Estados Unidos, el jazz.

Charlín no para!

Paco Charlín no para de deleitarnos con su música. Si el año pasado publicó nada menos que 3 discos a su nombre, este año vuelve a la carga con la publicación simultánea de otros dos lanzamientos.

El pasado año, Charlín se estrenaba en solitario con su The Ultimate Jazz Earth-tet con el que publicó "part I" y "part II", una formación compuesta por el saxofonista Jaleel Shaw, el guitarrista Jonathan Kreisberg y el batería Donald Edwards. Estos dos trabajos incluyen composiciones de Charlín en las que muestra al mundo el pedazo de músico que es. Además también publicó otro disco a trio con Jaleel Shaw y Donald Edwards llamado "Jazz Frequency Group vol I" en el que hace un repaso a un repertorio clásico con temas de Parker, Coltrane o Rollins entre otros.

Cuando estábamos empezando a digerir todos estos trabajos, Paco nos vuelve a bombardear con la segunda parte del Jazz Frequency Group, con la misma formación que el primero y con versiones de Miles, Shorter, Mingus etc. Además publica un nuevo disco a su nombre llamado "nature´s sound" en el que cuenta con el saxofonista Javier Vercher, con una de las promesas del jazz gallego y miembro del S.O.S. el guitarrista Virxilio da Silva, Aruán Ortíz al piano y Brannen Temple a la batería.

Paco es uno de los bajistas más importantes del momento y además se está convirtiendo en uno de los músicos más prolíficos gracias a la discográfica que él mismo ha fundado y en la que están publicando excelentes discos la mayoría de los jazzistas gallegos, Free Code Jazz Records. Pero siempre es un placer escuchar todo lo que hace. Un ejemplo de Cantidad+Calidad.

Avishai Cohen publica su primer disco en directo

Avishai Cohen publica su primer álbum en directo, grabado en el mítico club neoyorquino Blue Note. El disco, que se titula "As is... live at the blue note", viene acompañado de un DVD con una de las actuaciones en directo que complementa de manera más que satisfactoria esta publicación.

Para esta ocasión, Avi ha contado con su trio habitual formado por el exquisito Sam Barsh al piano y el explosivo Mark Giulliana a la batería a los que se añaden en algún tema el saxofonista Jimmy Greene y el trompetista Diego Urcola.

El repertorio se centra en su último trabajo de estudio, Continuo y algunos temas de álbumes anteriores como "Adama" y "At Home".

Este disco nos muestra al mejor Avishai con un variado repertorio que deja claro su dominio tanto del bajo eléctrico como del contrabajo. El disco se abre con una potente y electrificada versión de Smash en la que Sam Barsh utiliza, además del piano, un teclado con Wah Wah mientras que Avi con su bajo eléctrico hace un acompañamiento slapeado. El final del tema es espectacular con Jimmy Greene mostrando sus dotes al saxo soprano que nos recuerdan al mismísimo Coltrane y a Kenny Garret. Particularmente suena como el final de Human Nature de Miles Davis en los 80.

Continua con una preciosa balada llamada Elli en la que el grupo nos enseña su capacidad de sutilidad y belleza. Inmediatamente después el grupo al completo nos ofrece una versión de Etude en la que podemos apreciar la faceta más latin de la música de Avishai.

Bass Suite 1 es un tema rescatado de su primer disco Adama en el que Avi está espectacular ofreciendonos un pedazo de solo al contrabajo. Volvemos al latin con la potente Feedlop y después a la pedazo de balada Remembering que es quizás la mejor muestra del sonido que caracteriza a este trio y a la capacidad de este gran bajista de conmover con susu composiciones. Ya como broche de oro, el grupo se marca una versión groove del mítico Caravan de Duke Ellington que sirve como una espacie de fiesta sobre el escenario.

Avishai es uno de los músicos más creativos en la actualidad, tanto con sus propios proyectos como de acompañante en otros muchos. Un bajista completísimo, con un dominio total de su instrumento al que utiliza también como elemento percusivo, con un sonidazo como pocos. Además hay que destacar una faceta más escondida que es la de bajista eléctrico en la cual Avishai transmite el legado de su principal influencia en este instrumento, el gran Jaco Pastorius.

Monk

Laurent de Wilde es el autor de un extraordinario libro sobre Thelonious Sphere Monk que ha publicado la editorial Alba.

Este libro, a diferencia de la mayoría de este género, destaca por su gran calidad. No es una biografía al uso sino un relato sobre la vida del gran Monk pero basándose en reflexiones que hace el propio autor que, lejos de ejercer de biógrafo, lo que hace es reflexionar sobre la vida de Monk y sus particularidades.

Thelonious Monk ha sido uno de los músicos más importantes del jazz. Esto se dice a veces sobre mucha gente, pero en este caso estamos hablando de uno de los pilares imprescindibles del jazz.

Ha sido un pianista y un músico totalmente revolucionario. Representó la otra corriente del piano del jazz ofreciendo un discurso y una manera de componer distinta al otro genio de su generación, Bud Powell.

Monk siempre se movió en la disonancia, siendo un auténtico innovador por su lenguaje partucular y su su también particular técnica que muchos han considerado discutible. En lo que nadie vacila es en que se trata de uno de los más importantes compositores de jazz del siglo XX con temas tan laureados como Round Midnight, Blue Monk, Straight no Chaser, Misterioso y un gra elenco de títulos que son una de las piedras angulares del jazz.

La extravagante personalidad de este genio es sobradamente conocida y provoca que no haya mucha información sobre su vida puesto que siempre fue muy reservado en cuanto a su vida privada.

Monk tuvo una carrera dificil, su genio fue incomprendido por el gran público hasta que publicó el que probablemente sea su obra maestra, Brilliant Corners aunque ya había compuesto y publicado la gran mayoría de los temas que le hicieron famoso. A pesar de que Monk era uno delos músicos más respetados por la colectividad musical, sufrió la marginación del público y le fue, además retirada la licencia que permitía tocar en los clubes de Nueva york por lo que estuvo muchos años sin poder hacer bolos.

Laurent de Wilde nos acerca con un gran estilo a la compleja personalidad de este genio, ahondando en sus éxitos y fracasos, en sus últimos años retirado del mundo en la casa de su gran amiga y posiblemente amante la Varonesa Pannonica, dónde falleció al igual que Charlie Parker.

Este libro se vuelve imprescindible para acercarnos al que posiblemente sea uno de los cuatro músicos más importantes del jazz, y eso es mucho decir.

Ornette deslumbra A Coruña

Ayer tuve el privilegio de asistir a un acontecimiento absolutamente memorable, un concierto de nada menos que Orentte Coleman. El papá de Free Jazz aterrizó en A Coruña haciendo gala de la maestría y la clase que lo ha convertido en uno de los grandes genios de la música del siglo XX.

A priori, no sabía lo que me iba a encontrar, no he escuchado (todavía) su último disco, tras 10 años sin publicaciones, y que tantos halagos está recibiendo, Sound Grammar. Pero qué importa cuando uno va a ver a un hombre que ha innovado tanto en el jazz. Cuando vas a ver a alguien como Ornette, no puedes llevar ideas preconcebidas de lo que vas a escuchar porque te puede sorprender por donde menos te lo esperas. Por lo que lo ideal es ir totalmente dispuesto a encontrarte con cualquier cosa que se le ocurra hacer. Lo único que has de tener en cuenta es que te encuentras ante una figura de una grandeza absoluta y que asistirás a un trocito de la historia de la música. A uno de los pocos mitos vivientes del jazz, junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter y poco más.

El concierto fue espectacular de principio a fin. En poco más de hora y cuarto Ornette dejó a su público completamente entregado a la magia de su música. Lo más sorprendente es que a sus 76 años, este incansablem innovador sigue marcando la batuta en el mundo del jazz, atreviéndose con una formación nada convencional: batería, dos contrabajos, bajo eléctrico y su saxofón que intercambió por momentos con su trompeta y su violín.

Ornette está en plena forma, con un sonido espectacular y una intuición impoluta tras el paso de los años. Ofreció un concierto variado coqueteando con la música clásica, el puro estilo free, groove e incluso por momentos recordó a la etapa del Miles de lo 70. Como no podía ser de otra manera, el blues marcó buena parte del repertorio, un blues con muchas raíces. Todo este colage, con una perspectiva absolutamente libre que dejó exhausto al auditorio.

La banda y el concepto que propone son absolutamente brillantes con texturas y sonidos que rozan lo supersónico, sonidos nuevos, sonidos desconocidos, en definitiva que Ornette juega con los cinco sentidos y ofrece un repertorio, en absoluto lineal o melódico, o yo que sé... es un espectáculo de sonidos, harmonías texturas, sugerencias. No puedo desribirlo, sólo adjuntar sensaciones.

En fin, tengo que agradecerle que me dejase entrar por un día en ese universo sonoro al que no tengo acceso cotidiano, y disfrutar de un cúmulo de sensaciones totalmente nuevas para mí.

He visto al Dios Ornette y eso siempre será para recordar.

The Complete On the Corner Sessions

Acaba de anyunciarse la publicación de la novena caja de columbia sobre Miles Davis, The Complete On The Corner Sessions. Esta caja de seis cd incluye los álbumes On the corner, Big Fun y Get Up With It, fruto de varias sesiones de grabación con múltiples y dispares formaciones.

Una de las etapas más controvertidas del gran Miles Davis adentrándose en los caminos del rock negro de los 70, profundamente influenciado por Jimi Hendrix, a quien emula colocándole un Wah Wah a su trompeta y fraseando de tal modo que parece una guitarra, por James Brown y por Sly & the Family Stone.

Esta época de Miles ha sido tan alabada como despreciada porque supone una completa renuncia a la tradición. Sin embargo hay que decir que representa el esfuerzo sobrehumano que supone cambiar por enésima vez su propia musica, y no sólo eso sino también su propio sonido y su manera de tocar, algo que les está reservado sólo a unos poquitos privlegiados.

Celebro la edición de este tipo de cajas con una cuidada presentación así como completos libretos que ayudan a poner en valor el gran legado de su obra.

Jaco Pastorius: la extraordinaria historia del mejor bajista del mundo

La editorial Alba está publicando, a un rítmo lento pero firme, fantásticos libros sobre genios del jazz. Todo empezó con Ashley Khan con los magníficos libros: "Miles Davis y Kind of Blue: La Creación de una Obra Maestra" y con "A Love Supreme y John Coltrane: La Historia de un Álbum Emblemático". Dos libros fundamentales para adentrarse en los que posiblemente sean los mejores discos de jazz de la historia.

Este año se han publicado dos libros que han completado de manera soberbia el catálogo. El Libro del escritor Laurent de Wilde "monk y el de Bill Milkowski "Jaco: la Extraordinaria Historia del Mejor Bajista del Mundo".

Vamos a comenzar por esté último.

La vida de Jaco es de cine. El Charlie Parker de su generación. Un hombre que estaba por delante del resto, que fue un absoluto innovador de su instrumento, el revolucionarios absoluto del bajo eléctrico, pero que sin embargo tenía un onstinto autodestructivo que consiguió que ningún sello quisiese grabarle. Acabó mendigando por las calles con un radio casette que reproducía música de su época con Weather Report.

Cuando Jaco publicó su primer disco en solitario Jaco Pastorius, puso el mundo del jazz y más concretamente del bajo patas arriba con la interpretación de Donna Lee y de Portrait of Tracy.

Ese mismo año se publicó el primer disco que Jaco grabó con Weather Report, Black Market y poco después su fantástica colaboración con Pat Metheny en el genial Bright Size Life.

Jaco era el chico de moda, uno de los músicos más influyentes y con más éxito del momento. Al año siguiente Weather Report publicaría su álbum más exitoso, en el Jaco aportaba la brillante Teen Town. Este álbum, Heavy Weather, catapultaría de manera vertiginosa a la banda convirtiendo en absolutas estrellas a Joe Zawinul, Wayne Shorter y a Jaco Pastorius. También en esta época grabó varios discos con la que fue su amante en esta época, Joni Mitchell.

Jaco estaba en la cresta de la ola, estaba en uno de los grupos más exitosos del jazz del momento y era la referencia ineludible del bajo, influyendo a verdaderas legiones. Desde su aparición, el bajo no ha vuelto a ser lo mismo.

Pero todo se fue al traste por el consumo de drogas excesivo, por la ruptura de su matrimonio con Tracy y por su patología autodepresiva y autodestructiva que le llevó a protagonizar muchos de los escándalos más sonado en el mundo del jazz.

Después de Weather Report tuvo la oportunidad de deleitar al mundo con su nueva Big Band conala que grabó su segundo y último disco en solitario Word of Mouth. Con esta banda intercaló exitosas giras con actuaciones vergonzosas donde Jaco perdíael control y acababa haciendo ruídos con el bajo, y provocando al público. Después de esto la Warner no querría grabarle más y rompió su contrato.

Durante los úñtimos años de su vida le sería cada vez más dificil encontrar un lugar donde tocar, por lo que Jaco se dedicaba a subirse a los escenarios de los conciertos a los que asisitía. La noche de su muerte, asistió a un concierto de Santana del que fue expulsado a patadas por intentar subirse al escenario. Después de este incidente se lió a tortas con el dueño de un club que le propinó tal paliza que lo dejaría en coma varios días hasta que finalmente falleció.

Hasta siempre amigo!

Al abrir el periódico esta mañana me encontré con una triste noticia: Carlos Asorey, el dueño del Dado Dadá ha fallecido. Carlos fue un personaje al que todos los que tuvimos la oportunidad de conocer, y le conocía todo el mundo, nunca olvidaremos.

Se me vienen a la cabeza multitud de gratos momentos vividos junto a él en este rincón compostelano dedicado al jazz del cual Carlos era su alma indiscutible, compartiendo con todo el mundo su gran alegría, su estupendo sentido del humor y como no sus increíbles y divertidos trucos de magia con los que solía congregar a su alrededor a decenas de personas que quedaban perplejas por su destreza. Y es que Carlos era muchas cosas pero si tuviera que destacar una, seguramente diría que era un gran mago. Un hombre que sentía la magia, que disfrutaba con ella como pocos y que además tenía la deferencia de compartir estas habilidades con todos aquellos que estuviesen a su alrededor.

Desde que llegué a Santiago siendo un pipiolín cada noche de martes, religiosamente asisití a las inolvidables jam sessions del Dado durante las cuales tuve el privilegio de disfrutar de su compañía que a lo largo de los años desembocó en una cordial amistad. Han sido muchas noches juntos viendo pasar por allí a lo más granado del jazz gallego, muchas noches tomando copas hasta altas horas mientras charlábamos de música o del mundo en general. Carlos tenía don de gentes, sin ninguna duda, pero además disfrutaba de la compañía de todos los que pasaban por el local. Un hombre con una educación exquisita y siempre de buen humor, un caballero!

A lo largo de los años y gracias a su manera de ser, siempre me sentí en el Dado como en mi casa. Y es que Carlos contagiaba su carácter y creaba una atmósfera más que agradable, a su alrededor sólo había buen rollo, risas y cariño.

El jazz gallego está de luto porque ha perdido a uno de sus más importantes mecenas, a un hombre muy importante para el jazz gallego por haber constituído la única isla, es decir local, de jazz de Santiago por el que han pasado músicos muy importantes. Así mismo también ha servido de plataforma para que muchos músicos gallegos pudiesen tocar cada semana en las jams que duran todo el invierno. Los músicos de jazz gallego siempre han albergado un cariño enorme hacia su persona porque todos descubrían su carácter cariñoso y cálido.

El Dado nunca volverá a ser lo mismo, es como si hubiese perdido el alma. Siempre habrá un gran vació en la atmósfera porque ya no estará allí el hombre de negro (Siempre iba vestido de negro de la cabeza a los piés, yo nunca lo vi con un prenda de otro color) ecualizando la mesa de sonido, ni poniendo música entre actuación y actuación, ni haciendo sus trucos de magia ni repartiendo sonrisas por doquier. En el Dado sólo quedará el ambiente que él y Carmen, su esposa, crearon. El Dado será siempre su templo, seguro la obra de su vida, su juguete, su sueño, su manera de rendirle tributo a la música que le volvía loco, el jazz.

Luchó contra una grave enfermedad con una entereza admirable, pero finalmente le ganó la partida arrebatándole su vida. Pero nunca fue capaz de borrarle la sonrisa. Aún en los malos momentos se le veía en el Dado con su humor de siempre y disfrutando de su rincón, de la música y como a veces no podía hablar demasiado, se expresaba como mejor sabía, a través de la magia. El Dado y Carlos son indisolubles, siempre se notará su vacío pero la mejor manera de rendirle homenaje es manteniendo viva su obra, es decir el Dado Dadá que siempre será su templo. Él estará siempre allí saliendo del habitáculo de los discos o detrás de la mesa de sonido o en todas y cada una de las mesas del local dejándonos KO con un juego de cartas o simplemente compartiendo contigo la música.

Desde aquí he querido rendirle un pequeño homenaje a Carlos del Dado, alguien a quién nunca olvidaré. El jazz fue la banda sonora de tu vida y con jazz te recordaremos. Hasta siempre amigo!

Fallece Zawinul a los 75 años

Pepe Zawinul se nos ha marchado para siempre. El gran teclista austriaco que revolucionó el jazz fussion se ha muerto de cáncer a los 75 años tras llevar ingresado varias semanas.

Joe Zawinul saltó a la fama cuando en 1969 compuso junto a Miles Davis, In a Silent Way, un disco que marcaría el nacimiento del jazz rock o el jazz fussion, según se le quiera llamar, que mezclaba el jazz con elementos del rock y que supuso una de las primeras electrificaciones de esta música. Asimismo, junto a Miles, participaría componiendo y grababdo otro de sus grandes clásicos del jazz rock, considerada la obra cumbre de este estilo y en du día el disco de jazz más vendido de todos los tiempos, Bitches Brew.

Pero será cuando forme su propio grupo junto al saxofonista Wayne Shorter, cuando cosechará sus mayores éxitos. Weather Report es sin duda uno de los grupos legendarios de la música del siglo pasado, ya que durante los años 70 y 80 fue uno de máximos exponentes del jazz fussion. Por esta formación han pasado músicos de la talla de Jaco Pastorius o Áex Acuña. El propio Pastorius se presentó ante Zawinul y le dijo que él tenía que tocar en Weather Report porque era el mejor bajista del mundo, a lo que Zawinul le contestó: "Bien, pues entonces demuéstralo".

Y según la leyenda Zawinul quedó fascinado ante aquel muchacho y observó que sí era el mejor por lo que ingresó en el grupo inmediatamente.

Entre sus muchos méritos cabe destacar el conseguir que una de susu composiciones jazzisticas, "Birdland", se colase en las listas de éxitos comerciales. Una canción que durante tres décadas ha ganado tres premios grammy, uno con la versión de Weather Report, otro con la versión de Manhattan Transfer, y el último con una versión de Quincy Jones.

Durante los últimos 20 años ha recorrido el mundo entero con su grupo Zawinull Syndicate con el que también ha cosechado numerosos éxitos.

Zawinul pasará a la historia por haber sido uno de los teclistas más innovadores y experimentales, de hecho la revista estadounidense Downbeat lo ha elegido nada menos que 28 veces mejor interprete de teclados del mundo.

Descanse en paz.

Zinco será el título del segundo trabajo de Marcelino Galán

Marcelino Galán ya ha grabado su segundo disco como líder que saldrá publicado en breve con Free Code Jazz Records. Zinco será el título de tan esperado trabajo que promete ser uno de los discos del año.

En esta ocasión Marcelino ha grabado a quinteto con Pablo Castaño al saxo alto, Manolo Gutierrez al piano, Xacobe Martínez al contrabajo y Max Gómez a la batería. Todo un lujo de formación con lo mejorcito del jazz gallego. El disco incluirá temas originales y contendrá una nueva versión de su ya conocido tema "Mókina".

Un servidor ya ha tenido la oportunidad de disfrutar de este nuevo trabajo y la verdad es que es buenísimo. Jazz del mejor con muchas influencias de gente como Kurt Rosenwinkel, a quien está dedicado el tema Superkurt, y de músicos de esta onda como Mark Turner, Chris Cheek... pero todo con marca Marcelino, por supuesto.

Además este disco incluye una sorpesa especial para un servidor ya que una de las composiciones lleva por título "emiles".

Este quinteto suena de maravilla con una sección rítmica muy acostumbrada a tocar juntos, y eso se nota porque la compnetración es absoluta, igual que la capacidad para intuirse y apoyarse mutuamente lo que da lugar a extraordinarias sorpresas y momento mágicos en todo el álbum.

Marcelino suena de maravilla, además cumple un papel distinto que en su anterior trabajo Roho ya que el peso armónico lo lleva el piano, lo que deja mucha mayor libertad a la guitarra para destacar como instrumento melódico junto al saxo.

De momento no quiero adelantar más hasta que se publique, entonces ya hablaremos más largo y tendido sobre, y me repito, un disco que dará que hablar y que sin duda dará fe del buen estado del jazz gallego.

Abe graba su GHU! project vol. 2 - OPEN DOORS

Abe Rábade grabó los pasados 27, 28 y 29 de agosto su quinto trabajo discográfico como líder. Se trata de GHU! Project vol. 2 y se titulará Open Doors. Con la publicación de este trabajo, el músico compostelano continúa con el proyecto GHU! project que supuso su salto a Karonte y su único trabajo hasta enonces que no era a trio. En el primer volumen el quinteto estaba formado por el propio Abe, lógicamente, con su trío de entonces formado por Paco Charlín al contrabajo y Ramón Ángel Rey a la batería acompañados por Jesús Santandreu al saxo tenor y Chris Kase a la trompeta. Además intervenía el guitarrista Michel González en un par de temas.

Para Open Doors, Abe contará con su actual trio formado por Nelson Cascais al bajo y Bruno Pedroso a la batería. Pero en este trabajo la formación es un septeto formado, además de estos, por Chris Kase a la trompeta, Perico Sambeat al saxo alto, Jesús Santandreu al saxo tenor y Alan Ferber al trombón.

La edición de este trabajo está prevista para febrero de 2008 y promete ser todo un acontecimiento, desde luego la formación es un auténtico lujo, conteniendo un combo de destacadísimos músicos de distintas nacionalidades.

El disco contendrá siete temas originales de Abe y una versión del Inner Urge de Joe Henderson:

1- Campo da Estrela

2- Iria

3- Cebreiro

4- Get off my back

5- Prestige

6- Tránsito nº1

7- Open Door

8- Inner Urge

This Meets That será el debut discográfico de Scofield en Emarcy

John Scofield nos sorprende de nuevo al anunciar la publicación de su último álbum, This Meets That que será su debut discográfico en Emarcy Records. Así tras 10 años en el mítico sello Verve con el que ha publicado álbumes tan importantes como A Go Go, Überjam, Works for Me o Up All Night. Scofield cambia de nuevo de sello y lanza un nuevo trabajo con el John Scofield Trio o como é lo denomina, A-Team, que integra al gran bajista Steve Swallow y al inigualable Bill Stewart a la batería. Además en el disco les acompañan una cuarta parte en forma de sección de vientos formada por Roger Rosenberg en el saxo barítono y clarinete bajo, Jim Pugh al trombón, Lawrence Feldman al saxo tenor y flauta y John Swana en la trompeta y fiscornio. Como sorpresa especial aparece Bill Frisell en uno delos temas del disco que se lanzará en el mes de septiembre.

This Meets That será su primer álbum a su nombre en dos años, cosa rara en un artista que nos tiene acostumbrados a disco por año, aunque nos ha deleitado por el camino con el magnífico Trio Beyond y con Out Louder del Medeski, Scofield, matin & Wood. Estos son los títulos que contendrá This Meets That:

1.: Low Road
2.: Down D
3.: Strangeness In The Night
4.: Heck Of A Job
5.: Behind Closed Doors
6.: House Of The Rising Sun
7.: Shoe Dog
8.: Memorette
9.: Trio Blues
10.: Pretty Out
11.: I Can't Get No Satisfaction

Fallece Max Roach el último mito viviente del Be-Bop

Fallece el último gran maestro vivo del Be-Bop, el gran batería Max Roach. El pasado mes de agosto nos dejaba uno de los mitos vivientes de la historia del jazz, el batería que cambió el lenguaje musical del jazz siendo el abanderado de este instrumento durante la época del Be-Bop junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Bud Powell.

Max Roach posee seguramente la biografía más extensa de todos los mitos del jazz del último siglo. comenzó su carrera como profesional sustituyendo al batería de Duke Ellington y Count Basie en 1942. Fue en esa época cuando se sumó a la nueva música que estaba naciendo en la Calle 52 y en mítico Minton´s junto a todos los mitos del Be-Bop y realizó su primera grabación de la mano de Coleman Hawkins.

En 1945 se unió al mítico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie y graba clásicos como Now´s the Time y Billie´s Bounce. Participará así mismo en el mítico Birth of the Cool de Miles Davis y tocará con músicos de la talla de kenny Dorham, Sonny Rollins, Mingus, Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, o Cecil Taylor.

Max Roach es sin duda uno de los baterías de referencia del jazz, y es el responsable de conceder a la batería un protagonismo del que carecía.

Se ha marchado el último gran superviviente del Be-Bop deajando tras de sí un legado fundamental para entender la música del siglo XX.

El doloroso camino de la innovación permanente

Chris Potter: tenor & soprano saxophones, Robin Eubanks - trombone, Steve Nelson - vibraphone, marimba & tamborine, Nate Smith - drums Dave Holland - double-bass
Dare2 Records - 2006

The Eyes Have It - Easy Did It - Vicissitudes - The Leak - Secret Garden - Lucky Seven - Full Circle - Amator Silenti

El Dave Holland Quintet es una de las formaciones más sólidas y más interesantes del panorama actual. Existen pocos calificativos que describan cuan increíble es la música que sale de este quinteto integrado por músicos de la talla de Chris Potter, Nate Smith y el resto de la banda. Llevan ya unos cuantos años esperiementando con unas rítmicas muy sugerentes y unas texturas que permiten improvisaciones de vértigo con su particular sonido en el que el vibráfono hace las funciones del piano.

Este nuevo lanzamiento, Critical Mass, es un gan trabajo sin duda. Uno de los mejores discos del pasado año. Como siempre, Dave holland nos deleita con un álbum exquisito siguiendo la tónica de susu últimas grabaciones. Pero este es para mí el problema.

En la lista de los discos que más me habían gustado, de los que escuché, el año pasado no incluí este discazo y me gustaría explicar porqué.

En primer lugar en la lista no pretendía hacer un ránking de los mejores discos del 2006 sino comentar y destacar los discos que más me habían enganchado y de los que más he disfrutado. Desgraciadamente de este Critical Mass no he disfrutado como me hubiese gustado y la razón es que ya me sonaba familiar y por tanto repetitivo. Cuando un proyecto como este quinteto va evolucionando disco a disco resulta apasionante cada nueva entrega del mismo. Pero cuando llega al culmen, lo que viene después tiene la dificil misión de superar el más alto grado de inspiración al que ha llegado el grupo. esto es lo que ha pasado con este disco. Critical mass es un discazo como la copa de un pino al igual que su anterior trabajo en estudio Not For Nothing. Pero es que este quinteto con este concepto y formato editó hará unos tres años el doble directo Extended Play que es sin ninguna duda una de las obras maestras del jazz contemporáneo. Constituye este disco, para mí el culmen de este gran quinteto por lo que sacar un trabajo como es Critical Mass después de este disco con el mismo concepto se vuelve decepcionante a pesar de que es un gran álbum.

El otro día leí en una crítica que daba igual que se repitiera porque era un gran disco, estoy de acuerdo, es totalmente legítimo y además ya le gustaría a muchos producir álbums de esta calidad, pero también he de señalar que a mí no me ha enganchado porque no me dice nada nuevo, todo lo bueno que es este disco es siempre superado por lo desarrollado en Extended Play.

Aquí yo creo que se abre un debate y mi opinión es que un proyecto tiene fecha de caducidad y a un genio como Dave Holland le exigimos demasiado porque él es demasiado. Creo que este era el momento de probar otras cosas, sería más gratificante que el quinteto evolucionara y nos descubriese cosas nuevas, aunque el disco no fuese tan bueno, cunado se experimenta a este nivel se cometen errores y no pasa nada porque son caminos de transición a algo distinto y estos álbumes siempre apuntan algo nuevo que es muy interesante y más gratificante. Es el camino de la innovación en el que todos se equivocan, hasta los más grandes pero así es como se hace historia, arriesgando, experimentando hacia una nueva revolución. Miles también se equivocó para llegar al camino que quería pero gracias a esta filosofía llegó a cambiar la música unas 5 veces y creó probablemente la mayor cantidad de obras maestras que ha hecho un mismo músico en la historia del jazz.

Brad Mehldau Trio - Day is Done

Brad Mehldau: piano, Larry Grenadier: bass, Jeff Ballard: drums - Warner 2005

1. Knives Out, 2. Alfie, 3. Martha My Dear, 4. Day is Done, 5. Artis, 6. Turtle Town, 7. She´s Leaving Home, 8. Granada, 9. 50 Ways to Leave Your Lover, 10. No Moon at All

Gran sorpresa la de este álbum. Estreno del nuevo trio del gran pianista Brad Mehldau con Jeff Ballard a la batería sustituyendo a Jorge Rossi. Sin duda le ha venido bien este cambio al trio que aparece con energías renovadas y con conceptos distintos a los mantenidos hasta la fecha. Este trio no es ni mejor ni peor que el anterior ya que el trabajo de Rossi siempre ha sido exquisito, pero sí es distinto. Y este cambio le ha sentado bien porque el concepto anterior ya estaba demasiado explotado editando un montonazo de discos. El anterior álbum a trio Anything Goes fue, para mí una pequeña decepción porque era seguir haciendo lo mismo que estos últimos años pero en un disco bastante inferior al resto.

Así que cuando parecía que el ocaso había llegado al trio de Mehldau, se revitaliza con una nueva incorporación que ha hecho resurgir al que es sin duda uno de los mejores trios de piano de a actualidad.

Day is Done e un disco con un gran magnetismo, capaz de ofrecernos standards actuales como la increíble versión de Radiohead Knives Out que te mete de lleno en el disco hasta mostrarnos al Mehldau más melódico, capaz de conquistarnos como nadie con su exquisito estilo dejando para la posteridad una obra obra maestra como es la interpretación de Alfie.

Avishai Cohen - Continuo

Avishai Cohen: bass, Sam Barsh: piano, Marc Giulliana: drums, Amos Hoffman: oud - Raz Daz 2006

1. Nu nu, 2. Elli, 3. One for Mark, 4. Ani Maamin, 5. Samuel, 6. Emotional Storm, 7. Calm, 8. Arava, 9. Smash, 10. Continuo

Continuo ha significado una gran alegría porque significa el regreso de uno de los músicos que más me gustan actualmente, el israelí Avishai Cohen. Este no ha dejado de hacer discos pero tras hacer sus tres primeros trabajos "Adama", "Devotion" y "Colors" que para mí son discos absolutamente imprescindibles, entró en una dinámica de discos, en mi opinión, que exploraban el mismo concepto pero con mucho menor acierto. Así estuvo con sus siguientes trabajos "Unity", "Lyla" y "At Home". Pero no cabe duda de que con continuo Avishai ha vuelto a encontrar un camino más que interesante.

Este trio hace una música muy singular, cargada de ritmo y de fusión y sus composiciones se te meten en la cabeza, casi de manera obsesiva. Este trio no se parece a ningún otro, no es el típico trio de jazz sino que fusiona la música clásica con el jazz con fuertes influencias israelies y frenéticos rítmos latinos. El oud, un instrumento que aparece en varios delos temas de la mano del guitarrista Amos Hoffman se muestra como un complemento ideal que sin cambiar el concepto del disco, aporta una serie de colores y texturas muy interesantes.

Avishai es uno de los mejores bajistas del momento, se le puede escuchar con el Chick Corea New Trio, o con Origin y en discos de músicos como Kurt rosenwinkel, Jason Lidner, Caludia Acuña...

Espero que ahora que este genial músico ha encontrado de nuevo la senda, siga transcurriendo por estos derroteros y ocurra como antaño, que cada nuevo disco sea una joya, como este Continuo.

Perico Sambeat - Ziribuye

Perico Sambeat: saxo, Raynald Colom: trompeta, Toni Belenguer: trombón, Jose Reinoso:piano, piano Fender, sintetizador, Paco Charlín: contrabajo, bajo eléctrico, cosmovibes, Marc Ayza:bateria, percusiones, Elma Sambeat: voz, Albert Sanz: gritos Zlöt - Contrabaix - 2006

1. Sunwind, 2. Cató-scopio, 3. Soliloquio, 4. Cyborg, 5. Rosa dels vents, 6. Ziribuye, 7. Maya, 8. Epicuro, 9. Ni Mari ni hostias

Siempre es una sorpresa un nuevo trabajo de Perico, uno de nuestros saxofonistas más destacados, porque sabes que la calidad está garantizada, tras sua anterior trabajo Friendship con personalidades como Brad Mehldau, Ben Street, Jeff Ballard y Kurt Rosenwinkel que era más bien una reunión de amigos, en Ziribuye, con formato de sexteto, Perico se rodea de muchos de los más destacados músicos nacionales para hacer un disco impecable desde principio a fin.

Ziribuye es un disco de jazz con mayúsculas, aquí no vemos a Perico con su vena flamenquita sino que vemos al Perico más hardbopero rodeado de un sexteto que tiene química y con unos temas de esos que se te meten en la cabeza. El sonido del sexteto está condicionado por la textura del teclado de José Reinoso ofreciendo un concepto muy parecido al quinteto de Raynald, que está soberbio en este Ziribuye. Paco también se sale y hace un precioso solo en Cató-scopio. En Rosa dels vents podemos oír a la hermana de Sambeat cantando una bonita canción.

Ziribuye es un disco variado incluyendo un tema, Cyborg al más puro estilo eléctrico con Paco en el bajo eléctrico. Un disco para poner una y otra vez porque es un disco que te agarra y no lo sueltas, desde el primer corte sunwind hasta la maravillosa ni mari ni hostias que cierra el disco con un muy buen sabor de boca. Perico nunca decepciona porque estamos ante uno de los más grandes saxofonistas del momento y este disco especialemente es una maravilla. La pena es la producción que no es demasiado buena y eso a estas alturas no debería ocurrir.

Xacobe Martínez Antelo Quinteto - Isto é Jazz

Xacobe Martínez Antelo: Bajo, Marcelino Galán: Guitarra, Pablo Castaño: Saxo Alto, Toño Otero: Saxo Tenor, Max Gómez: Batería - Free Code Jazz Records - 2006

1. Pai, 2. Flu!, 3. Ovulación, 4. Laio, 5. Búsqueda e Captura, 6. Kahvio, 7. Todo o que poderías ter sido de non ter elexido ser o que eres, 8. Litel, 9.Ah!

Este disco constituye una gran sorpresa. El primer trbajo discográfico de uno de los bajistas gallegos de referencia, Xacobe Martínez que se estrena con un trabajo rodeado de amigos y de muchos de los músicos más importantes de Galicia actualmente. Marcelino Galán, compañero de fatigas de Xacobe en múltiples proyectos y probablemente el guitarrista gallego de referencia que hace un trabajo soberbio enb este disco. Pablo Castaño es el saxofonista de referencia del jazz gallego, actualmente se está formando en Nueva York y seguro que se va a oir hablar mucho de él en breve. Toño Otero es una de las apuestas jóvenes del saxofón, con un sonido muy maduro y un discurso bien ensamblado en la tradición coltreaniana, y Max Gómez, otra apuesta segura en la batería, con un swing y un estilo muy enraizado en la tradición y con una carrera prometedora.

Estos chicos han hecho un disco redondo, fruto de haber tocado mucho juntos y eso se nota en esta sesión. Las composiciones de Xacobe ofrecen un contexto ideal para desarrollar un concepto de quinteto en el que destaca la guitarra de Marcelino ofreciendo una atmósfera envolvente en la que los saxofonistas por momentos se cruzan con frenéticos fraseos. El peso rítmico es muy sólido en esta grabación ya que la compenetración entre Xacobe, Marcelino y Max es total.

Un disco sencillo que destaca por representar una sesión, como ya he dicho redonda con momentos aún por descubrir ya que cada escucha te depara algo nuevo. El tema Khavío es una auténtica joya.

Trio Beyond - Saudades

Jack DeJohnette: drums, Larry Goldings: Keys, John Scofield: Guitar - ECM 2006

1. If, 2. As One, 3. Allah Be Praised, 4. Saudades, 5. Pee Wee, 6. Spectrum, 7. Seven Steps to Heaven, 8. I Fall in Love to Easily, 9. Love in Blues, 10. Big Nick, 11. Emergency

Jack DeJohnette y John Scofield se han juntado con Larry Goldings para homenajear al gran Tony Williams y para ello han formado este trío basado en el grupo Lifetime que integraban Williams juanto a Larry Young y John MacLaughlin.

Saudades es una grabación en directo y desarrolla un concepto de trio interesante y muy particular teclado, guitarra y batería con el que Scofield se siente muy a gusto. Pero el protagonista de esta sesión es DeJohnette que conduce al trio de una manera magistral potenciando la improvisación individual y colectiva.

Es un concepto, el que aquí se ofrece que no es sencillo de digerir, con largos temas ya además doble cd pero su viaje merece mucho la pena. Nominado a los premios grammy a mejor álbum instrumental, Saudades nos muestra lo mejor de cada músico. DeJohnette está soberbio demostrando porqué es uno de los grandes baterías de la historia, Goldings demuestra que es un teclista de referencia y se compenetra muy bien con Scofield. El guitarrista está magistral, con unas improvisaciones frenéticas.

Este trio constituye una de las propuestas más interesantes de los últimos tiempos aunque su escucha nos es sencilla e incluso puede cansar en algún momento, pero eso no es motivo para situar este disco como uno de los mejores de los últimos años. Una absoluta demostración de grandeza de la mano de tres músicos que demuestran en este proyecto la grandeza de sus cualidades.

Chris Potter - Underground

Chris Potter: sax, Wayne Kranz: guitar, Craig Taborn: bass, Nate Smith: drums - Sunnyside 2006

1. Next Best Western, 2. Morning Bell, 3. Nudnick, 4. Lotus Blossom, 5. Big top, 6. The Wheel, 7. Celestial Nomad, 8. Underground, 9. Yesterday

Este último trabajo de Chris Potter no puede dejar a nadie indiferente porque es un trabajo con un concepto particular. Destaca por su concepto, apoyado armónicamente en la distorsionada guitarra de Wayne Kranz y por un ritmo entre groovy y jazzero que por momentos se acerca al rock pero de la mejor fusión.

Este trabajo gana escucha a escucha hasta que ya no te lo quitas de la cabeza, aunque la entrada es quizás un poco dura, con cada escucha descubrirás infinidad de cosas nuevas que harán que consideres a este disco como imprescindible porque su concepto es innovador y muy actual y creo que marca un concepto que mucha otra gente está utilizando como el mismo Paco Charlín o Carlos Barreto en su disco Radio Song.

Aunque muchos creen que el mejor Potter se escucha en el Quinteto de Holland, este disco es buena muestra de que este músico que pasa por ser uno de los saxofonistas más interesantes de la actualidad, tiene buenas y muchas cosas que aportarnos en solitario. porque se sale de lo establecido y ofrece excelentes dosis de calidad como en este Underground. Un disco que más vale tener a mano.

Chris Cheek - Blues Cruise

Chris Cheek: saxo tenor, alto y soprano; Brad Mehldau: piano y piano eléctrico; Larry Grenadier: contrabajo; Jorge Rossy: batería. - Fresh Sound New Talent 2006

1. Flamingo, 2. Low Key Lightly, 3. Coo, 4. Squirrelling, 5. Song of India, 6. Falling, 7. Blues Cruise, 8. John Denver, 9. The Sweatheart Tree

Este trabajo de Chris Cheek es una muestra perfecta de la gran calidad musical de los integrantes del grupo, y no porque hagan grandes aspavientos o alardes técnicos, todo lo contrario y eso es lo que los hace grandes. Lo que destaca es la gran intensidad y la riqueza de matices que impregnan todo el disco. Un disco que pide ser escuchado una y otra vez porque el clima creado te envuelve en un hermoso éxtasis de calma y de paz que sin duda querrás repetir.

Destacar las cualidades de estos músicos está de más porque ya lo han demostrado en múltiples ocasiones y además el trio de Brad de Brad Mehldau, lógicamante bien compenetrado le da una gran solidez al disco, el saxo de Cheek, tímido a veces pero incisivo como sólo él sabe serlo hacen de este disco uno de los mejores que he escuchado últimamente y no porque sea un disco innovador o que nos descubra cosas nuevas, no es esa la pretensión, sino por su honestidad y su maestría para hacer una mezcla atemporal de clasicismo y modernidad que harán este disco imperecedero.

No es un trabajo revolucionario pero ¿quien lo necesita? lo dificil, a veces no es revolucionar sino demostrar que se está entre los grandes, y este trabajo lo está.

Abe Rábade Trio - Playing on Light

Abe Rábade: piano & fender rhodes, Paco Charlín: bajo, Bruno Pedroso: Batería - Karonte 2006

1. Eses, 2. Zero, 3. Inner Battle, 4. Nómadas, 5. Avalancha, 6. Protection, 7. Bright Flow

Abe ha querido ir más allá en su último proyecto, ha hecho 7 temas inspirados en 7 fotografías y acompañados de pequeños poemas firmados por su hermana, la escritora María do Cebreiro. Este Playing on Light es sin duda un disco excelente, más allá de la anécdota del modo de composición y la relación de los temas con las fotografías, algo demasiado subjetivo como para ser valorado y mucho menos juzgado. Lo que importa es que Abe ha firmado un disco que sin duda formará parte de la historia del jazz en España. El repertorio, como suele ser habitual en Abe es muy variado, desde los frenéticos cambios de tempo en el primer corte "eses" hasta, para mi uno de los mejores temas del disco, la preciosa "protection" con una melodía capaz de ponerte los pelos como escarpias.

El trio está muy inspirado en este trabajo, la incorporación de Bruno sin duda le ha dado otra perspectiva a este trio que parece que con esta incorporación viene con energías renovadas, parecido a lo que le ocurre a Brad Mehldau con la incorporación de Jeff Ballard. Como no podía ser de otra manera, Paco Charlín está soberbio y se nota la gran compenetración que tiene con Abe, uno de los puntos fuertes del disco. El Abe Rábade Trio es una de las formaciones más sólidas de nuestro panoramay con este, su último trabajo, han alcanzado unas cotas altísimas de inspiración además de demostrar su nivel técnico y su arraigo en la tradición americana.

El formato de trio de piano cobra un valor especial en manos de trios tan valiosos como este. Abe ya nos había demostrado de lo que era capaz, poseedor de una técnica exquisita y de un conocimiento expléndido demuestra ahora que ya ha viajado a un nivel superior y que su discurso goza de una inspiración sublime. Si con su anterior trabajo a trio, ya nos demostró de lo que era capaz, pero con este Palying on light la magia está en cada toma del disco. Imprescindible.

Paco Charlín - The Ultimate Jazz Earth-tet

Paco Charlín (contrabajo); Jaleel Shaw (saxo alto); Jonathan Kreisberg (guitarra); Donald Edwards (batería) - Free Code Jazz Records 2006

1.Difrok; 2.Waltz of Souls; 3.2K2; 4.Tale of a Child; 5.Suihy Kebo; 6.Fli-fla; 7.JVP; 8.New Code; 9.Improlography

Paco es uno de los bajistas españoles más importantes del momento. Su labor está convirtiendo a Galicia en uno de los centros neurálgicos del jazz en España gracias a su actividad docente en el seminario de jazz de Pontevedra y a su inciativa discográfica con el sello Free Code.

A parte de eso, es un gran bajista y compositor y buena muestra de ello es este trabajo discográfico con músicos de excepción como son Jaleel Saw, Donald Edwards y Johnathan Kreisberg que aporta una sonoridad al disco, muy particular con su sonido de guitarra muy en la onda Kurt Rosenwinkel.

El disco destaca a todas luces por ofrecer un jazz de extrema calidad, un disco de primer nivel y sobretodo teniendo en cuenta las circunstancias en las que fue grabado, casi como una reunión de amigos, según parece. Con este disco, Paco deja constancia de sus sobrados conocimientos armónicos y compositivos así como de posicionarse como una de las grandes voces jazzeras a nivel nacional. Su técnica, impecable, no impide mostrarnos un gusto exquisito y una capacidad incuestionable de hacer funcionar un combo. Un disco que creo que marca el principio de un camino que se augura muy fructífero. Sus siguientes entregas no tienen desperdicio.

Raynald Colom - my fifty one minutes

Raynald Colom (tp, flgh), Marti Serra (ts, ss), José Reinoso (Fender Rhodes, Hammond, Wurlitzer), Tom Warburton (b) and Marc Ayza (d). Guest musicians: Jesse Davis (as), Alex A. 'TNT' (vcl, g), Javier Mas (archilaud) - Fresh Sound New Talent 2006

1. "3" 5:542. Interlude #1 (Plaza Real 05:30 am) 2:16 3. Bs As 3:43 4. Shylark 7:34 5. Interlude #2 (Un lunes cualquiera...) 0:30 6. Atom 6:29 7. Three Views of a Secret 6:48 8. Interlude #3 (...!!!!!) 1:16 9. Africa 9:33 10. Interlude #4 (Two hotdog & a strawberry soda) 1:02 11. ¿Y qué sé yo? 5:20 12. Interlude #5 (The End) 1:14

Estos primeros 51 minutos discográficos de Raynald Colom dan buena muestra de su potencial como trompetista y también como compositor. Sin duda uno de los discos españoles del año. Un disco bastante heterogéneo que contiene buenas dosis de hard bop y de una gran influencia del soul negro que tanto le gusta a Raynald. Buena muestra de ello es la impresionante versión de África de D´Angelo, una versión que convierte a este tema en algo más grande de lo que ya es y que deja constancia de la capacidad melódica de Raynald. Al igual que la preciosa versión de Skylark.

El grupo suena muy bien ensamblado y destaca la actuación del gran pianista José Reinoso y del gran Marc Aiza, dos de los músicos más destacados en su instrumento a nivel nacional. Un trabajo lleno matices y al que el teclado de Reinoso aporta una sonoridad agradable y una atomósfera que te engancha desde la primera escucha.

Sin duda uno de los discos a tener en cuenta, la pena es que sabe a poco, ahí se vislumbran muchas posibilidades, a través de sus interludios que hacen que esperes una nueva entrega cuanto antes. Ahora está grabando su segundo trabajo, esperaremos como agua de mayo.

Mis discos 2006

Vamos a cambiar un poco de tema porque aunque podríamos estar toda la vida hablando de Miles, hay un espacio que me gustaría rellenar y es el hablar de otros músicos.
Voy a hacer una lista de 10 discos que quería destacar del año pasado. No puedo decir que para mí son los mejores porque esta es una cuestión implanteable teniendo en cuenta las limitaciones económicas por supuesto, aunque a día de hoy se puede conseguir toda la música que se quiera. Pero la limitación principal es el tiempo que siempre es limitadísimo y no permite escuchar todo el material que va saliendo por lo que me parece que hacer este tipo de listas es ridiculo ya que lo escuchado no es en absoluto representativo.
No obstante, creo que es más sensato destacar que discos destacarías de los que has escuchado. El año 2006 para mí universo musical, se ha caracterizado por una cantidad ingente de discos españoles y sobretodo gallegos lo que refleja que estamos a un muy buen nivel y que están pasando cosas interesantísimas. Se han publicado una cantidad impresionante de discos, gracias también a sellos como Free Code, de Paco Charlín que hacen posible esta realidad.
Iré comentando estos discos en las siguientes entradas. No están ordenados por preferencia sino al azar. Mi lista es la siguiente:
- Raynald Colom - My fifty one minutes
- Paco Charlín - The ultimate jazz earth-tet
- Abe Rábade Trio - Playing on ligth
- Chris Cheek - Blues Cruise
- Chris Potter - Underground
- Trio Beyond - Saudades
- Avishai Cohen - Continuo
- Perico Sambeat - Ziribuye
- Xacobe Martínez Antelo Quinteto - isto é jazz
- Brad Mehldau - Day is done

Entrevista de Paul Desmond a Charlie Parker

PAUL DESMOND: […] esa música porque hay muchos músicos buenos tocando en ese disco, pero el estilo del saxo alto es tan diferente del resto del disco y de lo que le precedió. ¿Te dabas cuenta en esa época del efecto que ibas a tener sobre el jazz, de que ibas a cambiar toda la escena en los siguientes 10 años?
CHARLIE PARKER: Bueno, por así decirlo: no, no tenía ni idea de que fuera tan diferente.
JOHN McLELLAN: Me gustaría meter una pregunta si no os importa. Quisiera saber a qué se debió este cambio tan brusco. Después de todo, hasta ese momento la forma de tocar el alto era la de Johnny Hodges y Benny Carter, y éste parece ser un concepto totalmente distinto, no sólo con respecto a la forma de tocar el instrumento, sino para la música en general.
PAUL DESMOND: Sí, para cualquier instrumento.
CHARLIE PARKER: Bueno, para eso no creo que haya respuesta. Es simplemente una forma [comentarios inaudibles] de hablar, John. Eso es lo que decía cuando empecé a hablar, ésa fue mi primera idea, la vía que creía que debía seguir, aún hoy lo creo. Me explico, por supuesto que caben muchas mejoras. Lo más probable es que dentro de 25 años, quizás 50, aparezca algún joven que coja este estilo y realmente haga algo con él. Pero… lo que quiero decir es que, desde la primera vez que oí música, siempre he pensado que ha de ser limpia, muy precisa, tan limpia como sea posible, vamos. Y más o menos para el público, sabes, algo que pueda comprender. Algo que sea hermoso. Hay un montón de historias que se pueden contar con el lenguaje musical. No diría lenguaje, pero es tan difícil describir la música de otra forma que no sea la más fundamental, ya sabes, básicamente melodía, armonía y ritmo. Pero, lo que quiero decir es que se puede hacer mucho más que eso con la música. Puede ser muy descriptiva de miles de formas, para toda clase personas. ¿No estás de acuerdo, Paul?
PAUL DESMOND: Sí, y tú siempre cuentas una historia cuando tocas. Es una de las cosas más impresionantes de todo lo que he escuchado de ti.
CHARLIE PARKER: Ése es más o menos el objetivo, así es como creo que debería ser.
PAUL DESMOND: Otro de los principales factores en tu forma de tocar es tu formidable técnica, que nadie ha conseguido igualar. Siempre me ha llamado la atención eso, también… Si hay…, si se debe a realizar horas de práctica o si se debe simplemente a tocar; si ha evolucionado de forma gradual.
CHARLIE PARKER: Bien, me lo pones difícil, porque no veo qué tiene de formidable. He dedicado muchas horas al saxo, eso es cierto. De hecho, los vecinos amenazaron a mi madre con exigirle que nos mudáramos cuando vivía allí en el Oeste [en Kansas City]. Ella me dijo que les estaba volviendo locos con el saxo. Solía tocar al menos 11... de 11 a 15 horas al día.
PAUL DESMOND: Sí, a eso me refería.
CHARLIE PARKER: Sí, eso es cierto. Lo hice durante un período de tres o cuatro años.
PAUL DESMOND: Bueno, supongo que ésa es la respuesta.
CHARLIE PARKER: Ésos son los hechos, en cualquier caso [risas].
PAUL DESMOND: Hace un par de meses escuché un disco tuyo que, por alguna razón, me había perdido hasta ahora, y oí una breve cita de dos compases del libro de Klosé que me sonó como un eco familiar… [Desmond tararea la cita]
CHARLIE PARKER: Sí, sí. Todo eso lo hice con libros, ¿sabes? Naturalmente no se hizo con espejos, esta vez fue con libros.
PAUL DESMOND: Bien, reconforta oírte decir eso, porque yo pensaba que de alguna forma habías nacido con esa técnica y que nunca tuviste que preocuparte mucho por ello, por mantenerla.
JOHN McLELLAN: ¿Sabéis?, me alegro de que salga este tema, porque creo que hay muchos músicos jóvenes que tienden a pensar que…
PAUL DESMOND: Sí, lo hacen. Acaban de salir…
JOHN McLELLAN: …no es necesario pasar por esto…
PAUL DESMOND: … y tocan en sesiones y viven la vida, pero no le dedican 11 horas al día con ninguno de los métodos.
CHARLIE PARKER: Oh, desde luego que el estudio es totalmente necesario, en todas sus formas. Es como si cualquier talento innato en alguien... es como un par de zapatos cuando se les da lustre, ¿sabes? Como si la enseñanza sacara a relucir el lustre de cualquier talento que pueda haber en el mundo. Einstein fue a la escuela, pero a todas luces era un genio, ya sabes, por sí mismo. La enseñanza es una de las cosas más maravillosas jamás inventadas.
JOHN McLELLAN: Me alegra oír eso.
CHARLIE PARKER: Es absolutamente cierto.
PAUL DESMOND: Pues sí.
CHARLIE PARKER: ¿Y bien?
JOHN McLELLAN: ¿Qué otro disco ponemos?
CHARLIE PARKER: ¿Cuál sacamos ahora?
JOHN McLELLAN: Quiero saltarme un poco el orden. Hemos... Charlie ha escogido “Night and Day”, uno de sus discos. ¿Es con una big band o con cuerdas?
CHARLIE PARKER: No, éste es con la banda en vivo. Creo que son 19 músicos.
JOHN McLELLAN: ¿Por qué no lo escuchamos y lo comentamos?
[Interludio musical]
JOHN McLELLAN: “Night and Day”, Charlie Parker con una big band.
PAUL DESMOND: Charlie, esto nos lleva de alguna forma al momento en que tú y Diz empezásteis a aunar esfuerzos. ¿Cuándo conociste a Dizzy Gillespie?
CHARLIE PARKER: La primera vez que, digamos nos conocimos oficialmente, fue sobre el escenario del Savoy Ballroom en 1939, la primera vez que la banda de McShann vino a Nueva York [2]. Yo había estado antes en Nueva York pero regresé al Oeste, reingresé en la orquesta y volví a Nueva York con ellos. Dizzy vino a vernos una noche, creo que fue cuando él trabajaba con la banda de Cab Calloway, y tocó con nosotros. Me quedé fascinado con este tipo, y nos hicimos muy amigos, aún lo somos. Pero ésa fue la primera vez que tuve el placer de saludar a Dizzy Gillespie.
PAUL DESMOND: ¿En aquella época, antes de conocerte, tocaba igual que ahora?
CHARLIE PARKER: No recuerdo con exactitud cómo tocaba entonces, sólo sé que tocaba, lo que en la jerga de la calle llamaríamos un beaucoup de trompeta, ya sabes.
PAUL DESMOND: ¿“Bocú” de trompeta?
CHARLIE PARKER: Sí.
PAUL DESMOND: Ah, vale.
CHARLIE PARKER: Ya sabes, como si fuera a todas partes con el instrumento a cuestas.
PAUL DESMOND: Ya.
CHARLIE PARKER: Y solíamos ir por ahí, a varios sitios, a tocar juntos en jam sessions. Lo pasamos bien en aquella época y, poco después, de que la banda de [Jay] McShann regresara al Oeste –yo me marché con ellos– volví de nuevo aNueva York y me reencontré con Dizzy, en la vieja banda de [Earl] Hines en 1941, en la que entramos a formar parte juntos. Yo estaba en Nueva York y me... nos quedamos en la banda cerca de un año. Éramos Earl Hines [piano] y Dizzy Gillespie, Sarah Vaughan [segundo piano y voz], Billy Eckstine [voz], Gail Brockman [trompeta], Thomas Crump [saxo alto]. Ah, y también Shadow Wilson [batería]... Unos cuantos nombres que reconocerías en la escena actual estaban en esa banda.
PAUL DESMOND: Menuda colección.
CHARLIE PARKER: Esa banda se disolvió en el 41. En el 42, Dizzy estaba en Nueva York. Formó su combo en el Three Deuces, en Nueva York, y yo entré en el grupo. Entonces fue cuando salieron los discos que vas a poner ahora. Ésos los grabamos en Nueva York en el 42.
PAUL DESMOND: Ya, supongo que la primera vez que oí ese grupo fue cuando viniste al Billy Berg’s [en Hollywood, California].
CHARLIE PARKER: Oh, sí, pero eso fue en el 45, eso fue más tarde... Ya llegaremos a ese punto.
PAUL DESMOND: Sólo estoy indicando hasta qué punto yo estaba retrasado respecto a todo esto.
CHARLIE PARKER: No digas eso, la modestia no te llevará a ninguna parte.
PAUL DESMOND: De buen rollo [risas].
JOHN McLELLAN: ¿Ponemos esto del 42, entonces?
PAUL DESMOND: Sí.
JOHN McLELLAN: Vale, esto es “Groovin’ High” con Dizzy y Charlie.
[Interludio musical]
JOHN McLELLAN: “Groovin’ High”, 1942, con Charlie Parker, Dizzy Gillespie y compañía.
CHARLIE PARKER: Efectivamente.
JOHN McLELLAN: Supongo que eran Slam Stewart [bajo] y Remo Palmieri [guitarra], y no sé quién está al piano.
CHARLIE PARKER: Sí, creo que era Clyde Hart.
JOHN McLELLAN: Probablemente. Sí, creo que sí.
CHARLIE PARKER: Y Big Sid Catlett [batería]… ya murió.
PAUL DESMOND: Decías que en el 42 había un buen ambiente en Nueva York.
CHARLIE PARKER: Sí que lo había. Podría decirse que eran los buenos tiempos, ¿sabes, Paul?
PAUL DESMOND: Sí, claro.
CHARLIE PARKER: Juventud, divino tesoro.
PAUL DESMOND: Dímelo a mí.
CHARLIE PARKER: Bueno, gráficamente, como iba diciendo, divino tesoro, sin un duro en el bolsillo.
PAUL DESMOND: Les habla el abuelo Parker.
CHARLIE PARKER: Teníamos que tocar, no nos quedaba otra, ya sabes, y lo pasábamos muy bien intentando tocar. Hice un montón de jam sessions, muchas madrugadas, mucha buena comida, vida sana, ya sabes, pero por lo general, mucha pobreza.
PAUL DESMOND: Eso siempre está bien... Nada de preocupaciones.
CHARLIE PARKER: Tiene su momento en la vida, desde luego.
PAUL DESMOND: ¿Te habría gustado que ese tipo de situación se hubiera mantenido indefinidamente?
CHARLIE PARKER: Bueno, me gustara o no, se mantuvo, Paul. En cierto modo me alegro de que se terminara... E insisto en lo de "en cierto modo".
PAUL DESMOND: Entiendo.
CHARLIE PARKER: Sí, es algo que disfrutaba un poco, en realidad mucho más, tener el placer de trabajar con los músicos que he conocido. Y también he conocido a gente más joven, gente que va saliendo. Disfruto trabajando con ellos cuando tengo la ocasión. Si se me permite decirlo, eso te incluye a ti, Paul.
PAUL DESMOND: ¡Oh, gracias!
CHARLIE PARKER: Lo he pasado muy bien trabajando contigo, ha sido un placer único, David... Dave Brubeck… David Brubeck. Desde aquel entonces han ido saliendo montones de gente. Te hace sentir que todo lo que has hecho no ha sido en balde, ¿sabes?, que realmente has tratado de demostrar algo y...
PAUL DESMOND: ...Hombre, tú sí lo has demostrado. Creo que has hecho más que nadie en los últimos 10 años a la hora de dejar una huella decisiva en la historia del jazz.
CHARLIE PARKER: Bueno, aún no, Paul, pero ésa es mi intención, aún no he terminado del todo. No he... no me considero demasiado viejo para aprender.
PAUL DESMOND: No, yo conozco mucha gente que ahora mismo te observa con el mayor interés para ver con qué vas a salir en los próximos años, yo me cuento entre los que están en primera fila. Bien, ¿cuáles son tus planes?
CHARLIE PARKER: Hablando en serio, voy a intentar marcharme a Europa a estudiar. Tuve el placer de conocer a un tal Edgar Varèse en Nueva York. Es un compositor clásico europeo. Es francés, un señor muy agradable, y quiere enseñarme. De hecho, quiere componer para mí porque cree que a mí... más o menos en plan serio, sabes, y si me acepta... quiero decir, después de terminar con él, yo podría tener la ocasión de acudir a la Academia de Musicalle en el propio París y estudiar. Mi principal interés es aprender a tocar música, ya sabes.
PAUL DESMOND: ¿Estudiarías interpretación o composición?
CHARLIE PARKER: Ambas cosas. No quiero dejar de tocar mi instrumento nunca.
PAUL DESMOND: No deberías, sería una catástrofe.
CHARLIE PARKER: No quiero permitir que ocurra, no daría resultado.
PAUL DESMOND: Bueno, nos estamos adelantando a la secuencia de discos, pero ha sido muy interesante. ¿Algo que decir sobre Miles Davis?
CHARLIE PARKER: Sí, bien, yo... te diré como conocí a Miles. En 1944, Billy Eckstine formó su propia banda. Dizzy estaba en esa orquesta, también Lucky Thompson [saxo tenor]. Estaban Art Blakey [batería], Tommy Potter [bajo], un montón de gente más y, por último y en último lugar, un servidor.
PAUL DESMOND: La modestia no te llevará a ninguna parte, Charlie.
CHARLIE PARKER: [Risas]Tuve el placer de conocer a Miles en San Luis, cuando era un chaval y todavía iba a la escuela. Más tarde vino a Nueva York. Terminó sus estudios en Julliard, Miles. Se graduó en Julliard y, por aquel entonces, yo estaba empezando a formar mi grupo, ya sabes, cinco miembros, sin personal fijo. Así que formé un grupo y me lo llevé al Three Deuces unas siete u ocho semanas. Y y en aquel momento –después de que se disolviera la banda de Eckstine– Dizzy estaba a punto de formar su propia banda. Pasaban tantas cosas al mismo tiempo que es difícil describirlo, porque pasó todo en cosa de meses. En cualquier caso, me marché a California en 1945 tras disolver mi grupo, el primer grupo que tuve, y no regresé a Nueva York hasta el 47, a principios del 47. Y fue entonces cuando decidí tener mi propia banda de forma permanente, y Miles estaba en mi banda original. Tenía a Miles. Tenía a Max [Roach, batería], tenía a Tommy Potter [bajo] y a Al Haig [piano] en mi banda. Luego tuve otro grupo con Stan Levey [batería], tenía a Curley Russell [bajo], a Miles y a George Wallington [piano]. Pero, creo que por ahí tienes un disco, uno de los que hice con Max y Miles, creo, más un servidor, Tommy y Duke Jordan [piano]. Creo que es “Perhaps”. ¿No es ése? Bien, éste salió en, digamos, en el 47... 46 o 47. Estos temas se grabaron en Nueva York, en los estudios WNEW, en el 1440 de Broadway, y fueron el principio de mi carrera como líder. [3]
JOHN McLELLAN: Vale, escuchemos “Perhaps”.
[Interludio musical]
JOHN McLELLAN: De esta manera, dado que nos hemos quedado sin tiempo y aún hay mucho por comentar, continuaremos con esta entrevista grabada con Charlie Parker a cargo de Paul Desmond el próximo sábado a las 7. Me gustaría recordarles que aprovechen la ocasión, esta noche o mañana, para escuchar a Charlie Parker con su grupo en el Hi Hat y a Paul Desmond con el cuarteto de Dave Brubeck en el Storyville. John McLellan se despide de ustedes con el deseo de que reencontrarles el próximo sábado a las 7 para escuchar la segunda parte de la historia de Charlie Parker y más música...

Corrado

Últimamente estoy obsesionado con un tema bastante desconocido del gran Miles. Se llama Corrado, es de composición propia y está publicado en The Bitches Brew Complete Sessions. Es uno de los varios temas descartados para el álbum. La verdad es que es un tema bastante particular en su trayectoria pero es brutal.
Es un tema muy oscuro pero con un ritmo hipnotizador que engancha al momento, luego la entrada de Miles haciendo una melodía que no te esperas y ya no puedes parar de escucharlo.
Hay que ver de lo que era capaz este tío, en un disco como Bitches Brew, que tiene muchos minutos de música y fue el primer álbum doble de jazz, tiene material para otros dos cds con temas descartados de una calidad increíble, y este es buena muestra de ello.
Corrado, una joya escondida.

La casa de la calle 77

Encontré una fotografía de la famosa casa de Miles en New York durante 20 años. La casa de la calle 77 que para todo aquel que haya leído su afamada autobiografía, le traerá imágenes muy diversas.
En esta casa organizó su mujer de entonces, la bailarina Frances Taylor, una fiesta en honor de Robert Kennedy en la que al parecer estuvo entre otros muchos famosos, Bob Dylan, premio príncipe de asturias de las artes 2007. Miles relata en su libro que no recuerda haberlo visto y esto me imagino es porque estaría bajo los efectos de...
En el sótano de esta casa ensayaron muchos de sus grupos. De hecho, recién incorporado Wayne Shorter al quinteto con Hancock, Williams y Carter, los puso a ensayar hasta que decidió bajar y unirse al que sería uno de los quintetos más importantes de la historia de la música.
Miles estaba muy orgulloso de su casa que tenía nada menos que tres plantas porque representaba un símbolo de poder y estatus que para el propio Miles representaba su triunfo. él vivía en el primer piso y el resto los tenía alquilados. Cuenta varias anécdotas como un follón que tuvo con sus vecinos y al llegar la policia se llevaron a Miles porque era negro a pesar de que era el propietario del inmueble. También cuenta que un día vino un "blanquito" a reparar algo en la vivienda y al ver a Miles le preguntó si estaba el propietario, hecho que le ofendió profundamente y sobre el que comentó que el "blanquito" no se podía creer que un negro fuese el dueño de esa casa.
También fue aquí donde pasó sus años de oscuridad, inmerso en un mundo de alcohol, cocaína, suciedad y un largo etc. que le tuvo 5 años sin coger la trompeta y vagando de bar en bar todas las noches. Durante este período su casa no vio la luz, permaneció en penumbras y llena de basura por todas partes hasta que su hermana Dorothy y su futura esposa Cicely Tyson lo enderezaron y consiguieron que volviese al ruedo.
A mediados de los ochenta Miles se vio obligado a vender la casa por problemas fiancieros, hecho que le entristeció mucho según cuenta en su autobiografía porque le tenía gran cariño. Ásí que pasó a vivir en un apartamento de New York y cuando resolvio sus problemas financieros se compró una casa en Malibú.
En fin, que me ha sorprendido encontrar esta casa en una página dedicada a Miles porque forma parte indisoluble de su propia historia.

Miles Davis cumple 81 años

El pasado 26 de mayo se cumplieron 81 años del nacimiento de Miles Davis. En la página web regentada por su familia anuncian que sus hijos Erin y Cheryl Davis junto a su sobrino Vincent Wilburn lo celebraron en una fiesta que tuvo lugar en el Rock Wall.
Dada la ceniza aficción que tenemos de celebrar siempre las muertes, es saludable ver que se celebran los nacimientos porque siempre aparecen las fechas de las muertes y se celebran los parasiempre aniversarios de la muerte de tal o cual figura. Es mucho má saludable celebrar los nacimeintos, en caso de que haya que celebrar algo porque ese puede ser considerado como un día feliz me imagino, en la vida del homenajeado, pero su muerte supongo que sería su día más trágico.
El 26 de mayo de 1926 vino al mundo Miles Dewey Davis III, nacido en East Saint Louis. Desde su nacimiento ya nada volvería a ser lo mismo en el mundo de la música. 18 años años después se encontraría ya tocando en la banda del más grande saxofonista alto de todos los tiempos Charlie Parker. Comenzó su andadura tocando en la banda más hot de la nueva música, el estilo que cambiaría para siempre el jazz y la música en general, el Be Bop. Tras vivir esta tormentosa época y escribir ya su nombre entre los grandes del jazz comenzaría la que posiblemente sea la carrera más prolífica de la música del siglo XX.
En el 49 realizó su primera revolución inventando lo que se denominaría Cool Jazz con la publicación de Birth of the Cool. Un estilo bien distinto al Be Bop y que se extendería por toda la costa Oeste dejando a intérpretes de la talla de gerry Mulligan o Chet Baker.
Tras unos años oscuros provocados por su adicción a las drogas en los que no faltaron magníficos albums como Walkin´o Bags Groove formó su primer gran quinteto junto a John Coltrane con el que nos dejó uno de los mayores patrimonios musicales de la historia, las míticas sesiones de prestige, y los álbumes Round Midnigth, Milestones y por supuesto el disco de jazz más laureado de todos los tiempos, Kind of Blue. Aunque estos dos últimos grabados a sexteto junto a Cannonball Aderley. Este álbum significaría el comienzo del jazz modal que tantas influencias a tenido en todos los estilos de música.
Mientras tanto grabó tres discos que cambiaron parasiempre la música orquestada de jazz junto al gran Gil Evans, Miles Ahead, Porgy and Bess y Seketches of Spain, que sería también una pequeña revolución al mezclar el jazz con la música española y el flamenco.
Por lo que a finales de los 50, el joven Miles ya había protagonizado tres revoluciones musicales y había estado en otra que era el Be Bop.
En los sesenta grabó junto a su nuevo quinteto con Wayne Shorter al saxo, una serie de álbumes que para muchos representa la mejor época del trompetista. En medio de la Free Thing el quinteto de Miles creó su propio estilo dando un enfoque vanguardista pero a la vez conservando el clasicismo dejándonos obras como E.S.P. o Miles Smiles.
A finales de los 60 comenzaría su cuarta revolución iniciando lo que se llamaría jazz rock o jazz fusion con los álbumes In a Silent Way y Bitches Brew y cambiando para siempre el curso del jazz que empezaría a utilizar instrumentos eléctricos.
Tras cinco años retirado y sumergido en un mundo de drogas y demás, regresaría en los 80 para ofrecernos su quinta revolución aunque también su meos valorada, el jazz funk, por llamarlo de alguna manera, que lejos de la mezcla del rock setentero de suanterior etapa aquí mezclaba el jazz con la música que sonaba en los ochenta utilizando los sintetizadores como base musical. De esta etapa destacan Tutu y Amandla.
Pero Miles no se iría sin hacer ruído. Tras su muerte apareció su álbum póstumo Doo Bop que aunque es una obra inacabada por parte de Miles pero si por el rapero Easy Moo Be, representaría otra revolución más en la música puesto que abriría el paso a un estilo que nacería en los 90. Este álbum mezcla el Hip Hop con el jazz y la música electrónica y esta fórmula tendría exponentes de la talla de Guru´s Jazzmatazz o incluso Saint Germain que se pondría de moda 10 años después de que se publicase Doo Bop.
Con este pequeño texto en forma de homenaje celebro el 81 cumpleaños de Miles porque prefiero brindar por el día que nació y olvidar el día que murió.

Medeski Scofield Martin & Wood homenajean a Miles

El que fuera guitarrista de Miles durante tres años a principios de los 80, el gran John Scofield, acaba de publicar un disco junto al trio Martin Medeski and Wood. El disco se llama Out Louder y retoma el concepto del exitoso álbum del guitarrista A Go Go en el que contaba con esta formación. Pero Medeski Scofield Martin & Wood es un grupo a partes iguales y eso se nota si lo comparamos con A Go Go que era un disco de Scofield en el que el trio aparecía como una sección rítmica pero el claro protagonista era el autor del álbum. En Out Louder el grupo funciona como una banda en la que no hay líder lo cual se nota en lo musical.
La edición de este disco se completa con un segundo cd con una actuación en directo del grupo donde su comportamiento es más enérgico y contiene momentos sublimes como la versión del A Go Go dónde Scofield demuestra su potencial.
En este álbum, que es uno de los lanzamientos del año, hay un tema dedicado al gran Miles que se llama "Miles Behind" y recuerda al Miles eléctrico de mediados de los setenta. Scofield utiliza en este tema el Wah Wah como intentando reproducir la trompeta de Miles.

Don Cheadle será Miles Davis

Tras cerca de un año desde que se tanteó la posibilidad de hacer una película sobre Miles Davis, al fin se ha confirmado el proyecto. Don Cheadle será el director y productor de la película además de interpretar al trompetista. Ahora sólo queda cruzar los dedos y a ver que pasa. La verdad es que la noticia no es muy alagadora puesto que es el primer trabajo como director de este actor y la verdad es que este proyecto exige de alguien con más experiencia creo yo. Espero equivocarme, además no dudo de las inteciones de Don Cheadle cuando se implica de esta manera en el proyecto pero es que esta película que para muchos significa un proyecto apasionante, no es muy sencilla de hacer y si va a caer en la superficialidad de películas como Ray o Camarón etc. es mejor no hacerla porque sería una decepción. Además significaría perder la gran oportunidad que es llevar a la gran pantalla la vida de este genio.

Teo Macero reaparece

El gran Teo Macero ha aparecido recientemente con Erin Davis, hijo del genial trompetista y con Vince Wilburn, sobrino de Miles que tocó con él en varias giras. Teo macero ha sido un reconocido productor de la Columbia al que sin duda hay que rendirle homenaje.
Ha sido el productor de Thelonius Monk en discos como Monk´s Dream, productor del Dave Brubeck Quartet en su álbum Time Out, ha producido la banda sonora de "El Graduado", la pélícula protagonizada por Dustin Hoffman y también ha sido productor de Simon and Garfunkel en éxitos como "Mrs. Robinson".
De todos modos es más conocido por haber sido el productor de Miles Davis durante muchos años en los que ha realizado muchas de las más grandes obras del trompetista. Ha producido junto a Miles discos como Kind of Blue, Sketches of Spain, Someday My Prince Will Come, Miles Smiles, In a Silent Way, Bitches Brew, A Tribute to Jack Johnson y tambiénprodujo los primeros discos de Miles tras su regreso en los 80.
Tuvo una relación de amor odio con Miles puesto que este último dejó de trabajar con él e incluso estuvo casi tres años sin hablarle tras la publicación del álbum Quiet Nights. Este trabajo fue considerado incompleto por sus creadores Miles y Gil Evans ya que tan sólo habían grabado 20 minutos del mismo y no estaban muy satisfechos con el resutado pero la Columbia y Teo Macero publicaron este disco, que pasa por ser uno de los peores en la larga discografía de Davis, completandolo con un tema grabado en pequeño grupo que contrasta con la orquesta utilizada para el resto del álbum. En un intento de publicar otra exitosa colaboración entre Miles y Gil, la Columbia decidión encargar a Teo que rematara el trabajo y lo publicó, lo que provocó la ira de miles y el posterior enfado con Teo.
De todos modos esto es un hecho anecdótico, lo cierto es que Teo Macero ha contribuído en gran medida a crear muchas de las obras maestras de Miles y podemos considerar su legado como uno de los más grandes como productor de jazz.