Cuando los grandes hablan...

El lanzamiento de este disco ha convulsionado al mundo del jazz y es que no es para menos. Estamos ante una verdadera obra maestra y eso no ocurre demasiado a menudo. Cuando uno se conecta a la gramática del sonido que nos propone Mr. Coleman, tiene desde el primer momento la impresión de estar ante una absoluta obra maestra, ante un clásico imprescindible, ante una música atemporal y eterna.

Este incansable innovador sigue abriendo camino, esta vez con una formación tan atípica como original, dos contrabajos, batería y el saxo, violín y trompeta de Ornette.

Sound Grammar es sin duda el acontecimiento musical del año y me atrevería a decir que del milenio. Leí no hace mucho una crítica sobre este álbum que lanzaba una pregunta al lector: ¿cuantas veces tiene uno , cuando escucha un disco, la impresión de estar ante una obra maestra? Creo que esta reflexión define perfectamente la sensación que produce escuchar este disco.

La propuesta de la gramática del sonido recoje de alguna manera toda la tradición jazzistica hasta nuestros días. En sus composiciones se pueden escuchar casi todas las vertientes estilísticas del jazz, desde el blues, hasta el free.

Es dificil calibrar la importancia que tiene este lanzamiento, porque es enorme, pero lo que sí es cierto es que es absolutamente admirable que el mismísimo Ornette Coleman siga marcando la pauta de la innovación en el siglo XXI.

Sound Grammar eclipsa sin duda todos los lanzamientos discográficos que haya podido haber este último año, es un disco que ya forma parte de la historia del jazz y que está entre los mejores trabajos de su autor. Para mí esto sólo es comparable a lo que supuso el lanzamiento de otro de los grandes, Wayne Shorter, cuando publicó "Footprints" ofreciendo una propuesta única con una banda de excepción, Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade. Para mí, y eso significa una visión muy particular y muy parcial, estos dos discos son los discos de referencia del jazz del siglo XXI, junto a un tercero que para mí es la obra cumbre de la generación del jazz actual, "Next Step" de Kurt Rosenwinkel.

Shorter y Coleman no se prodigan mucho en cuanto a producción discográfica. Después de más de cuarenta años haciendo historia y dejándo tras de sí un puñado de obras maestras, no necesitan hacer más. Han adquirido la madurez suficiente como para saber que menos es más, y que sólo necesitan aparecer cuando tienen algo que decir. Pero lo grande es que cuando lo hacen reinventan la historia, y demuestran porqué son quien son, y el resto de los mortales solo podemos admirarlos y disfrutar de su música. Y es que cuando los grandes hablan...

Mis discos 2007

Tras dejar el 2007, uno hace balance musical de todo el año y la verdad es que en lo que a mi respeta, no ha habido demasiadas novedades a destacar. Este año me he inclinado más por las reediciones y por repasar discos antiguos redisfrutando su grandeza. Dejando aparte la gran sorpresa que me han producido descubrimientos como Andrew Hill, en el 2007 mi banda sonora ha sido el repaso a toda la obra de dos genios, Thelonious Monk y John Coltrane.
En cuanto a las novedades del 2007, de lo que yo he escuchado me quedo con:
- Ornette Coleman "Sound Grammar"
- Michael Brecker "Pilgrimage"
- Herbie Hancock "River: The Joni Letters"
- Chris Potter 10 "Song for Anyone"
- John Scofield "This Meets That"
- Avishai Cohen "As Is...live at the Blue Note"
- Raynald Colom "Sketches of Groove"

El sello que Coltrane impulsó - I!

El último libro de Ashley Khan ofrece un detallado recorrido por la historia de uno de los sellos más emblemáticos de la historia del Jazz: Impulse Records.

"El sello que Coltrane impulsó" es el título de este interesante repaso al sello en el que Coltrane publicó muchos de sus más importantes trabajos como A Love Supreme, Ascension, Ballads, Crescent y un largo etc. puesto que la política de Impuse! era la de grabarlo todo, de modo que el catalogo se consolidó, en pocos años como uno de los más interesantes del momento.

Se puede decir que Impulse! destacó por dos cosas fundamentalmente, por ser el sello de Coltrane y por tener una visión distinta a sus sellos contemporáneos. Así este sello, que formaba parte de la gran ABC, contaba con un presupuesto elevado para las grabaciones de jazz, desde su producción hasta su diseño caracteristico por el color naranja y negro y por las fundas de los discos desplegables.

Entorno a la figura de Trane se construyó el sello que albergó a la gran parte de los protagonistas de la New Thing o del jazz de vanguardia. Esto no hizo sino que agrandar aúna más la figura del saxofonista puesto que debido a lo bine que funcionaban las ventas de sus discos se forjó la identidad de Impulse! a través de los músicos de la generación de Trane que compartían su visión y que lo tenían por su total referente. Músicos como Pharoah Sanders, Archie Shepp desarrollaron su música en este sello gracias al camino que Trane y un atrevido productor, Bob Thiele, abrieron.

El libro está estructurado entorno a la vida e influencia de Coltrane pero es que esto no puede ser de otra manera puesto que las distintas fases del sello estuvieron condicionadas por los movimientos del genio. Incluso después de su muerte, Impulse! siguió aprovechando todo el material que había grabado editándolo en lo que dio de sí un buen número de álbumes que permiten seguir los pasos que dio Coltrane hasta su fallecimiento.

Ashley Khan es el autor de otros dos extraordinarios libros que desarrollan la historia de problablemnte los dos álbumes más influyentes Kind of Blue y A Love Supreme que contribuyen a mantener vivo y para la posteridad lo que se ha llamado el único patrimonio cultural de los Estados Unidos, el jazz.

Charlín no para!

Paco Charlín no para de deleitarnos con su música. Si el año pasado publicó nada menos que 3 discos a su nombre, este año vuelve a la carga con la publicación simultánea de otros dos lanzamientos.

El pasado año, Charlín se estrenaba en solitario con su The Ultimate Jazz Earth-tet con el que publicó "part I" y "part II", una formación compuesta por el saxofonista Jaleel Shaw, el guitarrista Jonathan Kreisberg y el batería Donald Edwards. Estos dos trabajos incluyen composiciones de Charlín en las que muestra al mundo el pedazo de músico que es. Además también publicó otro disco a trio con Jaleel Shaw y Donald Edwards llamado "Jazz Frequency Group vol I" en el que hace un repaso a un repertorio clásico con temas de Parker, Coltrane o Rollins entre otros.

Cuando estábamos empezando a digerir todos estos trabajos, Paco nos vuelve a bombardear con la segunda parte del Jazz Frequency Group, con la misma formación que el primero y con versiones de Miles, Shorter, Mingus etc. Además publica un nuevo disco a su nombre llamado "nature´s sound" en el que cuenta con el saxofonista Javier Vercher, con una de las promesas del jazz gallego y miembro del S.O.S. el guitarrista Virxilio da Silva, Aruán Ortíz al piano y Brannen Temple a la batería.

Paco es uno de los bajistas más importantes del momento y además se está convirtiendo en uno de los músicos más prolíficos gracias a la discográfica que él mismo ha fundado y en la que están publicando excelentes discos la mayoría de los jazzistas gallegos, Free Code Jazz Records. Pero siempre es un placer escuchar todo lo que hace. Un ejemplo de Cantidad+Calidad.

Avishai Cohen publica su primer disco en directo

Avishai Cohen publica su primer álbum en directo, grabado en el mítico club neoyorquino Blue Note. El disco, que se titula "As is... live at the blue note", viene acompañado de un DVD con una de las actuaciones en directo que complementa de manera más que satisfactoria esta publicación.

Para esta ocasión, Avi ha contado con su trio habitual formado por el exquisito Sam Barsh al piano y el explosivo Mark Giulliana a la batería a los que se añaden en algún tema el saxofonista Jimmy Greene y el trompetista Diego Urcola.

El repertorio se centra en su último trabajo de estudio, Continuo y algunos temas de álbumes anteriores como "Adama" y "At Home".

Este disco nos muestra al mejor Avishai con un variado repertorio que deja claro su dominio tanto del bajo eléctrico como del contrabajo. El disco se abre con una potente y electrificada versión de Smash en la que Sam Barsh utiliza, además del piano, un teclado con Wah Wah mientras que Avi con su bajo eléctrico hace un acompañamiento slapeado. El final del tema es espectacular con Jimmy Greene mostrando sus dotes al saxo soprano que nos recuerdan al mismísimo Coltrane y a Kenny Garret. Particularmente suena como el final de Human Nature de Miles Davis en los 80.

Continua con una preciosa balada llamada Elli en la que el grupo nos enseña su capacidad de sutilidad y belleza. Inmediatamente después el grupo al completo nos ofrece una versión de Etude en la que podemos apreciar la faceta más latin de la música de Avishai.

Bass Suite 1 es un tema rescatado de su primer disco Adama en el que Avi está espectacular ofreciendonos un pedazo de solo al contrabajo. Volvemos al latin con la potente Feedlop y después a la pedazo de balada Remembering que es quizás la mejor muestra del sonido que caracteriza a este trio y a la capacidad de este gran bajista de conmover con susu composiciones. Ya como broche de oro, el grupo se marca una versión groove del mítico Caravan de Duke Ellington que sirve como una espacie de fiesta sobre el escenario.

Avishai es uno de los músicos más creativos en la actualidad, tanto con sus propios proyectos como de acompañante en otros muchos. Un bajista completísimo, con un dominio total de su instrumento al que utiliza también como elemento percusivo, con un sonidazo como pocos. Además hay que destacar una faceta más escondida que es la de bajista eléctrico en la cual Avishai transmite el legado de su principal influencia en este instrumento, el gran Jaco Pastorius.

Monk

Laurent de Wilde es el autor de un extraordinario libro sobre Thelonious Sphere Monk que ha publicado la editorial Alba.

Este libro, a diferencia de la mayoría de este género, destaca por su gran calidad. No es una biografía al uso sino un relato sobre la vida del gran Monk pero basándose en reflexiones que hace el propio autor que, lejos de ejercer de biógrafo, lo que hace es reflexionar sobre la vida de Monk y sus particularidades.

Thelonious Monk ha sido uno de los músicos más importantes del jazz. Esto se dice a veces sobre mucha gente, pero en este caso estamos hablando de uno de los pilares imprescindibles del jazz.

Ha sido un pianista y un músico totalmente revolucionario. Representó la otra corriente del piano del jazz ofreciendo un discurso y una manera de componer distinta al otro genio de su generación, Bud Powell.

Monk siempre se movió en la disonancia, siendo un auténtico innovador por su lenguaje partucular y su su también particular técnica que muchos han considerado discutible. En lo que nadie vacila es en que se trata de uno de los más importantes compositores de jazz del siglo XX con temas tan laureados como Round Midnight, Blue Monk, Straight no Chaser, Misterioso y un gra elenco de títulos que son una de las piedras angulares del jazz.

La extravagante personalidad de este genio es sobradamente conocida y provoca que no haya mucha información sobre su vida puesto que siempre fue muy reservado en cuanto a su vida privada.

Monk tuvo una carrera dificil, su genio fue incomprendido por el gran público hasta que publicó el que probablemente sea su obra maestra, Brilliant Corners aunque ya había compuesto y publicado la gran mayoría de los temas que le hicieron famoso. A pesar de que Monk era uno delos músicos más respetados por la colectividad musical, sufrió la marginación del público y le fue, además retirada la licencia que permitía tocar en los clubes de Nueva york por lo que estuvo muchos años sin poder hacer bolos.

Laurent de Wilde nos acerca con un gran estilo a la compleja personalidad de este genio, ahondando en sus éxitos y fracasos, en sus últimos años retirado del mundo en la casa de su gran amiga y posiblemente amante la Varonesa Pannonica, dónde falleció al igual que Charlie Parker.

Este libro se vuelve imprescindible para acercarnos al que posiblemente sea uno de los cuatro músicos más importantes del jazz, y eso es mucho decir.

Ornette deslumbra A Coruña

Ayer tuve el privilegio de asistir a un acontecimiento absolutamente memorable, un concierto de nada menos que Orentte Coleman. El papá de Free Jazz aterrizó en A Coruña haciendo gala de la maestría y la clase que lo ha convertido en uno de los grandes genios de la música del siglo XX.

A priori, no sabía lo que me iba a encontrar, no he escuchado (todavía) su último disco, tras 10 años sin publicaciones, y que tantos halagos está recibiendo, Sound Grammar. Pero qué importa cuando uno va a ver a un hombre que ha innovado tanto en el jazz. Cuando vas a ver a alguien como Ornette, no puedes llevar ideas preconcebidas de lo que vas a escuchar porque te puede sorprender por donde menos te lo esperas. Por lo que lo ideal es ir totalmente dispuesto a encontrarte con cualquier cosa que se le ocurra hacer. Lo único que has de tener en cuenta es que te encuentras ante una figura de una grandeza absoluta y que asistirás a un trocito de la historia de la música. A uno de los pocos mitos vivientes del jazz, junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter y poco más.

El concierto fue espectacular de principio a fin. En poco más de hora y cuarto Ornette dejó a su público completamente entregado a la magia de su música. Lo más sorprendente es que a sus 76 años, este incansablem innovador sigue marcando la batuta en el mundo del jazz, atreviéndose con una formación nada convencional: batería, dos contrabajos, bajo eléctrico y su saxofón que intercambió por momentos con su trompeta y su violín.

Ornette está en plena forma, con un sonido espectacular y una intuición impoluta tras el paso de los años. Ofreció un concierto variado coqueteando con la música clásica, el puro estilo free, groove e incluso por momentos recordó a la etapa del Miles de lo 70. Como no podía ser de otra manera, el blues marcó buena parte del repertorio, un blues con muchas raíces. Todo este colage, con una perspectiva absolutamente libre que dejó exhausto al auditorio.

La banda y el concepto que propone son absolutamente brillantes con texturas y sonidos que rozan lo supersónico, sonidos nuevos, sonidos desconocidos, en definitiva que Ornette juega con los cinco sentidos y ofrece un repertorio, en absoluto lineal o melódico, o yo que sé... es un espectáculo de sonidos, harmonías texturas, sugerencias. No puedo desribirlo, sólo adjuntar sensaciones.

En fin, tengo que agradecerle que me dejase entrar por un día en ese universo sonoro al que no tengo acceso cotidiano, y disfrutar de un cúmulo de sensaciones totalmente nuevas para mí.

He visto al Dios Ornette y eso siempre será para recordar.