emiles

Lo mejor del 2011

2012-01-25T03:20:00.000-08:00

Debe ser cierto eso que dicen sobretodo los porteños de que en época de crisis aumenta la creatividad. Este año ha sido un gran año en cuanto a jazz se refiere, no sólo por el número de publicaciones sino por la gran calidad de muchas de las grabaciones a las que he tenido acceso y con las cuales me iría a una isla desierta ahora mismo.
Es por eso que este año haré una lista muy larga. Insisto, como siempre, en que hago esta lista sin orden y sin más criterio que el de poner los discos que más me han gustado este año. Unos años escucho menos novedades y por eso la lista es más corta, y otros años, como este es más larga porque he escuchado un montón de novedades en 2011.
Hay por lo menos 8 discos que podrían perfectamente ser el disco del año para mí y eso reduciendo considerablemente la lista. Discos como el de Peter Evans Quintet "Ghosts", o como los que ha publicado David Binney, tanto "Graylen Epicenter" como "Barefooted Town", o el de Ambrose Akinmusire "When the Hearts Emerges Glistening", o los dos de John Escreet "Exception to the Rule" y "The Age We Live In" y como no, una de las maravillas de este año, el de Chris Lightcap´s Bigmouth "Deluxe". Además están el disco de Joe Lovano Us Five "Bird Songs" que es un clásico instantaneo, o el gran directo de los Mostly Other People to the Killing "The Coimbra Concert" que son dos pedazo de discos. Cada uno de estos discos podrían ser elegidos el mejor disco del año sin que se le pudieran poner muchas pegas.

En el apartado portugués estarían el disco de Lisbon underground Music Ensemble "L.U.M.E." que es otra maravilla. También el precioso proyecto de Mario Laginha Trio "Mongrel" dónde coquetea con la música de Chopin, y el último disco de Carlos Bica & Azul "Things About" que es uno de los mejores de su carrera.
Además del tromptetista de Peter Evans que este año nos ha regalado los oídos en varios proyectos, también cabría destacar el trabajo de otro de los grades de la trompeta contemporánea como es Nate Wooley con su disco "(Put Your) Hands Together" y también otro de los grandes de la vanguardia como es Ralph Alessi con "Wiry Strong". También en trompeta, el nuevo disco de Enrico Rava "Tribe" y la publicación del "Bootlegs Series vol I" de Miles Davis que viene a completar la discografía del genio con 3 conciertos en Europa con su segundo gran quinteto.
De entre los inevitables, este año está el nuevo trabajo de Keith Jarrett, "Rio", que aunque a estas alturas ya no nos sorprenda, sigue haciendo discazos como este. También el nuevo trabajo de Charles Lloyd y su espectacular quinteto, esta vez con la cantante Maria Farantouri en una fusión del jazz con la música popular griega que merece todo el reconocimiento por conseguir mezclar con rotundo éxito algo que bien podría haberse quedado en una mala experiencia. El resultado de "Athens Concert" es brillante y muy original, claro que con músicos como estos...
En el apartado más free también hay muy buenas sorpresas como el nuevo disco de Tony Malaby´s Novela, en el que revisa varios de sus temas con unos arreglos para vientos que aportan otros puntos de vista a sus composiciones. El nuevo disco de Famers by Nature, el grupo formado por Gerard Cleaver, Craig Taborn y William Parker que nos deleita con otra forma de entender el trio. Steve Coleman & Five Elements con "Mancy of Sound" que podría ser una continuación de su anterior trabajo y que no sólo mantiene el listón sino que incluso lo supera en algunos aspectos. Atomic también publica un nuevo doble directo "Thetater Tilters" dónde sin grandes novedades, siguen demostrando que son un supergrupo. También un disco que aunque no se enmarca en esta corrriente, supone el puente entre dos generaciones que tienen mucho que ver con algunos de los músicos a los que acabo de citar, el disco "Aphex" de Rudresh Mahantapa & Bunky Green.
Y ya con un estilo más mainstream estaría el disco de Walter Smith III para Criss Cross, o el debut discográfico de uno de los puntales de la guitarra actual Gilad Hekselman. También el supergrupo formado por Joshua Redman, Aaron Parks, Matt Penman y Eric Harland "James Farm". Y por último un disco que me ha encantado y sorprendido a partes iguales el último de Figth the Big Bull, una batidora de estilos que marcan una dirección más que interesante de música contemporánea.

- Peter Evans, "Ghosts" (More is More)
- Mostly Other People do the Killing, "The Coimbra Concert" (Clean Feed)
- Ambrose Akinmusire, "When the Hearts Emerges Glistening" (Blue Note)
- David Binney, "Graylen Epicenter" (Mithology Records)
- David Binney, "Barefooted Town" (Criss Cross)
- John Escreet, "The Age we Live In " (Mithology Records)
- John Escreet, "Exception to the Rule" (Criss Cross)
- Chris Lightcap´s Bigmouth, "Deluxe" (Clean Feed)
- Joe Lovano Us Five, "Bird Songs" (Blue Note)
- Farmers By Nature (Gerald Cleaver, William Parker, Craig Taborn), "Out of This World´s Distorsion"
- Joshua Redman, Aaron Parks, Matt Penman, Eric Harland, James Farm (Nonesuch)
- Mario Laginha Trio, Mongrel
- Lisbon Underground Music Ensemble (LUME) (Jaac)
- Fight the Big Bull, "All is Gladness in the Kingdom" (Clean Feed)
- Gilad Hekselman, "Eyes Wide Open"
- Walter Smith III, "III" (Criss Cross)
- Rudresh Mahanthappa & Bunky Green, "Aphex" (Pii Records)
- Steve Coleman & Five Elements, "The Mancy of Sound" (Pii Records)
- Atomic, "Theather Tilters" (Jazzland)
- Carlos Bica & Azul, "Things About" (Clean Feed)
- Ralph Alessi and This Against That, "Wiry Strong" (Clean Feed)
- Tony Malaby´s Novela (Clean Feed)
- Nate Wooley, "(Put Your) Hands Together" (Clean Feed)
- Keith Jarrett, "Río" (ECM)
- Charles Lloyd Maria Farantouri, "Athens Concert" (ECM)
- Enrico Rava Quintet, Tribe
- Miles Davis, The Bootleg series vol 1

David Binney: Barefooted Town

2012-01-02T04:25:00.000-08:00

Qué buenos discos hace siempre David Binney, y además hace muchos. El año 2011 ha sido posiblemente su año ya que ha publicado dos discos que son auténticas joyas y además ha participado en otros, como los de John Escreet que son también otra maravilla.
Hace no mucho comentábamos su trabajo "Graylen Epicenter" publicado en Mithology Records, ahora le toca el turno a "Barefooted Town" un disco totalmente distinto al anterior, pero con dos cosas en común: la música y el saxo de Binney que suena siempre e él en cualquier contexto, y la gran calidad también de este disco.
"Barefooted Town" a diferencia del anterior, está publicado por el sello Criss Cross que le ha servido al saxofonista para ofrecernos otra forma de grabar y concebir su música, con menos posproducción y elaboración, por lo que la fórmula de esta grabación es coger sus composiciones, a un puñado de grandes músicos y meterse dos días en el estudio a grabar. Con los dicos de Mithology, como Graylen epicenter, el músico se toma más tiempo para todo el proceso.
Lo que queda claro con este álbum es que no por tener menos elaboración, el resultado es peor, ni mucho menos, tan sólo es distinto como ya ocurrió en anteriores trabajos. En esta ocasión, el quinteto está formado por Ambrose Akinmusire a la trompeta, David Virelles a la trompeta, Eivind Oipsvik al bajo y Dan Weiss a la batería con la participación del saxofonista Mark turner en 3 temas. Escuchar juntos a Mark Turner y a David Binney es un auténtico lujo. Dos saxofonistas distintos, que no gozan del reconocimiento que merecen y que son ambos una referencia para una legión de músicos.
El disco abre con Dignity, que posee una melodía de esas que se te quedan en la cabeza varios días. Una gran entrada a un disco que no dejará que lo abandones hasta terminarlo. Sigue con Seven Sixty, un tema al más puro estilo Binney, con Dan Weiss magistral conectado con el saxofonista en su solo al igual que con el solo de Akinmusire con el que nos deja uno de los momentos más inolvidables de este disco en un diálogo entre ambos como si la batería fuera un instrumento armónico. Le sigue The Edge of Seasons y después el tema que da título al disco Barefooted Town, un misterioso tema con un motivo de piano repetitivo que crea una gran tensión y sobre el que se desarrolla todo el tema, en el que el único solista es Mark Turner. También interviene Mark Turner en Secret Miracle dónde intercambia improvisaciones con Binney y deleitando al oyente con dos estilos muy distintos pero igual de brillantes.
David Binney termina el disco con las dos baladas del álbum, la primera A Night Every Day, dónde improvisan los dos saxofonistas y Akinmusire y dónde Binney hace un precioso arreglo para los vientos en la melodía del tema. El último tema del álbum, Once, When She Was Here es una estremecedora balada en la que Binney demuestra otra cara de su interpretación, con un sonido suave y cálido y una improvisación preciosa que es un estupendo broche de oro para un disco sobresaliente.
"Barefooted Town" es un disco imprescindible, con unos músicos inspiradísimos y con unas composiciones soberbias que hacen de este uno de los mejores discos del saxofonista y también uno de los disco del año, y ya son 2 de David Binney.

Peter Evans Quintet: Ghosts

2011-12-26T04:55:00.000-08:00

Hablar de Peter Evans, es hablar probablemente del trompetista del momento, un virtuoso del instrumento como pocos, además de un músico muy particular y original. Integrante de los incomparables Mostly Other People to the Killing, dónde destaca como una pieza clave del conjunto, Peter Evans suele moverse en los terrenos de la libre improvisación, como con los conciertos a solo o con el dúo formado por este y por otro de los gigantes de la trompeta actual, Nate Wooley.
Con su nuevo trabajo, "Ghosts", ha dado un paso de gigante publicando un disco que pasa por ser uno de los proyectos más interesantes dela actualidad. Estrenando discográgica: More is More Records y estrenando quinteto: Tom Blancarte al bajo, el batería Jim Black, el pianista Carlos Homs y Sam Pluta que es el encargado de manipular el sonido electrónicamente y en directo, lo que convierte a este trabajo, entre otras cosas, en único.
A través de seis temas originales del propio Evans más una curiosa versión del Stardust de Hoagy Carmichael, el trompetista desarrolla su universo musical concebido para este disco, dónde combina la tradición, desde la cual compone la mayoría de sus temas, aunque abriendolos a armonías más propias del free y que combinando las soberbias improvisaciones con la sonoridad tan especial que crea Sam Pluta con sus interveciones, forman una música a la vez vanguardista y atemporal.
Un disco lleno de grandes y variados momentos que sirven para mucho más que para demostrar que Peter Evans es un gigante de la trompeta, también sirve para demostrar que está dispuesto a explorar nuevos caminos que sirvan para construir el jazz del futuro siempre tendiendo estos puentes desde el arraigo a la tradición, pero con pocas barreras en el camino que quiere trazar. "Ghosts" es problablemente el disco de este año 2011 por su calidad y por su originalidad, un clásico moderno que marcará nuevos caminos a Peter Evans y a todos los que se sientan atraídos por este disco tan especial.

Fallece el mítico batería Paul Motian

2011-12-03T08:53:00.001-08:00

El mundo de la música en general y del Jazz en particular ha sufrido otra de sus grandes pérdidas, la muerte del batería Paul Motian, el último de los integrantes del mítico trio de Bill Evans que hizo historia con sus grabaciones en el Village Vanguard junto al fallecido Scot LaFaro. Motian, de 80 años, seguía siendo un músico muy activo y buena muestra de ello es su cantidad de grabaciones realizadas en los últimos años. Es por ello que pese a su avanzada edad, esta noticia nos ha cogido a todos de sorpresa.
Paul Motian fue uno de los baterías más importantes de la historia del jazz, poseedor de un estilo y una voz única caracterizada por una gran sutileza y por una gran originalidad que conseguía establecer como un vuelo constante entre la definición e indefinición rítmica que era muy apreciada por todos cuantos músicos tocaron con él, que fueron muchos. Un verdadero maestro que nos deja un legado de un valor incalculable. Desde el mencionado trio de Bill Evans hasta las grabaciones con el cuarteto americano de Keith Jarret, sus trios con Bill Evans y Joe Lovano, la serie on Broadway en el sello Winter & Winter o la Electric Be Bop Band junto a jóvenes talentos.
Todos y cada uno de los proyectos de Paul Motian llevan su sello personal, tanto en los que estaba como líder como en los que actuaba como sideman. Ese es su legado la mejor forma de conmemorarlo desde este blog es recomendando sus míticas grabaciones, todas de una gran calidad como su último trabajo junto a Jason Moran y Chris Potter "Lost in Dream" un magnífico álbum que demuestra que nunca perdió su inspiración.

Gilad Hekselman - "Hearts Wide Open"

2011-11-18T05:04:00.001-08:00

Gilad Hekselman es un joven guitarrista israelí afincado en Nueva York al que se le podía seguir la pista a través de sus colaboraciones con muchos de los músicos más importantes de la escena neoyorkina como son Sam Yahel, Mark Turner, Jeff Ballard, Jeff "Tain" Watts, Avishai Cohen, Chris Potter y sobretodo el batería Ari Hoenig, integrando su grupo durante varios años. Ahora publica su primer trabajo discográfico bajo su firma con un grupo de compañeros de lujo. Su habitual trio formado por el bajista Joe Martin y el batería Marcus Gilmore mas la intervención, en cuatro de los cortes, del gran saxofonista Mark Turner, acompañan al guitarrista en "Hearts Wide Open".
El álbum comienza con una intro de guitarra y un silbido que cantan una alegre melodía que nos introduce de lleno en el primer corte del álbum Hazelnut Eyes, dónde ya queda patente la personalidad de este joven guitarrista, poseedor de una voz propia, de una gran técnica y un sonido moderno. Aunque es en los cortes en los que interviene Mark Turner, en los cuales el disco alcanza sus pios más interesantes, lo cierto es que es un disco gratificante, con una sección rítmica bien ensamblada con el líder y unos temas que demuestran la creatividad y originalidad de Gilad Hekselman. Un interesante trabajo y con personalidad que nos descubre a un guitarrista nuevo y al que merece la pena conocer.

Columbia edita una caja con grabaciones del segundo gran quinteto de Miles Davis

2011-11-17T08:39:00.001-08:00

La todopoderosa Columbia ha decidido seguir una estrategia desplegada ya con Bob Dylan, para sacar provecho del legado de Miles Davis. Así, en forma de Bootleg, acaba de publicar en un primer volumen llamado "Live in Europe 1967. The Bootleg series vol. 1" tres conciertos radiofónicos pertenencientes a la gira del quinteto del afamado trompetista ofrecidos en Amberes, Copenhague y Paris mas un DVD con dos conciertos en Karlsruhe y Estocolomo.
El denominado segundo gran quinteto de Miles es una formación histórica, de sobra conocida por todos los aficcionados al jazz y estaba formado por Wayne Shorter al sxo, Herbie Hancock al piano, Ron Carter al bajo y Tony Williams a la batería, una constelación de estrellas dificilmente repetible. Este es el último Miles completamente acústico, a partir de aquí nunca volvería a tocar sin al menos un instrumento eléctrico.
Tras grabar 4 excelentes discos con este quinteto como son "E.S.P.", "Miles Smiles", "Sorcerer" y "Nefertiti" introduciría ya en el siguiente álbum, "Miles in the Sky" en piano eléctrico y la guitarra de George Benson en el mítico tema "Paraphernalia".
El segundo quinteto de Miles Davis desarrolló una música que ha creado escuela, en plena efervescencia de la New Thing y del Free Jazz con el auge sobretodo del sello Impulse!, este grupo marcó una línea distinta pero que alcanzó hitos absolutamente irrepetibles. Aprovechando las ventajas de un grupo en constante evolución y que se tomaba el escenario como un taller de investigación, llevaron la música hasta lugares hasta el momento insospechados. Miles liderando una nueva generación de jóvenes y brillantes músicos que cambiaron parasiempre la historia de la música, y sacando de ellos lo mejor que tenían así como ellos sacaron lo mejor de Miles. De hecho quizás sea este el Miles más dotado de su carrera tocando la trompeta de una forma soberbia como se demuestra en estos tres conciertos.
Una oportunidad para quienes no hayan tenido la ocasión de escuchar en directo a este legendario quinteto con un Wayne Shorter en estado de gracia y un Miles absolutamente soberbio, igual que el resto de los miembros. Aunque los repertorios son muy similares en los tres conciertos, sirve para demostrar la constante evolución y movimiento de la banda. Imprescindible.

Ambrose Akinmusire irrumpe con fuerza en "When The Hearts Emerges Glistening"

2011-11-01T16:46:00.000-07:00

Ambrose Akinmusire es un joven trompetista que hace tiempo que dejó de ser una promesa para convertirse en una referencia de su instrumento. Lo hemos visto como colaborador de músicos como Esperanza Spalding, Walter smith III, Steve Coleman, Paco Charlín en su disco The Game o en varios discos de David Binney, dónde ya había demostrado su talento con creces.

Pero su verdadero paso de gigante lo acaba de dar con su debut a lo grande en el mítico sello Blue Note Records y con el título "When the Hearts Emerges Glistenig". Le acompaña en este álbum su quinteto habitual formado por Gerard Clayton al piano, Harish Ragahvan al bajo, Justin Brown a la batería y el saxofonista alto Walter Smith III que se ha convertido en inseparable del trompetista con el que también comparte cartel en el útimo trabajo de Smith para Criss Cross.
Akinmusire representa una nueva generación en el jazz, heredera de los llamados "Young Lions" de los 80 pero con un bop actualizado y modernizado por las influencias estilísticas de su época. En "When the Hearts Emerges Glistening" el joven trompetista pone de manifiesto que además de ser uno de los trompetistas más interesantes del momento, es un gran compositor ya que aquí hay verdaderos standars modernos como la canción que abre el álbum "Confessions To My Unborn Daughter", una extraordinaria tarjeta de presentación del álbum en la que tras una intro a capella de trompeta empiezan a sumarse los demás miembros de la banda hasta que aparece el saxo de Walter Smith dialogando con la trompeta de Akinmusire y ya quedas atrapado en un disco que no podrás dejar de escuchar. O como "Henya" un tema al más puro estilo Terence Blanchard que es una auténtica delicia.
A lo grande se ha impuesto el joven trompetista, que fue descubierto por Steve Coleman con tan sólo 19 años, en el panorama del jazz, un disco que ha cosechado muy buenas críticas, sin duda merecidas y que augura una fructífera trayectoria la de Ambrose Akinmusire que ya puede quitarse la etiqueta de promesa porque aquí está la realidad.

David Binney: Graylen Epicenter

2011-11-01T16:41:00.000-07:00

Muchas veces hemos oído la expresión de "musician´s musician" es decir: músico de músicos. Bien pues un ejemplo de esto lo consituye el señor David Binney, un saxofoista afincado en Nueva York que es un gran desconocido para la mayoría de los aficionados pero que es uno de los músicos más interesantes de los últimos años, y no sólo por ser un saxofonista espectacular y original, sino también por ser un compositor de primera, como demuestra su extensa discografía.

Se puede decir que hay dos caras en la discografía de Binney, por un lado están los trabajos editados en el sello Criss Cross, y los editados en su propio sello Mythology Records. Si en Criss Cross respeta la filosofía del sello de grabar sesiones al uso con mínima posproducción, en Mythology, el saxofonista se permite elaborar mucho más los discos con un trabajo de posproducción más árduo y por tanto más trabajado en el que selecciona diversas tomas y añade instrumentos etc. Esto no significa ni mejor ni peor, sólo que es distinto, lo que sin duda resulta interesante, pues permite ofrecer dos maneras muy distintas de trabajar, cada una con sus ventajas e inconvenientes pero con algo en común: la gran calidad implícita en todos los trabajos de este saxofonista.

"Graylen Epicenter" es su último trabajo en el sello Mythology y la verdad es que se ha convertido en uno de los discos más interesantes del momento, un trabajo sin duda muy elaborado, con unas composiciones complejas pero muy melódicas y con unos músicos magníficos como son el propio David Binney con el alto y soprano, Ambrose Akinmusire a la trompeta, Chris Potter al tenor, Wayne Krantz a la guitarra, Craig taborn al piano, Eivind Opsvik al bajo, Brian Blade y Dan Weiss a la batería y Kenny Wollesen y Rogerio Boccato a la percusión. Además cuenta con la participación de Nina Geiger, quien harmoniza con su voz el último tema del disco y de la cantante Gretchen Parlato quien canta en "home", un tema con tintes pop y quien hace una espectacular interpretación vocal doblando al saxo y a la trompeta en "Same Stare, Different Thought".

"Graylen Epicenter" es un disco poco convencional, original desde su mismo comienzo, baste destacar que el primer sólo del disco es un espléndido diálogo entre dos de los mejores baterías de jazz como son Brian Blade y Dan Weiss. Un disco muy trabajado en el que no falta de nada, con una gran riqueza armónica y también tímbrica ya que participan un buen puñado de excelentes músicos que aportan mucho color a este gran disco.

David Binney posee una voz única como saxofonista, con una fuerza prodigiosa y unos recursos técnicos extraordinarios que le permiten abarcar un montón de influencias, desde el free, hasta el pop y que posee además una voz absolutamente individual y única, lo que es muy difícil de conseguir. Como compositor también tiene una marca reconocible y tiene la cualidad de crear melodías complejas y angulosas, armonías complejas y hacer que suene muy natural e irremediablemente adictivo.

"Graylen Epicenter" es uno de los acontecimientos musicales del año sin ninguna duda, y sólo es uno de los 3 trabajos que David Binney publicará este 2011. Ya tiene publicado otro álbum en Criss Cross llamado "Barefooted town" que es otra obra maestra. En fin...

James Farm

2011-08-25T04:54:00.000-07:00

James Farm es un supergrupo formado por cuatro músicos que sólo con verlos en la portada ya le entran a uno las ganas de comprar este disco. Joshua Redman al saxo tenor, Aaron Parks al piano, Matt Penman al bajo y Eric Harland a la batería. Su debut discográfico está compuesto por originales de los cuatro músicos que han realizado un álbum muy recomendable y dónde han tomado la vía de la composición y la melodía más que por la de largas improvisaciones.

Así es la música de este cuarteto, un disco de temas y de melodías interpretadas por algunos de los músicos más sobresalientes de la actualidad. En las composiciones se dejan ver diversas influencias propias de músicos de su generación que consiguen una música muy contemporánea, con melodías de las que se le graban a uno en la cabeza. Además las improvisaciones de Joshua Redman y Aaron Parks, la clase de Matt Penman y el soberbio trabajo de Eric Harland hacen que nos imaginemos el cañón que puede ser este grupo en directo y de las posibilidades que pueden ofrecer en este contexto.

Joe Lovano Us Five: Bird Songs

2011-08-03T02:18:00.000-07:00

El anterior trabajo de Joe Lovano "Folk art" supuso el nacimiento de su nuevo grupo, el Joe Lovano Us Five, una banda estable con la particularidad de la utilización de dos baterías, los geniales Otis Brown III y Francisco Mela, que dotan de una sonoridad muy especial y particular a este proyecto.

Si ese primer trabajo estaba compuesto por temas originales en su totalidad, ahora el saxofonista ha optado por rendir homenaje a Charlie Parker, echando mano de su repertorio y pasándolo por el prisma de este grupo con el que sin duda Lovano ha encontrado algo muy especial.

"Bird Songs" no es sin embargo un tributo, como el propio Lovano se encarga de dejar claro, sino que se ha servido del repertorio de Parker para adentrarse en una aventura con este expléndido grupo. Así nos encontramos con una interpretación absolutamente personal del repertorio de Bird, con temas como "Moose the Mooche", "Donna Lee", "Barbados", "Yardbird Suite" o la preciosa "Lover Man".

Los Us Five están formados por Lovano al tenor y soprano, James Weidman al piano, Esperanza Spalding al bajo y Otis Brown III y Francsco Mela a las baterías lo que hace de este grupo su sello de distinción. Si "Folk Art" sirvió para descubrir a esta nueva formación y lanzarla con un álbum muy recomendable, "Bird Songs" no hace más que reafirmar que este grupo debería depararnos grandes discos aún en el futuro, pues ambos son muy distintos entre sí pero la personalidad de la banda impregna ambos trabajos.

Este trabajo es como la otra cara de la moneda y complementa el trabajo de esta banda, además de poner de manifiesto que el legado de Bird está más vivo que nunca y que no hay mejor homenaje que evitar hacer un homenaje al uso, sino valerse de ese legado para actualizarlo y aportar una visión propia y personal.

"Bird Songs" es sin duda un disco muy recomendable, volver a escuchar el repertorio de Parker de la mano de un grande como es Joe Lovano, es ya a priori una garantía, pero cuando se comprueba el resultado, se tiene la sensación de que el inquieto saxofonista ha encontrado un grupo que lo lanza a lo que es, uno de los grandes.

Mike Moreno: First in Mind

2011-07-19T03:10:00.001-07:00

"First in Mind" es el título del tercer trabajo discográfico de Mike Moreno, uno de los guitarristas de referencia en el actual panorama jazzistico de Nueva York. Con una multitud de colaboraciones con musicos como Aaron Parks, Lizz Wright, Myron Walden e incluso con Q-Tip, este guitarrista nacido en Houston ha dejado de ser una promesa para convertirse en una realidad y este nuevo lanzamioneto es buena prueba de ello.

Siguiendo la línea de su anterior trabajo "Third Wish", también para el sello Criss Cross, Moreno nos ofrece un álbum en el que sólo hay un original, el que da título al disco. El resto del repertorio está compuesto por versiones de lo más variado. Como "Soul Dance", una composición del saxofonista Seamus blake, único tema en el que el guitarrista utiliza la acústica, sacándole un sonido espectacular. O como la espectacular versión de "Airegin" digna de un maestro, o del mismisimo "In a Silent Way". También moreno deja ver su admiración por el repertorio brasileiro de la mano de Milton Nascimento y Nelson Cavaquinho con las versiones de "Milagre dos Peixes" y "A Flor e o Espinho" compuestas por ellos respectivamente.

El cuarteto de "First in Mind" es una formación bien conocida por el guitarrista, Aaron Parks con quien colaboró en su primer disco "invisible cinema" y que está también en el debut discográfico de Moreno "Between the Lines", Matt Brewer, quien sustituye a Doug weiss, y el batería Kendrick Scott que aparece en los 3 trabajos del guitarrista.

"First in Mind" es un disco típico de Criss Cross, una buena sesión de jazz por parte de unos músicos muy interesantes, y en este caso por un guitarrista al que hay que seguir la pista. Si su primer trabajo "Between the Lines" estaba compuesto por originales, en Criss Cross, Moreno ha optado por exprimir algunos de los temas que le gustan dejando de lado sus composiciones, tanto aquí como en el anterior "Third Wish", eso sí con su propia óptica y con una gran clase.

Lisbon Underground Music Ensemble

2011-07-05T04:05:00.001-07:00

Lisbon Underground Music Ensemble es uno de los proyectos más sorprendentes y más gratificantes que haya escuchado últimamente. Bajo la dirección del pianista Marco Barroso publicaron su primer álbum, y esperemos que no el último, llamado "L.U.M.E.". Esta singular Big Band mezcla por igual, el rock el jazz el funk y la música de baile con una clara influencia de Frank Zappa. Calidad, modernidad y eclecticismo son quizás los adjetivos que mejor definen la música de esta banda, que irrumpe en el panorama musical para aportar una nueva dirección en la que tiene cabida el jazz, la música clásica, el rock y la electrónica.

No dejan de ser una big band, está formada por 15 músicos, por lo que está presente, en este grupo, toda la tradición jazzistica de las big bands, pero el concepto es mucho más fresco, muy contemporáneo y con grandes influencias del free en su sonoridad. Un elemento muy importante es el tratamiento de la electrónica, muy bien integrada en el concepto y que es como un instrumento más, haciendo sus aportaciones y matizando ciertos aspectos. También es utilizada para dar al disco casi una narración cinematográfica, uniendo los temas.

Un disco brillante y espectacular, además de superdivertido. Sin duda uno de los mejores discos del año y para mí uno de los proyectos más interesantes del momento que ponen de manifiesto, si es que hace falta, que Portugal es una capital mundial del jazz.

Mostly Other People Do the Killing: The Coimbra Concert

2011-07-05T03:11:00.000-07:00

Los Mostly Other People Do the Killing (MOPDTK) no son un grupo común. Empezando por el nombre del grupo, que resumiremos en iniciales para no ocupar todo el espacio sólo con su nombre, y sobretodo por su música. Hablamos de uno de los grupos más originales e interesantes que se puedan escuchar en la actualidad. Un cuarteto liderado por el bajista Moppa Elliot, quien aporta todas las composiciones, e integrado por Peter Evans a la trompeta, uno de los gigante de este instrumento, Jon Irabagon a los saxos y Kevin Shea a la batería.

La música de MOPDTK no atiende a etiquetas, todas le sirven, porque estos chicos hacen un jazz que se puede enmarcar en casi todas las corrientes estilísticas. Marcado por la libertad y por la calidad de sus miembros, este cuarteto hace una música muy libre y con mucha ironía y sentido del humor. Largas y vertiginosas improvisaciones, referencias constantes a clásicos del jazz, intercaladas con un sinfín de formas, sonidos y texturas. MOPDTK coge la música y la moldea a su antojo, todo tiene cabida para estos chicos, que lo pasan por su particular batidora y que pone patas arriba cualquier convencionalismo.

Este "The Coimbra Concert" es su estreno dentro del sello portugués Clean Feed y además supone su primera grabación en directo para la cual han escogido varios temas de sus discos en estudio y que en este doble cd los llevan hasta límites insospechados dejándonos tal vez su mejor trabajo en este doble cd. Es la portada del mítico The Kholn concert de Keith Jarret la que sirve de referencia para su ya conocido homenaje o parodia, de portadas clásicas y que marca el tono libre, abierto e incluso humorísitco de su música.

"The Coimbra Concert" es un trabajo excelente, que no dejará a nadie indiferente y que encantará a todos aquellos a los que les guste saltarse las normas de lo convencional y que estén dispuestos a dejarse llevar por el torrente musical de este gran grupo.

The Bad Plus: Never Stop

2011-04-26T11:22:00.000-07:00

The Bad Plus no necesitan a estas alturas mucha presentación, son uno de los trios de jazz más populares, quizás porque su música puede ser considerada de muchas maneras, puesto que además de jazz, The Bad Plus son un grupo de punk, de rock, garage, pop, en definitiva, un cóctel de estilos, pasados por la batidora de tres geniales y singulares músicos.

Ethan Iverson al piano, Reid Anderson al bajo y Davis King a la batería constituyen The Bad Plus, un trio que ha sobrepasado todas las fronteras estilísticas y que tras una larga colección de trabajos en su haber, ahora nos deleitan con un nuevo trabajo. Si su anterior registro discográfico se caracterizó por la inclusión de Wendy Lewis poniéndole voz a los temas de "For All I Care", "Never Stop" destaca por ser el primer trabajo íntegramente formado por composiciones originales, a diferencia de sus otros trabajo en los que siempre aparecen versiones de temas muy populares.

A pesar de que los temas son originales, el estilo del trio permanece intacto, con composiciones marcadas por sus influencias rock, pop e incluso disco. Su estilo el de siempre, un torbellino de ruído de rítmo y de disonancias que dan buena fé de la definición que ellos mismos utilizan cuando hablan de su música, refiriéndose a que son el trio más ruidoso del mundo. Lo cierto es que siempre es un placer escuchar a este genial y singular trio, ya sea versioneando clásicos del rock, con vocalista o con sus propios temas, la música de The Bad Plus es siempre única, sugerente, fresca y vanguardista por lo que nunca nos cansaremos de consumir sus nuevas entregas, desde luego si son como este "Never Stop", pues eso, que nunca paren.

Chris Lightcap´s Bigmouth: Deluxe

2011-04-26T09:24:00.000-07:00

Chris Lightcap es un bajista de Pensilvania, afincado en Nueva york que ha tocado con músicos como Mark Turner, Ravi Coltrane, Ben Monder, Matt wilson y muchos otros. Publicó en 2003 su primer trabajo bajo el título de "Bigmouth", nombre que ahora le haservido para bautizar a su nueva banda: Chris Lightcap´s Bigmouth.

Acompañado de Craig Taborn al piano eléctrico y acústico, de Gerald Cleaver a la batería y de Chris Cheek y Tony Malaby al saxo tenor mas Andrew D´angelo al alto en tres temas, ha publicado su nuevo álbum llamado "Deluxe". Es una verdadera delicia el contenido de este trabajo que ha publicado el sello portugués Clean Feed, pues el proyecto de Chris Lightcap es absolutamente original por sus composiciones y su sonoridad como grupo con una de las secciones de saxo más impresionantes que se pueden juntar en la actualidad y que son uno de los puntos fuertes del disco. El saxo de Chris Cheek, más suave y más contenido pero con su maestría intacta y el de Tony Malaby con un lenguaje más libre, forman un contraste y un permanente diálogo sobre las sugerentes composiciones del bajista y los acompañamientos de Craig Taborn quien siempre está a un gran nivel.

"Deluxe" es un álbum muy ecléctico en su variedad temática y también en las diversas influencias que el bajista ha acumulado. Hay una onda free que marca muchos de los conceptos, las improvisaciones e incluso la sonoridad del álbum, pero hay también groove, latin, pop e incluso rock. Temas muy enérgicos como el que cierra el disco, fuzz o pasajes más tranquilos como silvertone.

Un soplo de aire fresco este nuevo trabajo de un bajista que demuestra ser un gran compositor, un disco que se sale de lo común, lo cual es siempre de agradecer pero sobretodo cuando el resultado es tan bueno como este.

Mario Laginha nos redescubre a Chopin en "Mongrel"

2011-04-25T05:03:00.000-07:00

El jazz portugués está de rabiosa actualidad, prueba de ello es la cantidad de trabajos interesantes que se están realizando en el país vecino. Hoy toca hablar de uno de sus más ilustres músicos: Mario Laginha.

El pianista en su último trabajo ha emprendido una senda que aunque muchas veces transitada, pocas veces nos ha deparado sorpresas tan gratas como este trabajo. Hay muchos ejemplos de trabajos que mezclan el jazz con la música clásica, pero la mayoría de las veces resulta superfical e incluso desalmado. Laginha ha escogido la música de Chopin no pensando en mezclar jazz y música clásica, sino después de un proceso de interiorización y reinterpretación del universo del maestro. Además, como afirma él mismo, no se ha puesto ninguna traba a la hora de cambiar compases, melodías e incluso armonías para adaptar la música de Chopin según las ideas del pianista, por lo que el resultado es una interpretación muy libre e intransferible del universo del compositor, creando espacios para la improvisación.

El Mario Laginha Trio es uno de los trios de piano más importantes en la actualidad y junto al de Bernardo Sassetti, quizás el más popular en Portugal. Bernardo Moreira al bajo y Alexandre Frazao a la batería son los integrantes de este grupo que junto al pianista constituyen el Mario Laginha Trio. Muchos años llevan ya juntos estos tres músicos y eso se nota en la solidez de sus interpretaciones y en el entendimiento mútuo que demuestran en cada uno de sus temas.

En "Mongrel" se dan cita varios pasajes de la obra de Chopin, como el conmovedor nocturno pero el resultado de este trabajo es una verdadera gozada, un concepto absolutamente original y sincero como pocos, que alcanza unas cotas altísimas, sin duda uno de los trabajos de referencia del jazz en la actualidad y por supuesto uno de los llamados a estar en lo mejor del año.

Mario Laginha está en infinidad de proyectos, a estas alturas ya no es necesario descubrirlo porque ya no tiene nada que demostrar. Son muy conocidos sus trabajos junto a María Joao y en solitario ya nos demostró su maestría con su anterior trabajo a Trio, "Espaço", pero sin duda este disco representa un antes y un después, es un disco inolvidable y que permanecerá entre nuestros imprescindibles muchos años.

Abe Rábade regresa al trio con Zigurat

2011-02-22T10:51:00.000-08:00

"Zigurat" es la metáfora que utiliza el pianista compostelano Abe Rábade para titular su nuevo proyecto, un regreso al trio tras haber realizado un disco a piano solo y un disco a septeto, su anterior entrega Open Doors, segundo volumen del GHU! project. Los Zigurat le han dado a Abe la idea de que lo importante no es el fin sino el camino y esto tiene mucho que ver con su actual momento musical, con este disco y este concreto proyecto.

Su anterior trabajo a trio "Playing on light" puso a Abe Rábade en el lugar que le corresponde, como uno de los pianistas y músicos más importantes del panorama nacional. Ahora, estrenando nuevo grupo publica "Zigurat" con Pablo Martín Caminero al contrabajo sustituyendo a Paco Charlín y a Nelson Cascais, dos excelentes bajistas que han acompañado al pianista estos últimos años.

En "Zigurat" hay algo de continuación con su anterior trabajo a trio pero uno tiene la sensación de estar asistiendo al nacimiento de un proyecto nuevo y que va a tener mucho que contarnos durante los próximos años. La entrada de Pablo Martín Caminero ha supuesto un punto de inflexión que ni el propio pianista, como reconoce en alguna entrevista, esperaba. El bajista con una formación clásica y muy vinculado al flamenco a través de gente como Chano Domínguez, aporta mayor lirismo al trio y la verdad es que no hay duda de que estas tres piezas que conforman el trio han encajado a la perfección. Eso se nota desde el primer momento, los 3 músicos tienen una gran empatía musical y el feeling que existe entre ellos, nos deja un disco excelente.

Las composiciones de Abe en este trabajo son más sosegadas que en entregas anteriores y tienen algo de búsqueda, como de un espacio musical compartido y colectivo que convierte a "Zigurat" en un disco muy especial. Por lo demás, está presente el sello de Abe en cada una de las notas de este trabajo y como viene siendo habitual, "Zigurat" contiene un repertorio ecléctico, con temas cargados de lirismo como Sinestesia, Zigurat o Prana, y pasajes más frenéticos como Xiquet o 7 contra 5. Como colofón, una versión, como acostumbra el pianista, esta vez del compositor catalán Mompou con su Chanson nº 6, una versión espectacular que es un perfecto para un disco que supone el comienzo de lo que esperemos sea un trio con larga vida, porque como se demuestra en este trabajo, Abe y sus compañeros vuelan muy alto y muy inspirados.

Los mejores 2010

2011-01-31T15:25:00.000-08:00

Un año más toca hacer balance de las novedades que más me han gustado en el 2010. En vista de los álbumes seleccionados, se podría decir que ha sido un buen año, creo que todavía me han quedado muchos discos que no he podido escuchar y que seguramente de haberlo hecho estarían en esta lista, como el directo de Lee Konitz en el Village Vanguard o el último disco de Atomic, que siempre están a un gran nivel. Sin embargo he hecho una lista larga y creo que contiene algunos discos realmente muy buenos.
El último disco de Jason Moran, "Ten" elegido mejor álbum del año por la revista Jazztimes, y que es uno de los grandes discos del 2010, o el nuevo trabajo del Charles Lloyd Quartet, "Mirror", que mantiene el listón de este supergrupo en el nivel más alto. La inolvidable obra maestra de dos músicos que no se cansan de deleitarnos con eternos pasajes que se convierten en clásicos instantaneos como el pianista Keith Jarret y el bajista Charlie Haden que nos dejaron a todos sin habla con el precioso "Jasmine", una obra maestra.

Y en el apartado de pianistas están el gallego Abe Rábade con "Zigurat", un trabajo exquisito y que demuestra que su nuevo Trío nos depara increíbles momentos musicales. También el genial pianista portugués Bernardo Sassetti que nos dejó una nueva entrega con su inseparable Trío llamada "Motion, un buen puñado de grandes canciones que tejen una banda sonora preciosa y llena de grandes momentos. O el pianista francés Baptiste Trotignon con su "Suite...", un trabajo en directo que recoje el potencial de un supergrupo formado por Mark Turner, Matt Penman y Eric Hardland que a través de las interesantes composiciones del pianista nos regalan un gran disco de un pianista por descubrir.

También a Trío vuelven a aparecer The Bad Plus con una nueva entrega, esta vez compuesta de temas originales llamada "Never Stop" y ya que hablamos de pianistas, referirnos al último disco de Brad Mehldau que curiosamente no es a trío y que es un ambicioso proyecto que constituye un paso más en la carrera de Mehldau, recorriendo caminos por los que no suele transitar el pianista.

En el apartado español, este año tengo poco que comentar, tan sólo el disco de Abe al que ya me referí y el nuevo disco de uno de los saxofonistas más interesantes de nuestro panorama, Javier Vercher, que con su nuevo trabajo "Wish You Where Here", nos deja ya rotundamente claro el potencial de este genial saxofonista afincado en Nueva york. También el disco de LuisVidal, "Mompiana", que junto a Masa Kamaguchi, David Xirgu, y Dave Douglas y Perico Sambeat reinterpretan la música de Mompou, mostrándonos la cara más jazzera del genial compositor y dejándonos un disco para la posteridad.

En el apartado de guitarristas, como si de una conspiración de los astros hubiese tenido lugar, los inevitables John Scofield y Kurt Rosenwinkel han grabado ambos un disco con orquesta tocando sus propios temas, en el caso del primero nada menos que con la Metropole-Orkest de la mano de Vince Mendoza y en el caso del segundo con una orquesta única la Orchestra de Jazz de Matosinhos. Dos trabajos bien distintos pero igualmente geniales. También aquí destacar el nuevo disco de Lage Lund, "unlikely stories" en el que acompañado de un trio de lujo, desarrolla ampliamente su faceta como improvisador sobre unas composiciones de corte muy contemporáneo.

Chris Potter Underground nos han dejado este este año quizás su mejor registro, con "Ultrahang", del cual dije que podía ser el disco del año, lo sigo manteniendo, no sé si es el mejor pero para mí está ahí ahí. Grande también es el nuevo disco de Steve Coleman and Five Elements "Harvesting, Semblances and Affinities" dónde destaca en el sonido conjunto, como novedad, la cantante Jen Shyu, que como si de un instrumento más se tratara aporta nuevos colores a esta genial banda, que combina elementos del funk, el free y que trabaja con extrañas rítmicas y armonías pero con altas dosis de inspiración. Grandes también los discos de Michael Formarek "The Rub and the Spare Chance" y de John Hollenbeck Large Ensemble "Eternal Interlude" mejor disco del año según Cuadernos de Jazz, un álbum que combina por igual la composición de grande grupo con la improvisación, un disco con un concepto muy particular de gran grupo y con una música muy contemporánea que por veces recuerda al gran Frank Zappa.

Y quedan por el tintero algunos discos extraordinarios como el estreno del genial batería Eric Harland "Voyager" un directo cargado de energía, y que le sirve al líder para demostrar porqué es uno de los mejores baterías del momento, o lo nuevo de Carlos Barretto Lokomotiv "Labirintos" un trabajo muy ecléctico en el que no falta de nada. Y para terminar un poco de Free a cargo de tres estupendos músicos, el saxofonista Louis Sclavis, el pianista Craig Taborn y el batería Tom Rainey que forman "Eldorado Trio", uno de los proyectos más interesantes del pasado año.

- Jason Moran "Ten"
- Abe Rábade "Zigurat"
- Bernardo Sassetti Trio "Motion"
- Brad Mehldau "Highway Rider"
- The Bad Plus "Never Stop"
- Baptiste Trotignon "Suite..."
- Carlos Barretto Lokomotiv "Labirintos"
- Charles Lloyd Quartet "Mirror"
- Chris Potter Underground "Ultrahang"
- Sclavis/Taborn/Raney "Eldorado Trio"
- Metropole Orkest-John Scofield-Vince Mendoza "54"
- Javier Vercher "Wish You Were Here"
- Kurt Rosenwinkel & OJM "Our Secret World"
- Keith Jarrett/Charlie Haden "Jasmine"
- Lage Lund "Unlikely Stories"
- Steve Coleman and Five Elements "Harvesting Semblances and Affinities"
- Michael Formanek "The Rub and the Spare Change"
- John Hollenbeck Large Ensemble "Eternal Interlude"

- Eric Harland "Voyager Live by Night"

Kurt Rosenwinkel & OJM: Our Secret World

2010-09-10T01:31:00.000-07:00

Hace ya un par de años que Kurt Rosenwinkel tocó con la Orquesta de Jazz de Matosinhos y supimos que el año pasado había grabado un álbum con su propio repertorio. Ahora por fin ha salido el último álbum del guitarrista de Philadelphia: Kurt Rosenwinkel & OJM: Our Secret World.

Supongo que para cualquier músico debe suponer un reto y casi un sueño, el grabar con una Big Band, y si encima es con tu propio repertorio, pues debe ser muy emocionante. En el caso de Kurt, me imagino la alegría cuando oyó los resultados de los arreglos que Carlos Azevedo, Pedro Guedes y Ohad Talmor hicieron de algunos de sus propios temas y comprobó el gran trabajo realizado y la incursión tan seria y profunda que hicieron sobre unos temas que son realmente complejos armonicamente.

El resultado es un disco increíble de principio a fin, empezando por la selección de los temas, los arreglos de los mismos, la gran compenetración de la orquesta que logra ser un auténtico bloque sin por ello mostrar la rigidez de muchos grupos de este formato. Y por supuesto el gran trabajo del propio guitarrista que está magistral en este cd, como suele ser habitual en él, pero aquí está muy bien, con un gran sonido y con una comodidad tal que parece que esté tocando con un pequeño grupo. Quizás sea esta una de las características de la música de "Our Secret World", con una orquesta muy versatil y que consigue crear un sonido muy contemporáneo, gracias a los arreglos y a la calidad de sus músicos, lo que se adapta perfectamente con la música de kurt. Y que consigue que haya una comunión perfecta entre orquesta y solista, por lo que el resultado es que la música fluye con total naturalidad.

El disco comienza con Our Secret World, un tema del álbum "Heartcore" que le da el título al cd y que resume perfectamente el contenido del cd. Unos arreglos soberbio que nos muestran este gran tema pero con un montón de matices nuevos que la hacen, si cabe aún mejor. Sigue el cd con una versión de The Cloister, del álbum "Deep Song" que es quizás la versión que dista más con la original, una versión más clásica y muy sinfónica a través de la melodía principal, y con poco margen a la improvisación. Después le sigue Zhivago, quizás el tema más emblemático de Kurt Rosenwinkel, que abría el mítico álbum "The Next Step", una vibrante versión en la que el guitarrista de explaya a gusto con sus vertiginosas imporvisaciones que son como torrentes de notas. Soberbia!

Una de las sorpresas del cd es el rescate de uno de los temas más interesantes de Kurt, Dream of the Old del "The Enemies of Energie" con una versión que capta totalmente la esencia del original pero más desarrollado en la que Kurt hace uso del microfono para doblar la melodía de guitarra con el peculiar falsete que se ha convertido en marca de la casa y que consigue ese sonido tan particular en el que la voz parece un efecto más de la guitarra. Y después otra sorpresa, que es Turns, una canción que Kurt tocó en diferentes ocasiones en directo pero que nunca había sido grabada y que comienza con una vertiginosa melodía que precede las improvisaciones también en forma de torrentes de notas.

Y para cerrar el disco dos versiones del "The Next Step", la mítica Use of Light y Path of the Heart, dos temas muy característicos de Kurt y que rebajan el rítmo de los anteriores temas ofreciéndonos la cara más relajada del disco. Dos increíbles temas vistos desde la óptica de una big band que no hacen sino acreditar la beleza de estas composiciones.

"Our Secret World", es un paso más en la carrera de este genial músico que acredita no sólo que es un gran guitarrista sino que es un gran compositor, con su estilo personal y propio, y que sus temas tienen un sinfín de posibilidades tanto para la improvisación como para hacer hermosos arreglos para orquestas como queda claro aquí. Genial el trabajo de los arreglistas y de la Orquesta de Jazz de Matosinhos que hacen de este disco algo singular y único. Además hay que destacar la presencia de un gallego, en medio de este proyecto, y no es otro que Abe Rábade quien toca en varios de los temas, dejando su enorme calidad en este gran disco. Ahora a disfrutarlo.

Baptiste Trotignon "Suite..."

2010-09-08T04:45:00.000-07:00

Baptiste Trotignon era un músico desconocido en nuestro país hasta que la revista Cuadernos de Jazz le dedicó una portada. No es que con eto haya ganado mucha popularidad claro está, pero ha servido para que algunos, como el que escribe le hayan prestado atención. Acaba de publicar su último trabajo, bajo el título de "suite..." en la compañía "naive" que edita todas sus grabaciones.

El pianista francés recurre en este disco a los músicos con los que grabó su anterior trabajo titulado "Share" y que son un auténtico lujo, nada menos que Mark Turner al tenor, Jeremy Pelt a la trompeta, que suple a Tom Harrell quien grabó el anterior trabajo, el bajista Matt Penman y uno de los baterías más interesantes del momento, Eric Harland. El último tema, una preciosa versión del precioso tema "I fall in love too easily", la sección rítmica está compuesta por Thomas Bramerie al bajo y Frank Agulhon a la batería rompiendo un poco con el resto del trabajo.

"Suite..." está grabado en directo y está concebido como una sucesión de temas compuestos por el propio Trotignon y enlazados entre sí a modo de suite como su propio nombre indica. Sin embargo, la música de este cd nada tiene que ver con convencionalismos, sino que se trata de jazz de alto voltaje con el sello personal de Baptiste Trotignon, un pianista con claras influencias del jazz americano pero que no evita sus influencias europeas, creando una música enmarcada en el jazz contemporáneo pero con su propia personalidad. La música de Trotignon es bella, suave y delicada. A través de unos arreglos bien trabajados, teje una serie de melodías que contienen una gran melancolía y que sirven de puente a las improvisaciones de todos y cada uno de los grandes músicos que tocan en este trabajo.

Completa el disco, además de "I fall in love too easily" una versión de "flow" incluída en su anterior trabajo "Share". Un gran descubrimiento el pianista Baptiste Trotignon que hace que miremos fijamente hacia el país vecino a ver que más sorpresas nons depara.

Carlos Barretto Lokomotiv: Labirintos

2010-09-08T02:10:00.000-07:00

Carlos Barretto regresa siete años después con el Trio Lokomotiv formado por el propio Barretto al bajo, el guitarrista Mario Delgado, y el percusionista José Salgueiro. Bajo el título de "Labirintos", Barretto y sus Lokomtiv facturan un ecléctico álbum, haciendo honor a su título en el que mezclan pasajes de distinto corte estético, con un concepto y unos pasajes influídos por el rock y que sirven de plataforma para la improvisación.

Las composiciones son muy variadas, desde "Salada 2" que abre el disco con una canción muy folk , hasta "Trikio Five" con un jazz lleno de groove, o el tema que da título al álbum que es una canción más cercana al metal que al jazz.

Labirintos recorre muchos caminos de la música contemporánea, a mí algunos temas como el último me recuerdan mucho al Trio de John Scofield con Steve Swallow y Bill Stewart, pero este disco contiene muchos pasajes de rock de alto voltaje. Teniendo como punto de partida, la tradición jazzistica, y quizás también la propia personalidad del jazz portugués, Carlos Barretto y los Lokomotiv recorren múltiples caminos que aunque cercanos a la música popular acaban conformando un laberinto de ideas y de sonoridades.

Bernardo Sassetti Trio: "Motion"

2010-09-08T01:54:00.000-07:00

Bernardo Sassetti publica su nuevo álbum con su trio de toda la vida, formado por los excelentes Carlos Barretto al contrabajo y Alexandre Frazao a la batería. Sassetti es uno de los pianistas portugueses con mayor prestigio, miembro de una generación que está poniendo a Portugal como una auténtica potencia del jazz mundial, y este disco es buena muestra de ello.

"Motion" es el título, y la verdad es que no podía ser más acertado. Conocida es la faceta compositiva del pianista para bandas sonoras, y la verdad es que este trabajo lo ha concebido como una banda sonora, utulizando este soporte para expresar la música que lleva dentro. Composiciones de una belleza absoluta, con su característica poesía al piano, de alguien que ha interiorizado por igual a Bill Evans y a Keith Jarret, quizás los dos referentes pianísticos de Sassetti.

Acompañándolo nada menos que Carlos Barretto, un exquisito bajista que junto a los hermosos rítmos de Frazao nos envuelven en una atmósfera bella y melancólica, con una compenetración fruto de quienes llevan muchos años tocando juntos, y por tanto fruto del conocimiento mútuo que tienen estos músicos.

Sassetti plantea el disco casi a modo se suite, de modo que ordena la música de principio a fin separandola por partes que él ordena desde el principio hasta el fin del día. El disco planea sobre una atmósfera muy intimista y sobre una búsqueda extrema de belleza e introspección, con pasajes tan hermosos y enigmáticos como la versión de "homecoming queen"que abre el disco, o "vagabundo" del propio Sassetti. Para finalizar, otra vez Frederic Mompou, a quien admira intensamente el pianista, aquí con una versión muy lenta de su "Canço Nr. vi".

"Motion" es el nuevo trabajo del Bernardo Sassetti Trio y por tanto es ya una grabación de obligada escucha, pero además es un trabajo especial por su concepción y su belleza cautivadora.

"Ultahang", lo nuevo de Chris Potter Underground

2010-09-06T02:24:00.000-07:00

Todo empezó hace 4 años con la publicación del disco Chris Potter Underground, un cd que ya fue comentado en este blog y que significó el nacimiento de uno de los proyectos más interesantes de los últimos años. A mitad de camino, este destacado saxofonista publicó "Follow The Red Line" grabado en directo en el mítico Village Vanguard y en el que la banda nos demostró su capacidad en un contexto de música en vivo, y las posibilidades de este conjunto formado por execelentes músicos como el propio Chris Potter utilizando el saxo alto y el barítono, el guitarrista Adam Rogers, Craig Taborn con el Fender Rhodes y el batería Nate Smith.

Ahora, publican un nuevo trabajo, concebido en un estudio de grabación pero que posee toda la fuerza de un directo, "Ultrahang", un nuevo hito, si cabe, más allá de sus otras grabaciones. En este álbum, publicado por ArtistShare, la Chris Potter Undeground se supera a sí misma ofreciendonos una música que contagia sin remedio. Es quizás en este álbum dónde la banda consigue el climax absoluto, con unos temas que cargados de groove y que encierran una fusión muy particular de infinidad de estilos que van desde el jazz hasta el rock con el particular sonido de esta banda llamada Undergound en el que la ausencia de bajo se compensa con los acompañamientos de Craig Taborn que hace de teclista a la vez que de bajista. La distorsionada guitarra de Adam Rogers le da a esta banda un aire muy rockero que con los contundentes rítmos de Nate Smith y los chillidos salidos del saxo de Chris Potter nos dejan pasajes de éxtasis absoluto en los que la banda se convierte en auténtico metal pesado.

Este disco es de los que enganchan, de los que uno no puede parar de escuchar, ya habíamos oído a esta banda en sus dos trabajos anteriores que son muy buenos pero, en "Ultrahang" están soberbios. Es quizás un disco menos ecléctico que el primero "Undeground" pero eso también es uno de sus fuertes, porque han encontrado su sonido y su concepto, y además han conseguido transmitir en el cd toda la fuerza de un directo, y cuando tienes en estado de gracia a un saxofonista de la talla de Chris Potter... pasa lo que pasa: "Ultrahang". Para mí es ya el disco del año.

Diego Barber: Calima

2010-05-19T02:17:00.000-07:00

A muchos el nombre de Diego Barber no les sonará de nada. Los que hemos tenido la suerte de descubrirlo, estamos sorprendidos con el talento de este guitarrista canario afincado en Nueva York. Su primer trabajo discográfico se llama "Calima" y lo ha hecho a lo grande con unos acompañantes de auténtico lujo, nada menos que el trio FLY, es decir el saxofonista Mark Turner, el bajista Larry Grenadier y el batería Jeff Ballard.

Diego barber es un guitarrista con clara formación clásica pero que quedó prendado por igual de la música de Bach y de Miles Davis, sus dos influencias más destacadas. Su música es un compendio de muchos estilos, flamenco, jazz... pero con su toque personal. Desde luego "Calima" es uno de esos discos que sorprenden porque son distintos, y a día de hoy ser original es muy difícil. Un guitarrista clásico acompañado de un trio de jazz, haciendo una música abierta y mestiza con un gran gusto. Jeff Ballard, soberbio, como siempre, es en este disco una pieza fundamental, tanto en los pasajes funkys del disco como en los tempos más lentos con una perfecta compenetración con el líder arropado por el gran Larry Grenadier. Mark Turner completa el cuarteto de lujo dándole un aire más jazzero a los temas de Barber. Curioso oír al saxofonista tocando muy groove en el tema "catalpa".

Una gran sorpresa este trabajo de un guitarrista al que hay que vigilar de cerca ya que parece que puede discurrir por senderos muy interesantes y distintos, y esto último es de agradecer.

Brad Mehldau: Higway Rider

2010-04-23T00:23:00.000-07:00

El genio contemporáneo del jazz Brad Mehldau ha vuelto, y lo ha hecho por la puerta grande. Tras haber reinventado el concepto de trio de piano con sus cinco volúmenes del Art of the Trio y haber reinventado su propio trio con la marcha de Jorge Rossy y la entrada de Jeff Ballard, Mehldau publica "Highway Rider", un ambicioso trabajo en el que ha contado con una orquesta dirigida por Dan Coleman y con el productor John Brion con quien ya había participado en su anterior trabajo "Largo". De hecho este trabajo se puede considerar una continuación de "Largo" aunque es un disco totalmente distinto.

Con su actual trio formado por su inseparable bajista Larry Grenadier y el batería Jeff Ballard y con la participación del saxofonista Joshua Redman y del batería Matt Chamberlain, Brad Mehldau ha realizado un trabajo que es casi como una suite. A lo largo de dos cd, el pianista mezcla una música en la que se mezcla composición e improvisación y que es la suma de influencias clásicas, del jazz y de la música pop. Declara Mehldau sobre este trabajo que a la hora de componer ha utilizado un método que ya había utilizado en otros trabajos como "Places" que es a través de una melodía, hacer variaciones con lo que dota al conjunto de temas de una unidad interna lo que lo convierte casi en una suite.

"Highway Rider" es un álbum sin duda ambicioso pero muy interesante, casi una banda sonora de película con un concepto muy contemporáneo y de una gran riqueza de timbres y de matices. Un gran disco con una aparente sencillez que es en realidad una obra compleja y muy bien realizada.

Miguel Zenón pone en valor la plena.

2010-04-20T05:18:00.000-07:00

"Esta Plena" es el sorprendente nuevo trabajo de uno de los saxofonistas más sobresalientes, el Puertorriqueño Miguel Zenón. Con este, su cuarto álbum para el sello Marsallis Music, fundado por Brandford Marsallis, Zenón sigue los pasos de su álbum del 2005 "Jíbaro" en el que se adentraba en la música jíbara. Ahora es con la plena, un género musical tradicional de Puerto Rico caracterizado por el cante acompañado del pandero, con la que el saxofonista firma un álbum que indaga en la música tradicional de Puerto Rico pero con todo el conocimento y las herramientas del jazz.

Miguel Zenón desarrolla este álbum con un doble grupo, por un lado su cuarteto estable formado por el pianista Luís Perdomo, el bajista Hans Glawischnig y el batería Henry Cole. Y por el otro lado varios musicos tradicionales con el pandero, el requinto, el seguidor y los cantes, elemento muy destacado de este disco en el que la mitad de los temas son cantados como lo son en la plena.

El resultado final es una combinación muy asequible, debido a los rítmos y cantes de la plena, muy latino pero con una gran complejidad tanto en las composiciones como en las interpretaciones en las que se suceden hermosas improvisaciones con arreglos muy elaborados.

Miguel Zenón es desde luego un músico poco usual, con un sonido muy personal y una técnica realmente prodigiosa que combina con una gran inventiva en la improvisación así como una gran fuerza, muy propia de su vena latina. Lo hemos escuchado con el SF Jazz Collective y también en sus múltiples álbumes y siempre es original. Desde luego si "Awake", su sobresaliente álbum hasta la fecha, era un disco alejado de lugares comunes, este desde luego sigue esa misma senda, la de la originalidad y la personalidad, y eso ya merece nuestra atención, y si encima mantiene el listón a este nivel... Desde luego un disco que merece la plena.

Bellwether es el nuevo trabajo de Seamus Blake

2010-02-08T01:14:00.000-08:00

Seamus Blake es uno de esos músicos a los que no preocupa la atención de los focos. Sin embargo se trata de uno de los saxofonistas más interesantes de la actualidad. Lejos queda ya su primer trabajo del años 1993, el excelente "The Call" en el cual, rodeado de músicos de su generación como Kurt Rosenwinkel, Kevin Hays, Larry Grenadier o Bill Stewart, demostraba su potencial. También en discos como "Four Track Mind" o "Stranger Things Have Happened" Blake demuestra su capacidad para pasar de conquistar al oyente con su suavidad en las baladas a contagiarnos su furia en los tempos rápidos. Otro acontecimiento importante en su carrera discográfica son The Bloomdaddies, grupo con el que gabó tres álbumes siendo el último "Mosh for Lovers". Este particular grupo formado por el propio Seamus y acompañado por el saxofonista Chris Cheek, el bajista Jesse Murphy y los baterías Jorge Rossy y Dan Reiser, posee una particular forma de entender el groove que lo convierte en una de las propuestas más originales del panorama jazzistico. Por desgracia no han vuelto a juntarse.

En la actualidad, Seamus se encuentra inmerso en su nuevo quinteto con el que acaba de publicar el álbum "Bellwether", un excelente trabajo en la línea del anterior "Way out willy " y acompañado también por el guitarrista Lage Lund, el pianista Dave kikoski, el bajista Matt Clohesy y el batería Bill Stewart. En "Bellwether"el repertorio corre a cargo del propio Blake más una interesante versión del tema Dance me Home del guitarrista John Scofield y otra joya es el String Qartet in G Minor, Opus 10 de Debussy, con el que cierra el disco con una particular visión a caballo entre la música clásica y el swing que el propio Blake aporta.

"Bellwether"no es un disco que busque innovar, ni tampoco prentende ser el disco del año pero esto es de agradecer, porque lo que prentende y sin duda consigue es ofrecernos un disco de corte clásico pero cargado de modernidad, un puñaado de buenas canciones interpretadas por excelentes músicos que dan lo mejor de sí mismos para deleitarnos con un álbum realmente bello como demuestran cortes como A beleza que vem, del propio Blake. Algunos de los temas aquí grabados ya pudimos oírlos en su anterior trabajo en directo "Live in Italy" y es interesante poder oírlos aquí en su versión en estudio, más contenida y con el añadido del joven y brillante guitarrista Lage Lund. Un gran disco para los que buscan simplemente oír un buen disco de jazz.

Roy Hargrove Big Band "Emergence"

2010-02-02T01:51:00.000-08:00

Roy Hargove es uno de los músicos más inquietos en la actualidad. A cada nuevo proyecto le sigue un nuevo formato. Lejos ya de los excelentes trabajos con su banda The RH Factor con la que se acercó al hip hop, al neo soul y en general a toda la música negra, volvió el pasado año con su quinteto, factrando un álbum de corte clásico pero con una gran calidad como era "Ear Food". Ahora, siguiendo esa línea clasicista, presenta "Emergence" su nuevo álbum en el que con una Big Band nos ofrece un trabajo de mucha calidad en que mezcla lo clásico con lo moderno consiguiendo un disco atemporal. El trompetista continua tocando todos los palos, tras haber grabado un disco homenaje a Charlie Parker como "Parker´s Mood", un disco de música afrocubana como "Habana" o un disco con cuerdas como "Moment to Moment", ahora llega el momento de un disco con Big Band.

"Emergence" es un disco variado, concebido como un puñado de grandes temas llevados al formato Big Band, con un repertorio clásico pero con unos arreglos soberbios que lo convierten en un disco muy interesante para quien quiera pasar un buen rato. Desde "My Funny Valentine" hasta "Mambo for Roy" que escribiera Chucho Valdés para el álbum del trompetista "Habana" pasando por un par de temas cantados por la sensual Roberta Gambarini que nos evoca épocas pasadas. Sin ser un disco innovador consigue hacernos disfrutar con jazz de toda la vida. Está claro que un disco como este o lo haces muy bien o no tiene ningún sentido hoy día pero Roy Hargrove, como es habitual en él , ofrece un trabajo exquisito. Sin duda un álbum que a cualquier músico le gustaría grabar.

Raynald Colom muestra su cara flamenca en "Evocación"

2010-02-01T04:49:00.000-08:00

El trompetista Raynald Colom sorprende al mundo con su nuevo trabajo, "Evocación". Ya habíamos oído de sus incursiones en el flamenco, a través de sus sonadas colaboraciones con el guitarrista Chicuelo pero no habíamos tenido la oportunidad de saber de lo que era capaz. "Evocación" no es un álbum de flamenco jazz al uso. Raynald lo que hace es juntar a músicos de jazz como Omer Avital o Aruán Ortíz con otros flamencos como Chicuelo y La Tremendita. El resultado es una música que no es jazz ni flamenco pero que es ambas cosas a la vez, y más cosas.

El disco empieza como acaba con dos tomas del tema que da título al disco y que a través del martinete nos introduce en una atmósfera envolvente que recuerda mucho al Miles de los 70. Raynald ha hecho un gran esfuerzo por transformar su lenguaje y acercarse a la expresividad del cante, a través de su trompeta pero sin dejar de ser él mismo. Su personalidad impregna tódo el álbum. Temas como "Toulouse" o "de ida y vuelta" se muestran como auténticos referentes mientras que a través de dos versiones, el trompetista redondea este excelente trabajo. Nada menos que Zyriab de Paco de Lucía con una versión para enmarcar y también el Sanctuary de Wayne Shorter a la que Raynald le descubre el alma flamenca que contiene este tema.

Hay discos que son muy buenos, discos que son muy bellos, pero también hay discos como este, que a través de muchas influencias acaban abriendo caminos nuevos. Este es uno de estos últimos. Ún disco genial que consigue que dos culturas musicales distintas tomen forma a través de los muchos elementos que las unen.

Lo mejor del 2009

2010-01-13T10:21:00.000-08:00

Otro año más que pasa y que toca hacer balance de las novedades que me han llamado más la atención de lo que he podido escuchar. La lista e sun poco larga este año pero eso es una buena noticia porque eso significa dos cosas: la primera es que he escuchado mucha música y la segunda es que se han publicado muchos discos buenos este año. Como siempre esta es mi propia selección de entre lo que más me ha gustado y no tiene ningún orden de preferencia.

- Kurt Rosenwinkel Standards Trio "Reflections"

- Steve Kuhn Trio With Joe Lovano "Mostly Coltrane"

- Dave Douglas Brass Ecstasy "Spirit Moves"

- Enrico Rava "New York Days"

- Fly "Sky & Country"

- Allen Touissant "Bright Mississipi"

- Joe Lovano Us Five "Folk Art"

- Christian McBride Inside Straight "Kind of Brown"

- OAM Trio + Mark Turner "Now & Here"

- Roy Hargrove Big Band "Emergence"

- Seamus Blake Quartet "Live in Italy"

- Ben Allison "Think Free"

- Raynald Colom "Evocación"

- CMS Trio "Andando"

- Paco Charlín "Organic Motion Philosophy"

- Paco Charlín "The Game"

- Julio Resende "Assim Falava Jazzatustra"

- Seamus Blake "Bellwether"

- Monkillos "In Monk We Trust"

Kurt Rosenwinkel vuelve a los orígenes con "Reflections"

2009-11-30T01:37:00.000-08:00

El guitarrista de Philadelphia vuelve a los orígenes de su propia carrera con su último trabajo: Kurt Rosenwinkel Standard Trio: Reflections. Acompañado del bajista Eric Reeves, conocido por su trabajo en el cuarteto de Brandford Marsallis, y Eric Hardland a la batería quien ya aparecía en el anterior trabajo "The Remedy", Rosenwinkel nos ofrece un repertorio de baladas a trio, en la línea de lo que fue su primer trabajo discográfico "East coast Love Affair", tema que recupera en este Reflections.

Mucho ha cambiado desde aquel primer trabajo en el que un joven guitarrista mostraba una forma de entender la guitarra muy particular y brillante, teniendo bien interiorizada la tradición pero cargado de modernidad. Ahora, 13 años después y tras varios trabajos excepcionales como "the next step", "Heartcore" o "Deep Song", uno de los guitarristas más influyentes del momento nos ofrece una tranquila sesión que cargada de buen gusto y saber hacer, redefine el concepto de trio de guitarra con una clase extraordinaria, con una clar influencia del guitarrista George Van Eps, muy admirado por Kurt.

Dos versiones de Monk, la majestuosa "Reflections" y el "Ask me now" y dos de Wayne Shorter, una a modo de groove "Fall" y una sorprendente versión de "Ana María" mas el "you got to my head", el "more than you know" y el "you have changed" componen esta extraordinaria sesión junto a una nueva versión de su "Esat Coast Love Affair" que es quizás el punto álgido del disco.

"Reflections" no es el disco más innovador de Rosenwinkel pero es sin duda uno de los discos del año. Un punto y aparte en su carrera para deleitarnos con el placer que supone revisar los clásicos cuando se tiene algo que decir.

Kind Steps: o legado de 1959

2009-09-16T04:13:00.000-07:00

Este año 2009 se celebra el cincuenta aniversario de un año muy especial para el jazz. En el año 1959, se publicaron una serie de álbumes históricos que lo convierten casi en el año del jazz. Y como cualquier escusa es buena para rendir tributo a los grandes y para hacer buena música, pues este año estamos asistiendo a un homenaje a 1959 a través de artículos, grupos, reediciones discográficas etc.

Una de las propuestas más interesantes en la celebración del medio siglo transcurrido surgió de manos de un batería y productor portugués, Mario Barreiros y de un brillante pianista gallego Abe Rábade. De este modo nace el proyecto "Kind Steps", un sexteto formado por músicos extraordinarios que reinterpretan la música de algunos de los álbumes más importantes en la historia del jazz. Kind of Blue (Miles Davis), Giant Steps (John Coltrane), Mingus Ah Um(Charles Mingus), Cannonball Takes Charge (Cannonbal Adderley), The Shape of Jazz to Come (Ornette Coleman) y Anathomy of a Murder (Duke Ellington) son los álbumes grabados en este año mágico de los que proviene la música que contiene "Kind Steps".

El supersexteto está integrado por Avishai Cohen a la trompeta, Jesús Santandreu al saxo tenor, Ben Van Gelder y Perico Sambeat al saxo alto, Abe Rábade al piano, Carlos Barreto al bajo y Mario Barreiros a la batería. La publicación de este cd será en otoño y promete ser una de las novedades más interesantes del año. Esperemos que vaya acompañado de una gira porque ver a estos músicos en directo e interpretando esta música puede ser una verdadera bomba.

Christian Mcbride da una lección magistral con su nuevo trabajo Kind of Brown

2009-08-04T02:58:00.000-07:00

El contrabajo encuentra hoy día a uno de sus máximos exponentes en la figura de Christian Mcbride, un músico solicitadísimo que aparece en infinidad de discos y que ha grabado con un montón de músicos de la talla de McCoy Tyner, Freddie Hubard, Chick Corea, Herbie Hancock, Roy Haynes e incluso con grupos de Hip Hop y rock como The Roots o Sting.

Pero Mcbride tiene ya una amplia discografía a su nombre con títulos como "Number Two Express" o "Sci-Fi" y que se comleta ahora con su nuevo lanzamiento: "Kind of Brown", que a pesar del guiño hacia "Kind of Blue" es una música bien distinta. Este trabajo representa el regeso de Mcbride al formato plenamente acústico en el que lidera un quinteto bajo el nombre de "Inside Straight" formado por el pianista Eric Reed, el vibrafonista Warren Wolf, el saxofonista Steve Wilson y el batería Carl Allen.

Marrón es el color que el bajista elige para definirnos la música de su nuevo álbum que contiene una buena sesión de swing, con mucho groove y con tintes clásicos aunque con un concepto moderno. "Kind of Brown" es ya uno de los mejores trabajos de Mcbride, los temas, composiciones suyas salvo una versión de "Theme for Kareem" de Freddie Hubard, una composición de Reed y un maravilloso duelo entre bajista y pianista que sirve para finalizar el disco, "Where are you?"

"kind of Brown" contiene una música marrón, según su título, esto es una buena sesión de jazz que sirve de homenaje al jazz sin época, al swing de toda la vida, al jazz de hoy pero también de ayer, con una sonoridad carcaterizada por el magnífico trabajo del vibrafonista Warren wolf y con una actuación exquisita del líder que demuestra sin complejos su potencial como músico, es uno de los bajistas de referencia, dejándonos un trabajo, que sin pretender innovar, es en sí mismo una lección magistral de buena música.

John Scofield llevó New Orleans a Pontevedra con su Piety Street Band

2009-07-24T05:00:00.000-07:00

John Scofield volvió a la ciudad de Pontevedra 5 años después a presentar su nueva propuesta musical: "Piety Street", un álbum que es el resultado de la incursión del guitarrista en el blues y que acabó convirtiendose en una revisión de viejos temas gospel. El resultado de su peregrinación a la ciudad de New Orleans es este nuevo trabajo grabado en los estudios "Piety Street", que da nombre al disco y a la banda formada por John Cleary a la voz y teclados, Ricky Fataar a la batería y Donald Ramsey al bajo.

A las 10:30 h. el escenario de la plaza de Ferrerías acogió a uno de los guitarristas de referencia en el mundo del jazz pero que además goza de una gran reputación por atraer la atención de otro tipo de públicos más rockeros ya que el estilo de Scofield está muy marcado por el blues y el rock. En Pontevedra mostró sin duda más que nunca esta faceta, con un repertorio repleto de clásicos del gospel con unos músicos traídos de New Orleans con los que deleitó al público con una espectacular sesión del mejor blues con el sello personal de este genial guitarrista.

Scofield hizo gala de su gran clase y más agresivo que nunca a la guitarra, echó mano de diversos efectos marcianos para darle más registros a su guitarra y distintas dimensiones a su música. El momento álgido de la velada fue cuando tocó la versión del clásico de Ray Charles "I don´t need no doctor", icluída en el álbum que Scofield le dedicó al músico, en la cual John Cleary soltó los teclados para hacer de guitarrista demostrando sus dotes como multiinstrumentista. También destacó la interpretación del "Angel of Death" de Hank Williams en la cual Scofield hizo una preciosa intro de guitarra que sirvió para introducir una emotiva interpretación.

Tras más de hora y media de concierto, Scofield puso punto y final a una velada en la que trajo el mejor New Orleans a Pontevadra demostrando una vez más que la música es uno de los pocos lenguajes universales, más allá de idiomas y más allá de fronteras.

Joe Lovano Us Five: Folk Art

2009-06-18T04:15:00.000-07:00

Joe Lovano publica un nuevo trabajo, el número 22 nada menos, lo que me da la oportunidad de dedicar un post a uno de los saxofonistas esenciales del jazz. Nuevo trabajo para nueva formación, "Us Five" integrada por el propio Lovano al saxo tenor, straight alto saxophone, taragato, alto clarinet, aulochrome y gongs; James Weidman: piano; Esperanza Spalding: bass; Otis Brown III: drums, ankle bells, ascending opera gong, descending opera gong; Francisco Mela: drums, pandero, dumbek, Ethiopian drums, ankle bells.

Con el nombre de "Folk Art", el saxofonista publica diez nuevas composiciones que cierran un trabajo exquisito de principio a fin que es ya sin duda uno de los mejores trabajos de Joe Lovano, y eso es decir mucho porque el saxofonista se caracteriza precisamente por deleitarnos cada año con grandes trabajos discográficos y de lo más variado. El año pasado se publicaba un excelente trabajo que recibió muy buenas críticas que es "Symphonica", un disco grabado con una orquesta que hacía un homenaje, a lo grande, a la historia del jazz. Pero justo el año antes, acompañado de Hank Jones, Lovano nos hizo otro gran regalo para nuestros oídos con el disco "Live at Dizzy´s Club Coca Cola" que nos ofrecía una exqusista sesión de jazz, igual que los otros dos trabajos de los años anteriores "I´m All for You" y "Joyous Encountrer" grabados con su cuarteto.

Joe Lovano es posedor de unas cualidades técnicas soberbias, domina todos los registros y es un claro heredero de la tradición de Lester Young, Charlie Parker, John Coltrane y Ornette Coleman. Lovano se mueve como pez en el agua en todos los formatos imaginables, desde la música de Carusso en el álbum "Viva Carusso" hasta el jazz más contemporáneo de la mano del guitarrista John Scofield con quien grabó varios discos para la posteridad como "Time on my hands" o "Meant to be". Lovano posee un sonido penetrante digno de una constelación de los grandes saxofonistas de la historia del jazz, de hecho se puede decir que si hubiera nacido 20 años antes hoy sería un clásico, si es que no lo es. Su firma está presente en discos imprescindibles como "Landmarks", "Rush Hour" o como el supergrupo formado con Scofield, Holland y Al Foster, "Scolohofo", pero sobretodo destaca de su discografía un album considerado por la crítica como uno de los mejores álbumes de jazz de la hisotria: "From the Soul". Este disco de corte clásico es una lección magistral de jazz atemporal. Acompañado por Michel Petrucciani, Dave Holland y Ed Blackwell, el disco es una mezcla de composiciones propias y versiones de clásicos como "Body and Soul", una obra maestra.

"Folk Art" sólo es otro gran álbum de Joe Lovano, otra demostración de grandeza, un paso más de los muchos que, esperemos le quedan por dar, y ¿de cuanta gente puede decir eso?, así que disfrutemos de la música de este genial disco, porque el año que viene habrá más, y más, y más... y nunca es suficiente. Grande, muy grande.

Nostalgia de Charlie Parker

2009-06-18T03:36:00.000-07:00

La editorial Global Rhythm lanza una nueva publicación del autor Robert George Reisner dedicada a Charlie Parker. 54 años después de su muerte, el saxofonista que revolucionó el jazz para siempre, sigue generando admiración y veneración. En torno a Bird se genera una extraña ateacción hacia su figura, no sólo por lo que musicalmente significa sino también por el lado más oscuro de su vida y de sus excesos. Sobre su corta pero intensa vida hay numerosas lagunas que se van recomponiendo con pequeñas piezas de puzzle que generan un rompecabezas más o menos coherente en el que es dificil discernir lo que es realidad o leyenda.

Este libro confirma que la vida de Bird no se puede escribir de manera lineal, haciendo una biografía al uso, y por eso "Nostalgia de Charlie Parker" nos presenta al saxofonista desde el punto de vista de muchos de los músicos más importantes que le acompañaron y le conocieron. De este modo, el libro cuenta la historia de Bird contada por Miles Davis, Charles Mingus, Max Roach, Art Blakey, Dizzy Gillespie, Lenny Tristano, Billy Eckstine, Anita O´Day, Kenny Dorham, Jackie McLean, Earl Hines o Oscar Peterson entre otros.

Se reedita la muy esperada autobiografía de Miles Davis

2009-05-27T00:56:00.000-07:00

Por fin se reedita la mítica autobiografía de Miles Davis, un libro que se publicó en el año 1991 en España y que desde entonces está descatalogado, por más que haya suscitado el interés de inmensas ordas de aficcionados atraídos por los legendarios relatos que en estas páginas nos cuenta esta leyenda de la música.

La editorial Alba, responsable de buena parte de las mejores ediciones de libros sobre jazz, últimamente, como el caso de "Monk", la biografía de Jaco Pastorius o el libro sobre Charlie Parker, es la responsable de esta reedición, que respeta la maquetación de todo el interior, ya que la portada es distinta, que la primera edición, publicada por B ediciones.

La primera edición es ya casi pieza de coleccionista, ya que es muy dificil de conseguir, este menda tiene el privilegio de poseer un ejemplar, fruto de la generosidad de un gran amigo que no dudó en hacer feliz a este servidor obsequiándole con semejante joya. De todos modos, fuera del valor de la edición anterior, era de justicia, reeditar este libro que sin duda es imprescindible para conocer la historia del jazz moderno, desde el Be Bop hasta principios de los 90.

Miles Davis por fortuna, además de ser uno de los músicos más brillantes del pasado siglo, fu testigo en primera persona de todo el ambiente de los grandes años del Be Bop, los años del Minton´s, de la mítica Calle 52, de los años de Bird y Dizzy. Formó parte de la banda de Charlie Parker, vivió con él, por lo que, siempre con su particular modo de ver las cosas, nos ofrece un valioso testimonio de la escena del jazz desde los años 40 hasta los 80.

Además, como es sabido, miles siempre tuvo en su banda a lo mejor de lo mejor, y tocó con los más grandes, por lo que se puede ver de cerca a personalidades como Monk, Mingus, Coltrane, Bill Evans, Cannonball, Wayne Shorter, Hancock, Jarret y un larguísimo etc.

En fin, que esta es la oportunidad, para quien no la haya tenido ya, de adentrarse en el universo Miles y desde esta visión, hacer un recorrido por los mejores años del jazz. Un libro fundamental y sobre todo muy muy sincero.

Brian Blade se lanza como cantante y compositor en su nuevo proyecto: Mama Rosa

2009-04-30T02:30:00.000-07:00

Brian Blade es uno de los baterías más sobresalientes de los últimos años, líder de un proyecto que ya atesora tres maravillosos discos bajo el nombre de Brian Blade Fellowship, el primero del mismo nombre y "Perceptual" y "Season of Changes". Miembro del Wayne Shorter Quartet junto a John Patitucci y Danilo Pérez, ha tocado con un sinfín de músicos dentro y fuera del mundo del jazz como Bob Dylan, Joni Mitchell etc.

En su nuevo trabajo, el genial batería nos descubre una nueva faceta que ha ido desarrollando en la intimidad bajo la atenta mirada de su amigo y colaborador, el guitarrista y productor Daniel Lanois. El resultado es Mama Rosa, un álbum en el que Brian Blade nos enseña un puñado de canciones que dan rienda suelta a muchos de sus gustos musicales que van desde Bartok, hasta Wayne Shorter y Al Green, hasta Emmylou Harris. En Mama Rosa, Blade canta, toca la guitarra, el piano y la batería y se rodea de un gran número de colaboradores como su amigo Daniel Lanois a la guitarra, el pianista John Cowherd, el guitarrista Kurt Rosenwinkel...

Mama Rosa, en palabras del propio Brian, no es un disco de jazz pero sin embargo sí que puede tener similudes con algunos temas de Brian Blade Fellowship con ese tinte de música folk americana. Sin duda será interesante viniendo de quien viene, la propuesta de este genial músico.

Fly publica Sky & Country

2009-04-02T02:31:00.000-07:00

Fly es el nombre que recibe la unión de tres músicos espectaculares que se juntan bajo este nombre para ofrecer lo más personal de su música en una conjunción de creatividad, interacción y sobretodo mucha inspiración.

Mark Turner al saxo tenor y soprano, Larry grenadier al contrabajo y Jeff Ballard a la batería son los integrantes de este magnífico trio que ahora publica su esperado segundo álbum tras el debut titulado con el nombre del trio. Además, "Sky & Country" supone el debut de Fly en el mítico sello ECM, en el cual se acaba de publicar el último disco del trompetista Enrico Rava, New York Days en el que están Mark Turner y Larry Grenadier.

El repertorio está formado por nueve originales entre los que se incluye "Dharma Days" que dio título al último y extraordinario trabajo de Mark Turner en solitario allá por el año 2000. Los otros títulos son: Lady B; Sky & Country; Elena Berenjena; CJ; Dharma Days; Ananda Nanda; Perla Morena; Transfigured; Super Sister.

Lo que diferencia a este trio de otros con esta formación es el concepto de grupo que desarrollan en su música, concediendo el mismo peso a los tres instrumentos sin que ninguno adquiera el papel protagonista. Además, la otra diferencia son los músicos ya que hablamos de tres de los músicos más creativos del momento.

Sobradamente conocidos como sideman en infinidad de discos, de hecho Larry Grenadier y Jeff Ballard conforman la sección rítmica del Brad Mehldau Trio, en Fly dan rienda suelta a sus propias inquietudes encontrando un espacio compartido de creación y creatividad que sirve para desarrollar su música de manera, paradójicamente, individual y compartida.

Colina, Miralta, Sambeat volando en el Filloa

2009-03-26T03:04:00.000-07:00

El supertrio formado por el bajista Javier Colina, el batería Marc Miralta y el saxofonista Perico Sambeat aterrizó en el Jazz Filloa en lo que fue la primera cita de la segunda edición del festival 1906 que traerá durante las próximas semanas un elenco de buenas actuaciones a varias ciudades de Galicia. Propuestas tan interesantes como Andre Fernandes Quartet, Albert Sanz Trio, Raynald Colom Quartet o Paco Charlín The Game son buena muestra de que el jazz ibérico goza de una excelente salud.

Un concierto en el filloa es siempre algo especial ya que debido a lo reducido de su tamaño, es como ver un concierto desde el mismo escenario por lo que la complicidad entre público y músicos es total. Pero cuando encima del escenario se encuentran tres maestros como son Colina, Miralta y Sambeat la cosa ya es seria. En una entrevista en cuadernos de jazz, John Scofield hablaba de un concierto que tuvo la oportunidad de disfrutar la noche antes y se refería a este trio como una gran formación que ofrece un jazz que por ejemplo no te encontrarías en Estados Unidos. Y la verdad es que en la versatilidad en cuanto a estilos es en dónde se demuestra el recorrido y la maestría del trio.

Uno por uno estos músicos son una referencia. Javier Colina es uno de los referentes del bajo desde hace muchos años; tocó con Tete Motoliu, Chano Domínguez y un largo etc. que acaba por haber acompañado al pianista Bebo Valdés en su periplo con El Cigala o con su propio grupo. Colina es un bajista exquisito, con un particular estilo y un sonido muy limpio moviéndose tanto por el bop como por el flamenco o la música latina.

Marc Miralta es también una referencia total, líder del mítico New York Flamenco Reunion, también ha tocado con infinidad de personajes como Seamus Blake, Avishai Cohen etc. Un verdadero maestro del rítmo que abarca un amplio espectro de estilos.

Y Perico Sambeat, qué decir tiene, para mí el músico de jazz español más importante del momento. Un grande con una larga trayectoria a sus espaldas. Ha tocado con verdaderos grandes como Lee konitz, Brad Mehldau, Kurt Rosenwinkel, Mark Turner... Tiene en su haber un buen puñado de álbumes de una gran calidad como el mítico Ademuz, Perico, Friendship o el último Flamenco Big Band que está siendo distribuído por Verve y que es una de las grandes últimas creaciones del flamenco.

Los tres juntos, una bomba. En el Filloa, estuvieron geniales, se lo pasaron en grande y se notaba, nos hicieron vibrar y disfrutar con unas improvisaciones de vértigo, demostrando su clase, colina inspirado con unos solos preciosos y Perico volando con su saxo alto, soplando hasta el límite. Miralta demostrando su gusto y riqueza de matices y recurriendo tanto a las manos como a cualquier aporte tímbrico que enriquezca aún más el repertorio.

Demostraron su increíble versatilidad atacando tanto a temas bopperos, como a un blues, flamenco, latin y hasta algo de groove. También en las baladas, con una canción de Consuelo Velasco y el Drume Negrita, demostraron como de conmueve con la música. De todo ese cóctel que incluyó además una actuación de un músico venezolano afincado en Coruña con el cuatro venezolano, salieron más que airosos.

Bravo! noches como esta ayudan a limpiar el alma y a engrandecer la música.

Avishai Cohen expolta su faceta vocal en su nuevo trabajo: Aurora

2009-03-25T04:50:00.000-07:00

Y otro año más, el gran Avishai Cohen nos deleita con un nuevo trabajo, esta vez con nombre de mujer: Aurora. Desde el 2004, este genial bajista israelí nos regala cada año un proyecto nuevo igual que Woody Allen.

Durante los últimos años, Avishai se ha centrado en su trio, una formación que ha moldeado a su imagen y semejanza y aunque ha variado de formación, conserva su esencia inicial. Al principio con Sam Barsh al piano y Mark Giulliana a la batería y ahora con Shai Maestro e Itamar Douri, Avishai ha grabado sus cuatro últimos discos: “At Home”, “Continuo”, “As...Is, Live at the Blue Note” y “Gently Disturbed”.

En “Aurora” sin embargo el músico israelí ha querido dar rienda suelta a uno de sus mayores deseos musicales: hacer un álbum vocal con su propia voz como instrumento protagonista del álbum. Y esto es “Aurora”, el reflejo de la inquietud de un músico polifacético que no contento con haberse convertido en uno de los bajistas más sobresalientes del panorama actual y haber grabado un disco, con gira incluida, como pianista, ahora desarrolla otra forma de expresarse a través de su voz y de la palabra.

Sin ser poseedor de unas cualidades vocales extraordinarias, Avishai complementa muy bien su música con su voz, una voz tímida pero cálida y apasionada. Para la ocasión ha contado con su actual trio, formado por el poético Shai Maestro al piano y el exquisito percusionista Itamar Douri además de Amos Hoffman al oud y una sección devientos formada por Stephane y Lionel Belmondo con la trompeta y la flauta respectivamente. Además, para reforzar y acompañar la voz de Avishai, este cuenta con la colaboración de la cantante Karen Malka.

“Aurora” no es el mejor disco de Avishai cohen, sin embargo es un disco, sin duda muy especial, cargado de emotividad y de grandes momentos musicales, un disco dónde el bajista israelí desnuda su alma sin complejos y nos ofrece lo más íntimo de su universo musical. No tiene desperdicio la versión de Alfonsina y el Mar en la que acompañándose únicamente de su contrabajo nos habla desde su más profundo sentir. Una obra musical atrevida y diferente con mucha carga étnica de música judía y latina con el jazz como catalizador de la siempre sugerente propuesta de Avishai Cohen.

Barney Mcall "Flashbacks"

2009-03-24T10:45:00.003-07:00

Barney Mcall es un pianista australiano, que lejos de preocuparse por realizar una música facilmente etiquetable, lo que hace es una mezcla de estilos y conceptos que rehuyen a cualquier denominación estándar. Música contemporánea del siglo XXI, sería tal vez la mejor manera de denominar o etiquetar lo que el pianista desarrolla en "Flashbacks", su último trabajo discográfico.

Influenciado por la música latina, especialmente por la cubana y el rítmo batá, el músico australiano es compositor de música para películas, o bandas sonoras, como prefiera denominarse lo que sin duda se nota en el cd, que tiene un cierto componente de música de cine, casi formando una suite.

En la afamada página All About Jazz, denomina esta música como una especie de "Bitches Brew" moderno, sin embargo, lejos de esta etiqueta, lo que sí nos encontramos es un disco tremendamente original y profundamente bello.

Para la ocasión Barney Mcall ha contado con Jay Rodríguez al saxo, Josh Roseman al trombón, Drew Gress al bajo acústico, Johnatan Maron al bajo eléctrico, Pedrito Martínez a la batería y a la guitarra, la pieza clave del disco junto con el líder, Kurt Rosenwinkel, quien ya había participado en el disco del pianista "Release the Day". Barney Mcall afirma que de hecho este disco lo ha compuesto pensando en Kurt Rosenwinkel y reconoce que el disco del guitarrista "Heartcore" ha supuesto una gran influencia en la manera de concebir la música de este "Flashbacks". De hecho Barney Mcall formó parte de la Heartcore Band con la que Rosenwinkel llevó al directo el controvertido álbum.

"Flashbacks" representa sin duda un disco alejado de lugares comunes que supone un gran descubrimiento por ofrecer una música nueva, divertida y muy inspirada.

Seamus Blake publica su primer trabajo en directo: Live In Italy

2009-03-23T11:02:00.000-07:00

El saxofonista Seamus Blake publica su primer trabajo en directo, un doble cd con el título de "Live in Italy" y acompañado de su actual Quarteto integrado por Dave kikoski al piano, Danton Boller al bajo y Rodney Green a la batería.

Tras un buen puñado de excelentes álbumes en estudio, como lider y como sideman, Seamus publica su primer trabajo en vivo, compuesto por un variado repertorio que incluye algunos de los temas de su último trabajo en estudio "Way Out of Willy" y hasta un arreglo de Debussy, "String Quartet in G Minor".

Seamus es uno de los saxofonistas más sobresalientes de los últimos años, un músico muy versatil que ha tocado en un gran número de álbumes tanto a su nombre como con otros músicos. Integrante de la Mingus Big Band, ha tocado con gente como Matt Penman, Mark Turner, Chris Cheek, John Scofield, Kurt Rosenwinkel y un largo etc. que incluye a muchos de los mejores músicos del panorama jazzistico actual.

Formó el interesante grupo The Bloomdaddies junto a Chris Cheek, Jesse Murphy, Jorge Rossy y Dan Reiser, un combo que dio rienda suelta al mejor groove de un buen puñado de grandes músicos, con discos como "Mosh for Lovers", lleno de grandes momentos.

"Live in Italy" es el siguiente paso de un músico que tiene en su haber grandes trabajos como "The Call", "Strange Things Have Happened" o "Echonomics", que desembocan en un directo que promete contener un buen rato de buena música.

Mark Turner regresa tras una rápida recuperación

2009-03-09T03:34:00.000-07:00

El jazz vuelve a estar de enhorabuena, tras conocer la noticia del regreso del gran Mark Turner. En el pasado mes de noviembre, recibimos la desagradable noticia sobre el accidente del saxofonista Mark Turner, quien se cortó dos dedos con una sierra mecánica. Pues ahora es el momento de anunciar su regreso mucho antes de lo esperado y despejando las dudas sobre su recuperación. Mark Turner ha vuelto al ruedo como si nada hubiera ocurrido, integrando el cuarteto del pianista Ed Simon en el Village Vanguard y haciéndonos gozar de nuevo con su sonido y su música. Una estupenda noticia saber que seguiremos gozando de la magia de este músico tan especial y que podremos seguir disfrutando de el dúo Kurt-Mark que es uno de los estímulos musicales más importantes de un servidor.

Mark Turner es uno de los saxofonistas más sobresalientes del momento, compañero inseparable de Kurt Rosenwinkel, el saxofonista es tiene en su haber un puñado de grandes álbumes como son "Yam, Yam", "Mark Turner", "In This World", "Ballads" o "Dharma Days", este último data ya del año 2000, cuando Mark Turner rompió su relación con Warner y desde entonces no ha vuelto a editar otro disco a su nombre. Podemos escucharlo en el interesante proyecto que tiene con Larry Grenadier y con Jeff Ballard, "Fly" que espera sacar disco este mismo año.

Offering: la visión de Marc Ayza

2009-02-18T02:38:00.000-08:00

El batería Marc Ayza es sin lugar a dudas una de las referencias de su instrumento en nuestro país, eso ya lo sabíamos, también tuvimos la ocasión de ver su capacidad como compositor en su primer trabajo discográfico "Deejah". Pero Marc muestra todo su potencial en su último trabajo "Offering", un proyecto en el que el batería mezcla jazz con hip hop y sobretodo mucho groove.

"Offering" tiene una formación poco habitual, con Roger Mas al piano, Hammond B3 organ y el Nord Lead II; Tom Warburton al contrabajo; Dj Helios a los platos y el MC Core Rhythm que canta en un par de temas. Además está grabado en Nueva York, dónde Marc ha presentado el proyecto cosechando buenas críticas.
Los temas, compuestos por Marc Ayza, salvo honrosas excepciones como el "So far to Go" del gran productor J Dilla, ofrecen el vehículo perfecto para mostrar el potencial de este proyecto en el que el líder empuja al grupo con sus contagiosos rítmos que marcan la atmósfera del álbum. Tom Warburton hace un papel exquisito, igual que Roger Mas quien llena el disco con increíbles aportaciones y sonoridades a través de todos los instrumentos que toca. Un papel más discreto tiene Dj Helios que aporta matices, aunque de manera muy elegante y que complementa perfectamente la música de "Offering".

"Offering" es sin duda uno de los proyectos a tener en cuenta, un jazz muy global que fusiona tanto jazz como acid jazz, hip hop pero hecho con la visión de un maestro como es Marc Ayza. Otro ejemplo de música global que permite que músicos de Cataluña puedan acercarse a la música más negra y encima aportar su propia visión ofreciendo algo absolutamente nuevo y refrescante. Estos son los proyectos que merecen la pena y que mantienen viva la música.

Scofield mira al gospel en "Piety Street"

2009-02-16T05:08:00.001-08:00

En la web de Sco está anunciado su próximo lanzamiento para el 31 de marzo del presente año por supuesto. "Piety Street" es el título del próximo trabajo del que es uno de los guitarristas más prolíficos del jazz. Otra vuelta de tuerca parece que es este nuevo trabajo en el que Scofield reivindica la música gospel.

Inicialmente, Scofield quería hacer un disco de blues pero al final, según sus palabras, encontró que era más original hacerlo de gospel buscando en las raíces comunes tanto del blues como del jazz. Pocos músicos hay capaces de mudar de piel tantas veces como Scofield, que ha recorrido no pocos caminos dentro del mundo del jazz.

Desde que hizo el disco homenaje a Ray Charles dónde coqueteó con músicos y cantantes de R&B, o su anterior trabajo "This Meets That" en el que interpretaba temas como el House of the Rising Sun, o el satisfaction e incluso tocaba un tema country, parece que Scofield está haciendo una exploración a las raíces de la música americana.

Tras llevar 30 años en la vanguardia del jazz, siendo siempre un músico considerado moderno, tanto en los 80 tocando fusión, como en los 90 mezclando el funk con samplers en trabajos como "Bump", "Überjam" o "Up all night", Sco se reivindica comom un músico inmerso en la tradición pero desde una perspectiva moderna, tal y comom reflejaba el título del hasta ahroa último trabajo: "This Meets That" (Esto mezclado con aquello) lo nuevo con lo viejo.

Para "Piety Street" Scofield no se ha rodeado de músicos de jazz sino de músicos de Nueva Orleans que han formado la banda con la que ha estado de gira últimamente: la Piety Street Band.

Como siempre, estaremos esperando ansiosos un nuevo trabajo de Scofield que siempre nos hace pasar buenos momentos, seguro que es una delicia lo que este mago de la gruitarra nos tiene que contar sobre el pasado pero desde el presente.

El cine invisible de Aaron Parks

2009-02-09T03:42:00.000-08:00

Invisible Cinema es el debut discográfico del pianista norteamericano Aaron Parks, un joven intérprete que ya se ha ganado un lugar entre los grandes pianistas del panorama actual tras haber formado parte durante cinco años del grupo de Terence Blanchard, entre otros como el Kurt Rosenwinkel Group etc.

Lejos de hacer un disco convencional, invisible cinema es un disco que mira hacia el horizonte y que ofrece un jazz renovado que mezcla varios estilos como el pop o el rock progresivo ofreciendo así música muy contemporánea y muy actual.

El grupo lo componen Eric Hardland, uno de los baterías más interesantes del momento, integrante del grupo de Charles Lloyd, Matt Penman al bajo y Mike Moreno a la guitarra. Exceptuando dos temas a piano solo y el tema que abre el disocque está interpretado a trio "travelers", en el resto del disco la guitarra cumple un papel melódico doblando las melodías con el piano lo que hace característico el sonido del grupo. El descubrimiento del guitarrista Mike Moreno es toda una sorpresa, muy en la onda Kurt, tanto en la forma de tocar como en el sonido, teje unas bellas improvisaciones sobre los sugerentes acordes que el pianista le ofrece con sus composiciones.

Todos los días asisitimos a la publicación de infinitos discos de jazz pero no todos los días podemos disfrutar de discos de jazz que rompen moldes, discos que se salen de lo común y más allá de esto, discos tan bellos como este "invisible cinema" que nos demuestran que el jazz sigue estando al día y que seguirá estándolo siempre mientras haya músicos como Aaron Parks que disfruten y que utilicen las nuevas tendencias para incorporarlas a la tradición y así renovarse constantemente.

Moonshine, una propuesta vanguardista de Dave Douglas

2009-01-21T03:54:00.000-08:00

Dave Douglas representa el ideal de músico contemporáneo. Un instrumentista exquisito con un dominio espectacular de la trompeta y con una sonoridad propia, un gran compositor que no duda en echar mano de los trabajos de otros compositores ya sean del mundo del jazz, del pop o de la música clásica. Pero además de todo esto, Dave Douglas es un auténtico camaleón musical, algo así como el David Bowie del jazz por decir algo ya que decir que Dave Douglas hace jazz, es decir bien poco. Una etiqueta un tanto reduccionista para alguien que tanto hace discos como Charms of the night sky, como soul on soul o como su último disco: Moonshine con su proyecto Keystone.

Dave Douglas es capaz de mudar de piel en tan poco tiempo que en un mismo año es capaz de lanzar dos discos tan opuestos como Keystone o Mountain Passages y salir vivo del intento. Y tan vivo!

Con su último álbum Moonshine, Dave Douglas se pone a la cabeza de la vanguardia del jazz dejándonos uno de los mejores discos del año con un concepto muy particular en el que incorpora a DJ Olive que tiene un peso importante en la atmósfera y la sonoridad del álbum que ha dsido grabado en directo y rematado en el estudio. Un álbum que marca un interesante camino en la música contemporánea y que sirve para constatar, si hacía falta que Dave Douglas es un auténtico monstruo musical.

Enrico Rava presenta New York Days

2009-01-13T05:45:00.000-08:00

A finales del presente me de enero, saldrá a la luz el nuevo disco de Enrico Rava en el sello ECM, que promete ser jazz de altura, como no podía ser de otra manera.

Con el revelador título de "New York Days", el trompetista italiano, presenta un nuevo trabajo rodeado de unos compañeros de lujo como, su ya colaborador habitual, Stefano Bollani al piano y Mark Turner al saxo, Larry Grenadier al bajo y Paul Motian a la batería.

Conmueve un poco ver a Mark Turner en los créditos tras el triste accidente que sufrió tras amputarse dos dedos, lesión de la que se encuentra en período de recuperación y tras la que esperamos que nos devuelva a uno de los grandes músicos del jazz actual.

Jazzia, el piano solo de Abe Rábade

2009-01-05T02:58:00.000-08:00

El incansable pianista compostelano Abe Rábade publica su primer trabajo a piano solo bajo el paraguas de su último proyecto artístico que conjuga jazz y magia en colaboración con el ilusionista Kico Pastur.

Bajo el nombre de Jazzia, este singular dúo presentó en los últimos meses un espectáculo que conjugaba el jazz de Abe con la magia de Pastur. Bajo el nombre de Jazzia, Abe ha publicado un cd que contiene la música del espectáculo en formato piano solo formado por composiciones como "Logos”, “Da orde ao Caos”, “Liberación”, “Ases Soprados”, “Azar”, “Creación da Baralla”, “Tristano Complex”, “Asorey” (para o amigo Carlos Asorey), “Danza Derviche” y “Broken Chart”.

Cuando aún estábamos digiriendo su último gran trabajo, "Open Doors", Abe vuelve a deleitar nuestros oídos con un nuevo trabajo, seguro que muy personal y magnífico como es habitual bajo su firma.

Falleció Freddie Hubbard

2009-01-05T02:33:00.000-08:00

El trompetista falleció el 29 de noviembre a los 70 años, debido a ciertas complicaciones tras sufrir un ataque al corazón. Freddie Hubbard es sin duda alguna, uno de los grandes trompetistas de la historia del jazz.

Apareció a mediados de los 60 con su reconocido disco "Open Sesame" considerado como uno de los mejores discos de jazz de la historia, al que segurían otros sobresalientes como "eadie for Freddie". Participó así mismo en un importante número de obras maestras del jazz como el "Maiden Voyage" de Herbie Hancock, el "Speak no Evil" de Wayne Shorter, o el "Africa/Brass" de Coltrane y aunque no era un trompetista radicado en el free jazz, participó en algunas de las grandes obras maestras del género como el "Ascension" de Coltrane, el "Free Jazz" de Ornette Coleman o el "Out to Lunch" de Eric Dolphy".

Freddie Hubbard ha sido influencia de un sinfín de trompetistas como Wynton Marsallis y ocupa un lugar privilegiado entre los más grandes del jazz por su irrupción en la escena de una manera arrolladora pasando a tocar con todos los grandes y por haberse mantenido durante tantos años como una de las principales referencias de la trompeta de jazz.

Mis Discos 2008

2008-12-26T03:43:00.000-08:00

Este año que nos deja ya, ha sido un importante año en cuanto a novedades, por lo que a mí respecta. Como siempre, un sinfín de discos asolan nuestras vidas, de los que sólo podemos acceder a una mínima parte que llaman nuestra atención porque son nuevos trabajaos de artistas que nos gustan, o simplemente porque llegan a tus manos a través de otras personas o porque investigas determinados estilos que te apetece escuchar en ese momento y das con determinados nombres a través de la crítica especializada, que en nuestro país deja bastante que desear.
Todos los años dejo constancia en este blog de los discos que más me han gustado por si a alguien le sirve de algo. Los discos que más me han gustado de todos los que he escuchado en el 2008 son:
- Kurt Rosenwinkel Group "The Remedy: Live at the Village Vanguard"
- Brad Mehldau Trio "Live"
- Charles Lloyd "Rabo de Nube"
- Miguel Zenón "Awake"
- Nicolás Chientaroli Trio "La Música Está Prohibida"
- Marcelino Galán "Zinco"
- Perico Sambeat "Flamenco Big Band"
- Abe Rábade "Open Doors: Ghu! Project vol 2"
- The Roy Hargrove Quintet "Earfood"
- Brian Blade & The Fellowship Band "Season of Changes"
- Diego Amador "Río de los Canasteros"
- Avishai Cohen Trio "Gently Disturbed"
- The Bad Plus "For All I Care"

The Bad Plus vuelven a sorprendernos en For All I Care

2008-11-24T02:11:00.001-08:00

"For All I Care" supone un paso significativo para el trio The Bad Plus ya que por vez primera incluyen a una vocalista a formar parte de una aventura tan interesante como es la música de este trio.

Formado en el año 2000, el trio nace de la mano del pianista Ethan Iverson, del bajista Reid Anderson y el batería David King y su música es un baile de clásicos de la música popular transfomados por su particular punto de vista y convirtiéndolos en una experiencia absolutamente nueva e innovadora a través del jazz y con fuertes influencias del free.

En este nuevo álbum cunetan con la vocalista Wendy Lewis quien se adapta muy bien al concepto del trio y lo lleva a otra dimensión.

El repertorio e esta ocasión está formado por "Lithium" de Nirvana, abriendo el disco de manera espectacular, "Comfortably Numb" de Pink Floyd con una versión digna de ser escuchada, y con otras delicias como una versión de "How Deep is your love" de los Bee Gees y hasta una versión de "Variation d´apollon" del maestro Stravinsky.

Eclecticismo es la palabra que mejor define a este grupo que no renuncia a nada y que mira hacia el futuro incorporando todo lo que se puede aprender del pasado sin renunciar a nada, sin prejuicios, dejándose llevar por todas las tendencias sonoras posibles y utilizando todas las herramientas posibles para satisfacer el hambre de música tan voraz que posee este genial grupo.

"For All I Care" es un álbum espectacular, como siempre, The Bad Plus nos hace pasar un rato inolvidable, con una música universal y transfronteriza, sin ningún complejo y con toda la calidad e inspiración posible en manos de estos tres tan cualificados músicos que con la aportación de Wendy Lewis nos llena aún más, si cabe, de buenas vibraciones.

Rebecca Martin lanza The Growing Season

2008-11-20T03:12:00.000-08:00

Kurt está que no para últimamente. Nos vuelve a sorprender con un lanzamiento en el que se ha implicado considerablemente: el nuevo disco de la cantante Rebecca Martin, "The Growing Season". Este nuevo trabajo sigue la línea de sus anteriores lanzamientos con una música cálida y tranquila , muy enraizada en el folk americano y con retazos pop y jazz.

Para "The Growing Season", Rebecca ha contado con músicos de excepción, como suele ser habitual en ella, teniendo nada menos que a su marido Larry Grenadier al bajo y al gigante Brian Blade a la batería. Rebecca se encarga de la guitarra acústica y el resto lo hace el gran Kurt Rosenwinkel, quien se encarga de la producción, de la guitarra eléctrica, guitarra de nylon, fender rhodes, piano y hasta vibráfono.

"The Growing Season" es un disco relajante lleno de hermosas melodías y creado con mucho mimo creando una atmósfera muy agradable que hará que el disco te enganche. Rebecca se consolida como una especie de Joni Mitchel con retazos del lado folky de Cassandra Wilson.

Kurt en el nuevo disco de Q-Tip

2008-11-19T01:58:00.000-08:00

Después de varios años sin nuvo disco, el productor y MC´s de Hip Hop Q-Tip, vuelve con un álbum llamado "The Renaissance". El ex miembro de Tribe Called Quest debutó en 1999 con su primer disco en solitario "Amplified", desde entonces Q-Tip ha grabado un par de discos que no fueron oficialmente publicados por lo que se puede decir que este es su gran regreso tras nueve años de ¿silencio?

Q-Tip es un reputado productor, responsable de varios hits de artistas tan como Chemical Brothers, Mariah Carey etc. y ha grabado con gente tan interesante como Erykah Badu, D´Angelo, Jay Dee (J Dilla) o Roy Hargrove. En "The Renaissance" Q-Tip sigue fiel a su estilo con un Hip Hop con fuertes raíces soul, funk y del sonido Motown, sello en el que edita el disco. Además cuenta con la colaboración de gente como D´Angelo, Raphael Sadiq y Norah Jones y el disco se apoya en la actua´ción de varios músicos como son el teclista Robert Glasper y Marc Gray o el gran maestro de la guitarra, Kurt Rosenwinkel aportando mayor frescura al disco.

Esta no es la primera vez que colaboran el guitarrista y el productor ya que ambos se encargaron de la producción del ecléctico álbum de Kurt Rosenwinkel "Heartcore".

El triste accidente de Mark Turner

2008-11-18T00:08:00.000-08:00

Una triste noticia ha asolado el mundo del jazz en la última semana, Mark Turner se amputó dos dedos con una sierra mecánica. Nos hemos enterdado a través del foro de Aaron Parks quien hizo público el accidente tras un mensaje de Kurt Rosenwinkel. A día de hoy parece que le han hecho ya la cirugía y uno de los mejores cirujanos en este terreno y parece que se están mandando mensajes de esperanza y positivos.

La noticia desde luego es impactante, uno de los mejores saxofonistas de los últimos años se ve de repente privado de lo que es su modo de vida y su modo de expresión. Para un músico, lo peor que le puede pasar es que no pueda tocar y sólo pensar en esta posibilidad nos hace estremecer.

Esperamos que la recuperación sea positiva y que podamos seguir disfrutando de un saxofonista único como es Mark Turner. Ánimo y suerte

Avishai Cohen conquista Lugo

2008-11-13T00:09:00.000-08:00

Noche maravillosa en el Círculo de las Artes de Lugo a cargo del Avishai Cohen Trio. Con Shai Maestro al piano y un joven percusionista, el bajista desgranó buena parte de sus dos últimos álbumes "Continuo" y "Gently Disturbed" con alguna incursión en alguno anterior como la preciosa canción "Remembering" de su álbum "At Home".

Ante un auditorio entregado desde la primera nota, Avishai Cohen demostró porqué es uno de los bajistas más reputados del momento, ofreciendo un repertorio cargado de rítmo y de emotividad. El trio hizo gala de una perfecta simbiosis entre sus miembros con el líder al mando de una nave que sabe que en la música, a veces, se vale más por lo que se calla que por lo que se dice. No necesita este trio hacer pirotecnias técnicas ni largas improvisaciones para demostrar su valía. Se basan en la convicción de ser poseedores de un buen puñado de grandes temas y después que los sentimientos fluyan dirigidos por el líder que dio una verdadera lección de clase y de virtuosismo como pocas veces se pueda ver. Avishai ejerce un dominio, parece que absoluto, de su instrumento, posee una afinación exquisita, una fuerza sobrehumana y una rapidez de rayo, además utiliza todos los recursos tímbricos que le da su gran armario con una concepción muy percusiva del mismo, incluso utilizándolo de tambor. Pero sobretodo hizo gala de su gusto exquisito.

En los bises, Avishai desnudó su alma ante un audiorio absorto, e interpretó "Alfonsina del mar" únicamente acompañando su cálida voz, de su contrabajo. Al auditorio se vino abajo con esta canción reconociendo el gesto del bajista y agradeciendo su gran sentimiento. Acabó con una canción con un rítmo contagioso y de clara influencia israelí yen manos del público al que hizo tararear la melodía manteniendo el pulso con las palmas de modo que acabó cayandose el trio y pasandole la bola al respetable que siguió tarareando mientras se despedía de tres músicos que les habían hecho pasar un rato inolvidable.

Festival de Jazz de Lugo

2008-11-11T03:02:00.000-08:00

Comienza el festival de jazz de Lugo con un cartel muy intersante. El encargado de inaugurarlo es el guitarrista Mike Stern, un virtuoso de la guitarra que compartió mil batallas con Jaco Pastorius y que estuvo también en la banda de Miles Davis en sus primeros tiempos tras su regreso en los 80.

Mike Stern es uno de los grandes guitarristas del denominado jazz fusión, con una técnica vertiginosa, el guitarrista se mueve por terrenos fronterizos entre el jazz, el blues y el rock. Viene a Lugo acompañado de músicos de lujo, a la batería, nada menos que Dave Weckl, uno de los más virtuosos baterías, integrante de la Elektric Band de Chick Corea, Chris Himm al bajo y el gran trompetista Randy Brecker como invitado especial.

Tras este espetaculo ofrecido en el Círculo de las artes, la sesión nocturna correrá a cargo del grupo Sumrrá en el Clavicembalo.

Al día siguiente, será Avishai Cohen Trio la estrella principal, presentando su trabajo Gently Disturbed. Avishai Cohen es uno de los más importantes bajistas en la actualidad. Integrante del New Trio de Chick Corea, se forjó una importante carrera en solitario que comenzó en 1998 con el disco Adama y que ya contiene 9 discos en los que su interesante y particular manera de componer. Jordi Matas Quintet amenizará posteriormente la noche en el Clavi, con un quinteto integrado, entre otros por el pianista valenciano Albert Sanz.

5 días de festival que acabará con la actuación estelar del Trio del pianista Panameño Danilo Pérez, integrante del Wayne Shorter Quartet, que estará acompañado por nada menos que una leyenda viva del jazz: Lee Konitz.

Otro de Miles

2008-11-10T04:18:00.000-08:00

Otro lanzamiento de Miles en DVD y esta vez también en un doble cd que contiene el concirto que el quinteto del trompetista ofreción en Polonia en elaño 83. La banda está formada por Bill Evans al saxo, John Scofield a la guitarra, Darryl Jones al bajo, Robert Irving III a los teclados, Minu Cinelo a la percusión y Al Foster a la batería.

El repertorio está formado por temas de sus primeros discos de los 80 como son "The Man With the Horn", "Star People", "Decoy" y "You´re Under Arrest". Ya es costumbre que todo el material grabado de estos músicos sea siempre de conciertos europeos, lo que pone de manifiesto el gran respeto y admiración del que gozaban en Europa y del olvido al que estaban condenados en los Estados Unidos.

Estamos viviendo una época de intensa reedición de la discografía de Miles, tanto por parte de la columbia como de otras discográficas que editan material inédito como la que edita este DVD-CD, se nota que está próximo el lanzamiento del biopic que está realizando Don Cheadle y que, sin hacernos grandes esperanzas, sí es cierto que pondrá de moda a uno de los grandes personajes de la música del siglo XX.

Miles Davis Quintet 1969

2008-10-14T02:53:00.000-07:00

Nuevo DVD de Miles Davis y por tanto un nuevo disfrute audiovisual y sobre todo musical. Acaba de editarse un nuevo DVD que contiene dos conciertos de octubre y noviembre del 69 en Cophenaghe y en Roma con el legendario quinteto formado por el propio Miles, Wayne Shorter, Chick Corea, Dave Holland y Jack DeJohnette. En ambos conciertos, el grupo ofrece un repertorio formado por temas de Bitches Brew fundamentalmente.

Hay que agradecer la edición de este tipo de material y muy especialmente la de este dvd puesto que nos permite tener testimonio de un quinteto que nunca grabó en estudio pero que fue uno de los más importantes grupos de entre los muchos que tuvo el trompetista. Estos dos conciertos nos permiten disfrutar y constatar la calidad de este grupo y de estos jóvenes músicos, por aquel entonces, que luego se convertirían en leyenda. Soberbias actuaciones de Chick Corea, de Wayne Shorter y como no del líder, Miles que está en plenitud de facultades realizando constantes esfuerzos por ofrecernos algunos de sus solos que pueden considerarse legendarios, puro arte, puro expresionismo saliendo de su trompeta. Notas agudísimas gemidos y sonidos estridentes que dejan muestra de la gran energía, creatividad e invención de este genio de la música. Y es que Miles fue capaz de cambiar de estilo tantas veces como fuera necesario adaptando no solo el estilo, las composiciones y la música sino también su propio sonido y su manera de tocar lo que supone un esfuerzo espectacular y asombroso, algo al alcance de muy pocos. Este concierto es buena muestra del la manera de entender la música que tenía Miles, lo vemos en plena etapa rockera y por tanto en plen o esfuerzo por buscar nuevos caminos pero sin perder su propia personalidad porque al fin y al cabo siempre es Miles. Un documento sonoro sin desperdicio, pena que la realización del primer concierto no sea muy buena y que el segundo esté en blanco y negro aunque estos detalles no desmerecen la gran calidad del documento.

Roy Hargrove vuelve al bop con "earfood"

2008-10-09T00:16:00.000-07:00

Roy Hargrove presenta su nuevo trabjo discográfico con su habitual quinteto. Earfood es el título de esta grabación en la que el trompetista vuelve a enseñarnos su cara más bop. Acompañado por Justin Robinson al saxo alto, Gerald Clayton al piano, Danton boller al bajo y Montez Coleman a la batería, Hargrove nos deleita con trece temas, la mayoría de su autoría y otros como "I´m not Sure" de Cedar Walton con el que abre la grabación.

Después de habernos deleitado con su proyecto RH Factor en el que dio rienda suelta a su lado más groove, mezclando jazz con hip hop, soul... y con gente como Q-Tip, Erykah Badu o D´angelo, produciendo dos extraordinarios discos como son Hard groove y Distractions, el trompetista vuelve a ejercer de "young lion" realizando dos discos de jazz como son "nothing serious" y este expléndido "earfood".

El quinteto de uno de los abanderados de la trompeta de los últimos años, junto a Terence Blanchard y Nicolas Payton, hace aquí un trabajo impecable, haciendo gala de su gran calidad y desgranando una serie de canciones en las que, como declara el trompetista, están hechas para el disfrute del oyente. Y en realidad es así, ya que son una colección de canciones de corte clásico pero con una onda neobop y con rítmos muy groove en las que estos geniales músicos demuestran su capacidad. "Earfood" nos muestra al mejor Hargrove, con una técnica asombrosa y una inspiración que no le deja nunca, un disco para disfrutar con jazz del bueno, con jazz muy negro y del siglo XXI.

La música está prohíbida

2008-10-06T03:12:00.000-07:00

Nicolás Chientaroli Trio es uno de los grandes descubrimientos de este año. Este singular trio argentino formado por Nicolás Chientaroli al piano, Carlos Álvarez al contrabajo y Hernán Rodríguez a la batería ha editado su primer trabajo discográfico en el sello independiente argentino Blue Art, responsable de la edición de grandes trabajos del jazz argentino.
La música está prohibida es el provocador título de este trabajo en el que estos tres músicos nos brindan una propuesta absolutamente original y personal haciendo gala de una técnica vertiginosa así como de un gusto exquisito. En siete cortes, el trio argentino nos muestra una música con fuertes raíces en el jazz, un gran conocimiento de la tradición y con grandes dosis de improvisación que caracterizan todo el disco. Se respira mucho Monk en las composiciones en las que la disonancia monkiana hacen de vehículo conductor en muchas de las melodías para luego rozar el free derrochando imaginación y clase.
En argentina el jazz está muy pero que muy vivo como bien demuestra el gran catálogo de compañías como Blue Art o la filial de EMI en Argentina que ha editado trabajos a gente como Ricardo Cavalli o Horacio Fumero, la edición de este trabajo es un perfecto ejemplo de la calidad y originalidad de las propuestas que están cociendo en Buenos Aires. Desde luego La música está prohibida es uno de los grandes trabajos discográficos del año y un descubrimiento al que no hay que perderle la pista.

Kind of Blue cumple 50 años

2008-10-02T04:04:00.000-07:00

El disco más laureado de la historia del jazz está de 50 aniversario. Para celebrar la ocasión, y como no, sacar tajada de los beneficios que genera la obra del gran trompetista, Columbia y los propietarios de los derechos de Miles Davis, es decir sus hijos y el sobrino Vince Wilburn Jr. que fue batería de Miles durante los 80, lanzan al mercadouna caja especial de conmemoración del considerado álbum más importante de la historia del jazz.

La caja contiene dos cd con material extra como tomas alternativas y un dvd con un documental sobre el álbum y la influencia que este ha tenido, traspasando fronteras estilísticas e influenciando al público de todos los estilos. Pude que estemos ante la versión definitiva de este gran álbum aunque con todas las que van quien sabe. Desde luego Miles está más de moda que nunca y eso que seguimos a la espera del biopic que el actor Don Cheadle está realizando sobre el trompetista y que problablemente verá la luz el año próximo. Por el momento disfrutemos un vez más de este álbum incansable.

Nace el Dave Holland Sextet: Pass it on

2008-09-29T10:03:00.000-07:00

Pass it on es el nuevo trabajo discográfico del incansable bajista Dave Holland. Tras habernos deleitado con su genial quinteto con el que nos ha regalado discos tan memorables como Extended Play, Dream of the Elders o Not for Nothing y tras haber sorprendido al mundo con su Big Band con registros como Overtime o What goes Around, el londinense Holland estrena formación y formato en un nuevo trabajo que quizás inaugure una nueva etapa, a pesar del revisionismo de su repertorio.

Dave Holland Sextet cuenta con asiduos colaboradores de su quinteto y su big band como el saxofonista Antonio Hart, el trombonista Robin Eubanks y el trompetista Alex Sipiagin y con nuevas incorporaciones como el pianista Mulgrew Miller y el batería Eric Hardland. El repertorio es una revisión de varios de sus temas más emblemáticos a lo largo de su dilatada carrera por lo que el trabajo es en parte revisionista pero teniendo en cuenta la incorporación del piano tras muchos años si contar con el en sus formaciones, parece que Holland ha decidido hacer un cambio de rumbo que teniendo en cuenta su trayectoria significará que se encuentra mirando hacia una nueva dirección.

Siempre es un placer escuchar un nuevo disco de uno de los músicos más creativos del panorama jazzistico actual a pesar de haberse convertido ya en una auténtica leyenda, pero es más gratificante cuando sabemos que problablemente nos encontremos ante el nacimiento de otro grupo de Dave Holland, que tiene el listón muy alto tras haber llegado a lo más alto con el Dave Holland Quintet.

Diego Amador: el Prince del Flamenco

2008-09-25T03:36:00.000-07:00

Diego Amador es uno de esos artistas de los cuales aparece uno entre un millón. El pequeño de los hermanos Amador es un músico superdotado no sólo por sus extraordinarias dotes pianísticas y su particular forma de entender e interpretar el piano, sino por ser además un multinstrumentista y cantaor, productor etc. que nos ofrece una visión multidimensional de su propia visiñon de la música, de su música: el flamenco.

En su anterior trabajo, el genial "Piano Jondo", Diego nos ofreció una visión del flamenco absolutamente vanguardista, con su especial técnica de piano y su manera de interpretarlo como si fuera una guitarra, lo que lo convierte en un músico absolutamente original y único. En Piano Jondo nos encontramos flamenco, pero con una clara influencia jazzera. Partiendo del flamenco como su lenguaje materno, Diego daba rienda suelta a sus influencias jazzeras dejándonos un disco imprescinible porque es un disco absolutamente único.

En su nuevo álbum, "Río de los Canasteros", Diego ha cambiado su mensaje. Aquí el genial pianista da rienda suelta a una de sus facetas más preciadas, la de cantaor. "Río de los canasteros" es un álbum absolutamente distinto a "Piano Jondo". Aquí el jazz queda más de lado, tomando protagonismo absoluto el flamenco y el asomobroso talento del genio de Diego Amador, que produce, compone, canta, toca el piano, el bajo y la guitarra, y puede que me olvide de algo más. Así, nos ofrece un disco quizás más personal en el que da buena muestra del talento que posee cantando, con una fuerza y un sentimiento tal, que podría dedicarse sólamente a ser cantaor, y qué bonito!

Diego es como el Prince del flamenco, un músico capaz de pensar de manera global y de interpretar su propia música en todas sus dimensiones, lo que muy poca gente puede presumir de hacer, o por lo menos con este resultado. En Río de los Canasteros, se consagra como el músico de referencia del flamenco contemporáneo, como una música global pero con mucha raíz. Olé por este trabajo y Olé por Diego.

Perico Sambeat lanza Flamenco Big Band

2008-09-23T01:16:00.000-07:00

El gran Perico vuelve a sorperender al mundo con un nuevo proyecto de envergadura. Flamenco Big Band es el nuevo trabajo del gran saxofonista valenciano en el que cuenta con con los inseparables Javier colina y Marc Miralta en la sección rítmica, con el guitarrista Gerardo Núñez y, entre otros, a los pianistas Albert Sanz y Bernardo Sasseti o el trombón de Toni Belenguer.

La acogida de este proyecto es brutal puesto que Verve será la encargada de la distribución, de un disco que aspira a exportarse al mercado internacional como uno de los símbolos de nuestro jazz. Es la segunda vez que Verve se hace cargo de un disco de este estilo, la otra ocasión fue con el Flamenco New Sound de Chano Domínguez.

Con la publicación de Flamenco Big band, vuelve el Perico más flamenco, aquel que sorprendió al mundo con el mítico disco Ademuz en el que participaron varios de ls músicos más importante del jazz de nuestro tiempo como son Brad Mehldau, Mark Turner o Kurt Rosenwinkel y en el que contó con la participación del cantaor Enrique Morente. El pripio Perico ha declarado que lo que él ha hecho en este disco se no se ha hecho más de tres veces pero lejos de ser una mirada al pasado, Perico nos ofrece su visión, que como siempre muestra un gran respeto y conocimiento de la tradición pero con la mirada puesta en la vanguardia y hacia delante.

Bird: el triunfo de charlie Parker

2008-09-19T03:40:00.000-07:00

La editorial Alba nos ha sorprendido de nuevo con una nueva publicación, esta vez sobre nada menos que Charlie Parker. Gary Giddins es el autor de este breve pero imprescindible relato que nos acerca un poco a la vida del hombre que cambió para siempre la música.

Bird: el triunfo de Charlie Parker es el acertado título que ya nos deja ver la dualidad existente en la extraordinaria figura del saxofonista. Por un lado su vida personal, que afecta claramente en el devenir de su carrera, su adicción a las drogas y el alcohol y su comportamiento excesivo y autodestructivo que caracterizan a Charlie Parker y por otro lado el gran músico, capaz de inventar un nuevo lenguaje y una nueva forma de expresión que conseguirá que ya nada vuelva a ser como era antes de su existencia. Este es Bird, el aclamado músico, el triunfo de un hombre llamado Charlie Parker.

Este libro aporta una gran información sobre los comienzos de Parker, que es la parte más desconocida de su biografía y por tanto aporta una información muy útil para entender mejor las circunstancias y la evolución de Bird. La vida de Bird está llena de lagunas y este libro contribuye a conocer mejor como era en su día a día este genial músico y acercarnos a su vida cotidiana y a su música. LA pega es que es demasiado breve y uno se queda con ganas de mucho mucho más tratándose de un personaje como Bird, pero bienvenido sea un libro como este.

Marcelino Galán - Zinco

2008-07-22T01:23:00.000-07:00

Tras nada menos que zinco años del anterior y primer trabajo de este genial guitarrista coruñés, el revelador "Roho", editado en Xingra, Marcelino Galán vuelve a deleitarnos con su música. Zinco es el apropiado título de un disco en el que zinco músicos desgranan las sugerentes composiciones del guitarrista y en el que se respira compañerismo y fraternidad. Por eso Marcelino lo llama Zinco, porque la grabación es un ejemplo de entendimiento y de compañerismo musical entre unos grandes músicos que ya se las han visto en mil y una batallas. Integran el quinteto Pablo Castaño al saxo alto, Mauel Gutiérrez al piano, Xacobe Martínez Antelo al contrabajo y Max Gómez a la batería.

El disco comineza con una preciosa intro de guitarra que precede al tema Superkurt, en homenaje a una de las principales influencias de Marcelino, y que sirve para meterte de lleno en esta interesante experiencia que es descubrir el disco. Un tema que resume muchas de las principales influencias de Marcelino, como son Rosenwinkel, Mark Turner o Chris Cheek. Un intrincado solo de Marcelino bailando sobre la armonía y creando una gran tensión da paso al sonido profundo de Pablo que demuestra lo bien que le está sentando su periplo neoyorkino.

Campeonciño es el segundo corte, a modo de homenaje al gran Richard, en el que un motivo de bajo doblado con piano encuentra respuesta en la guitarra y el saxo, para ofrecernos uno de los temas más rítmicos del álbum en el que por cierto, el guitarrista nos deleita con uno de los mejores solos del disco, que preciosidad!

Castaño oscuro, en homenaje al saxofonista Pablo Castaño, es la primera blada del disco, un tema que rebosa clase, una composición muy intimista y nocturna y un tema atemporal en el que Pablo nos hace estremecer con el sonido de su saxo.

Waitng 4 Max es un vertiginoso tema al más puro estilo hard bop aunque con reminiscencias de otros estilos, y en el que el homenjeadoe en este caso, el batería Max Gómez da buena muestra de su capacidad y estilo. Manolo nos deleita con un solo espectacular en el que a modo de trio con Xacobe, que está siempre impecable y Max nos hace volar.

El pequeño Lucas es la otra balada del disco, en la que el grupo nos da otra lección de clase. Después una nueva versión de uno de los clásicos de Marcelino "Mókina" que ya estaba incluída en Roho pero que aquí, con otra instrumentación, cobra un nuevo valor, aunque es un tema espectacular.

Xacoblues, obviamente es un homenaje al gran Xacobe y este es un tema muy especial de este disco, es una canción tan bella que uno nunca se cansa de escucharla porque es algo más que una canción, es como un sonido natural que a uno le gustaría que le acompañase a todas horas. Marcelino, único solista aquí, nos regala un solo, que igual que canción no es solo un solo, es una melodía, como la melodía de este tema que es una auténtica delicia.

Como plato final, emiles, que no es necesario que diga a quien homenajea, y que constituye un perfecto final, el tema más desenfadado del disco y a la vez el más diferente pero que te deja con esa sensación final perfecta de quien sabe que acaba de escuchar algo grande. Una enrevesada melodía de saxo y la guitarra distorsionada, en este caso, de Marcelino da pie a unas improvisaciones cargadas de energía para acabar todos sumándose al solo del pianista y poner fin a una grbación muy especial.

Zinco constituye sin duda un paso de gigante para el jazz gallego, Marcelino, una vez más demuestra que además de un gran guitarrista, es un gran compositor y que su música está en una onda más que interesante del jazz actual. Un acierto el concepto, con la guitarra como instrumento más melódico que armónico.

Open Doors - Abe Rábade en estado puro

2008-07-04T02:28:00.001-07:00

Open Doors ya está en la calle. El nuevo trabajo del gran pianista compostelano Abe Rábade es sin duda un gran acontecimiento para los amantes del jazz. Open Doors es la segunda entrega del GHU! project, una grupo volátil con el que Abe trabaja en formatos distintos al habitual, que es su trio.

Si en la primera entrega, el grupo era un quinteto, más la guitarra de Michel González en un par de temas, en Open Doors, Abe amplía formación con dos vientos más que conforman un septeto de lujo formado por Perico Sambeat (saxo alto), Jesús Santandreu (saxo tenor), Chris Kase (trompeta), Alan Ferber (trombón), Nelson Cascais (bajo) y Bruno Pedroso (batería).

En Open Doors Abe habla sobre lo que les cotidiano o lo que le es cercano, así le dedica un tema a su hermana, a Compostela e incluso a la catástrofe del Prestige. La música 100 % al más puro Abe, con sus frenéticos cambios de rítmo, con mucho hard bop y sobretodo con mucho respeto y conocimiento a la tradición y un gusto exquisito en la composición y en las improvisaciones. Refiriéndonos a estas, hay que destacar que en un grupo con esta calidad de solistas, como no podía ser de otra manera, las improvisaciones son uno de los puntos fuertes del disco, tanto por su calidad como por su variedad ya que la variedad y riqueza tímbrica del disco nos ofrece una amalgama de colores y sensaciones.

El grupo suena como un todo, muy bien empastado, y los arreglos me parecen muy originales ya que no suena como una mini Big Band, como cabría esperar, sino que el resultado final es algo totalmente distinto porque nunca tienes la impresión de estar ante una orquesta sino ante un grupo. No sé si me explico pero eso es lo que siento. Por otro lado, Abe está soberbio, sirva de ejemplo la bonita introducción que abre el disco.

Open Doors representa un paso más en la brillante carrera de el pianista gallego, y este es un paso de gigante. Con su anterior trabajo Playing on Light, la crítica se rindió por fin ante él eligiéndolo como el mejor disco de jazz español del año, en esta ocasión, la rancia revista Cuadernos de Jazz vuelve a menospreciar el trabajo del gallego dándole una modesta puntuación de 3 estrellas sobre cinco. Que manía de ponerle puntuación a los discos, ¿no pueden simplemente comentarlos y que cada uno juzgue según su criterio? Claro luego pasa lo que pasa, que al disco Heartcore de Kurt Rosenwinkel le ponen una estrella y se quedan tan panchos. Un a estrella!!! es decir, un disco malo. je je je, me río de janeiro. ¿Como rayos van a gozar de credibilidad?

En fin, este es otro debate pero lo cito aquí porque no entiendo que le pasa a esta peña con el trabajo de Abe. Resumiendo y para terminar, Open Doors, un disco magnífico.

Fallece Esbjörn Svensson

2008-06-17T01:25:00.000-07:00

Otra mala noticia sacude el mundo del jazz. Esta vez no se trata de una muerte d eun viejo mito sino de un músico en la plenitud de su carrera. A sus 44 años y tras haber dejado tras de sí una docena de discos con su mítico trio EST, el pianista sueco ha fallecido mientras practicaba buceo.

El que fue lider de uno de los trios más exitosos de los últimos años, se ha ido para pasar a formar parte de la historia por haberse convertido en un renovador del jazz, sirviéndose en su música tanto de la música clásica, como del rock, del pop o de la música electrónica. Y es que este trio no se ponía barreras a la hora de hacernos disfrutar con su visión de jazz global y moderno.

Siempre es triste perder a un gran músico, pero cuando se trata de uno tan joven y en plenas facultades es algo trágico ¿como se puede morir algo tan vivo?

Entrevista a Víctor Prieto

2008-06-02T08:16:00.000-07:00

Acaba de publicarse el tercer número de la revista Iniciativas 21 de la que formo parte del equipo de redacción y en este número hemos publicado una entrevista que ha realizado un servidor a uno de los músicos más importantes que tenemos en Galicia, aunque esté afincado en Nueva York: Víctor Prieto. Dejo aquí esta interesante charla con él.

Persistencia é o título do disco deste acordeonista ourensán afincado en Nova Iork e quizáis sexa esta a palabra que mellor o define, a él e á súa traxectoria.
Víctor Prieto comezou estudando música clásica en Ourense, pero pronto se enganchou ao jazz e a partires de ahí a súa traxectoria é un exemplo de loita e de xenialidade abrindo camiño nun estilo que sempre excluíu o instrumento que a él lle volvía tolo, o acordeón.
Marchou a Boston a estudar en Berklee, sendo o primeiro alumno que obtivo o título de acordeón de jazz e convetíndose nun auténtico revolucionario do seu instrumento desenvolvendo técnicas que permiten levar ao acordeón a onde ninguén o levara.
Agora é un músico moi solicitado e de recoñecido prestixio, ademáis de ser profesor de acordeón de jazz no prestixioso “Brooklyn Conservatory”. Garda no seu haber unha veintena de premios e o New York Post define a Víctor como un “xenio do acordeón”.

Iniciativas 21 - Comezaches a túa formación no conservatorio de Ourense tocando música clásica. ¿Como se produce o salto hacia o jazz?
Víctor Prieto - Prodúcese a través de Tino Veiga, que era o profesor da Rondalla de Mugares. Eu tiña sobre 12 anos e él introdúxome nos acordes do blues, do boogie boogie... e a partires de ahí comezei co jazz ata que fun á escola de Suso Atanes en Santiago, Estudio Escola de Música.

I21 - Despóis fuches a Berklee sendo o primeiro acordeonista en especializarse en “jazz performance”. ¿Como foi a experiencia de ser o único alumno de acordeón de jazz no páis que viu nacer esta música?
V.P. - A Berklee, en principio, fun como compositor de música de películas porque alí non se estuda acordeón de jazz xa que non é un instrumento demasiado popular en Estados Unidos.
Eu tiña concedida unha beca pero cando cheguei non me querían deixar entrar posto que alí non se estudaba o meu instrumento. Alí estaba outro galego, o batería Ramón Ángel Rey, quen me axudou moitísimo, ao igual que Suso Atanes, discutindo cos de admisión da Berklee para que me admitisen.

I21 - Ao non haber acordeón, alí estudiaches coa pianista Joanne Bracken. Posto que te viches obrigado a estudar con pianistas, ¿tes algunha relación especial co piano?
V.P. - A miña maneira de tocar está principalmente influída por pianistas e saxofonistas. Ademáis foi precisamente con Joanne con quen desenvolvín técnicas como a de aproximación de acorde en ambas mans.

I21 - ¿Cales son as túas principais influencias musicais?
V.P. - Keith Jarret, Wayne Shorter, John Coltrane, Richard Galliano, Astor Piazzola,... Galliano foi o primeiro acordeonista de jazz que escoitei e namoreime do que facía co instrumento polo que é unha influencia dende sempre. Aínda que neste momento o que eu estou facendo é algo completamente distinto do que él fai.

I21 - Cando chegaches a Nova Iork estiveches buscandote a vida durante un tempo traballando en lugares como o metro. Pero de repente prodúcese un salto e en pouco tempo convírteste nun músico moi solicitado ademáis dun cotizado profesor.
V.P. - Ir a Nova Iork é un salto moi grande xa que é unha cidade que te come vivo. En Boston estiven traballando nunha lavadería, aparcando coches...
Cando decidín ir a Nova Iork, os fins de semana ía a Boston a traballar de axudante de camareiro o cal é unha auténtica odisea. Pero en en Nova Iork non quería malgastar forzas buscando traballo así que me adicaba só a sair polas noites a tocar en jams sessions. Todo o diñeiro que gañaba o gastaba en pagar a renta e tocar polas noites. Aos 5 meses xa estaba tocando todas as noites en festas privadas, concertos, restaurantes e comezaron a chamarme para facer gravacións e a dar clases. Despóis xa todo foi costa arriba e ata coñecín á miña muller.
A verdade é que as cousas que me pasaron a min en cinco anos non son moi normais.

I21 - ¿Como é o panorama do jazz en Nova Iork?
V.P. - Aquí o jazz tradicional sempre está pero ao haber tantos músicos de tan distintas culturas atópaste con moitas fusións de jazz con outras músicas. É parecido ao que acontece co flamenco ou a música galega, que se mestura con moitos estilos.
Hoxe é moi complicado definir que é o jazz. Pódese dicir que é música improvisada ou música que nace do jazz e que ten esas raíces. Pero dentro disto podes facer calquer estilo ou mestura, e se funciona pois estupendo. O futuro e o presente da música é a fusión. O Be bop segue vivo e hai que estudialo, pero hoxe non podes estar tocando como se tocaba nos anos 40.

I21 – Estás revolucionando a maneira de tocar o acordeón, creando novos sons e técnicas para este instrumento. Cóntanos en que consiste a aproximación de acorde en ámbas mans.
V.P. - Consiste en mover un acorde ou policorde en calquer tipo de intervalo.
O que fago é que coa man dereita podo estar tocando, por exemplo unha tríada mentres coa man esquerda toco un acorde totalmente diferente e os dous xuntos forman un determinado acorde.
Ese tipo de acordes podes movelos da maneira que queiras, por cartas, quintas, séptimas e despois podes resolver de outra maneira e con isto consigues un tipo de son.
É unha ferramenta nova que permite abrir o acorde e conseguir un tipo de sonoridade que cando a escoitas, recoñeces que quen está tocando é Víctor Prieto.

I21 - Despois de ter tocado con xente como Paquito D´Rivera, Jeff Ballard, Chris Cheek, Diego Urquola... agora sacaches o teu primeiro traballo discográfico, “Persistencia”. ¿Pódese dicir que este disco resume todo o camiño andado?
V.P. - Sen dúbida. Este é un disco moi especial porque eu estaba buscando gravalo nos Estados Unidos e aquí é moi complicado que unha discográfica aposte por tí. Eu vexo “Persistencia” como un disco de Nova Iork e como un resumen da miña vida aquí.

I21 - Declaraches que é inevitable percibir na túa música a influencia de Galicia. ¿Esta influencia é quizáis nostálxica ou realmente se percibe na túa maneira de compoñer e de tocar?
V.P. - A nostalxia sempre vai a estar pero esta influencia está presente tanto na miña maneira de compoñer como de tocar. Hai frases que toco que as quitei da música galega aínda que este tocando swing. É algo que sae de xeito natural, que forma parte da miña propia linguaxe. Isto pasa moito con outro tipo de músicas como no caso de Galliano coa música francesa.
Creo que os galegos temos que estar moi orgullosos da nosa música porque é preciosa e ademais non a debemos infravalorar porque é tan interesante como calquera outra.

I21 – Obtiveches un grande prestixio e recoñecemento internacional. ¿Sénteste dalgún xeito esquecido na túa terra?
V.P. – A verdade é que teño tanto traballo que non penso niso aínda que é lóxico que a todo o mundo lle gusta que o recoñezan, e especialmente na súa terra.

Brian Blade Fellowship vuelve tras 8 años de silencio

2008-05-13T00:41:00.000-07:00

Brian Blade publica un nuevo disco con los Fellowship. Seasons of Change es el nombre de este nuevo álbum editado 8 años después del último Perceptual. Con este ya son tres los álbumes de esta curiosa formación liderada por uno de los baterías más importantes de los últimos tiempos y que ofrece una visión particular en la que la filosofía, tal y como el propio Blade expresa, es la de compañerismo.

En Seasons of Change, Blade cuenta con los mismos colaboradores de antaño, los saxofonistas Myron Walder, Melvin Butler, el pianista John Cowherd, el guitarrista Kurt Rosenwinkel y el bajista Chris E. Thomas, pero cambia de compañía estrenándose en Verve, sello dónde el batería ha realizado múltiples trabajos con Wayne Shorter Quartet, Lizz Wright o Chris Potterentre muchos otros.

Brian Blade es un batería fuera de serie, sin duda una referencia de su instrumento, y con los fellowship tiene la oportunidad de expresar su propia música que bebe directamente de la tradición americana fusionando por supuesto jazz pero con muchas raíces del folk, e incluso del country y nos ofrece una hermosa música en la cual prima la interacción del grupo como un todo interconectado.

Wayne Shorter Quartet encabeza una programación de lujo en el Imaxina Sons 2008

2008-05-05T01:38:00.000-07:00

La edición 2008 del festival de jazz Imaxina Sons de Vigo está cargada de sorpresas. Conviene destacar el acierto del cartel por combinar la presencia de grandes figuras internacionales con una buena selección de jazz gallego.

Siempre se hace la misma pregunta cuando se celebran festivels de jazz en España: ¿por qué nunca se apuesta por progrmar a nuestros músicos? bien, pues el cartel del Imaxina Sons de este año rompe por fin con esta dinámica y apuesta por el jazz gallego como un valor en alza, que lo es.

Por vigo pasará una de las formaciones más importantes del jazz internacional, el Wayne Shorter Quartet, un auténtico lujo de formación que constituye seguramente el grupo más importante de jazz progresivo. También cabe destacar la presencia de Atomic y Ken Vandermark, una formación que se ha constituído como el grupo revelación de los últimos tiempos, haciendo un jazz vanguardista con una amalgama de estilos enraizados en el free jazz.

En la parte gallega del festival cabe destacar la presencia de Marcelino Galán Zinco que estrenará álbum muy pronto con un jazz influenciado por gente como Kurt Rosenwinkel, Mark Turner o Chris Cheek. También estará Paco Charlín & the Ultimate Jazz Earth-tet, una de las formaciones más destacadas del panorama actual y Terela Gradín & Manolo Gutiérrez entre otros.

Michel Portrait Unit, Machuca Trio, Primital-Santi Ibarretxe, Stefano Bollani, Barry Guy, Antonio Bravo, Américo Rodrigues, Enrico Rava Quartet, Simoni Guiducci Gramelot E., Giulia Valle Group, Lucía Martínez Cuarteto y Clunia Jazz, completan el cartel del 2008 de un festival al que deseamos larga vida, desde luego con carteles como el de este año seguro que la tiene.

Abe Rábade interpreta a Rosalía de Castro en clave de jazz

2008-04-25T04:06:00.000-07:00

Rosalía 21 es un proyecto que revisa la obra de Rosalía de Castro en clave de jazz. El pianista Abe Rábade le ha puesto música a una selección de poemas que se encarga de recitar el poeta Anxo Angueira y de cantar Guadi Galego, quien ya colaborara con el pianista en el proyecto Nordestin@s. El resto de la banda son el trio habitual del pianista, formado por Nelson Cascais al contrabajo y Bruno Pedroso a la batería y también el saxofonista Jesús Santandreu quien ya participió junto a Abe en el Ghu! project vol 1 y también en el vol 2 que está a punto de publicarse.

Rosalía 21 es pues un proyecto multidisciplinar tanto en lo musical como en lo conceptual, jazz con raiz gallega a manos de una cantante como Guadi y poesía con música a cargo de Anxo Angueira.

Este espectáculo se estrenó en La Habana durante la Feria del Libro en la que Cuba invitó a Galicia a participar. Los temas que contiene el disco son:

01. A Xusticia pola man 02. Padrón, Padrón, Santa María, Lestrove 03. Ladraban contra min 04. Cada noite eu chorando pensaba 05. Negra Sombra 06. A Rosalía / Altares de silencio 07. Tecín soia a miña tea 08. Tembra un neno 09. Miña santiña 10. Alborada

Kurt Rosenwinkel - The Remedy: Live at the Village Vanguard

2008-04-15T00:27:00.000-07:00

"The Remedy" es el primer trabajo en directo del genial guitarrista de Philadelphia Kurt Rosenwinkel, un músico que está creando escuela, no sólo por su genial manera de tocar la guitarra, sino también por su música y sus composiciones. Ligado en lo profesional al saxofonista Mark Turner, con quien ha participado en una docena de trabajos, para esta ocasión, Kurt ha contado, además de con el saxofonista, con el pianista Aaron Goldberg, quien hace un trabajo exquisito, con el bajista Joe Martin, quien ya participara en el álbum "intuit" y Eric Hardland, a quien podemos escuchar con los San Francisco Jazz Collective.

Grabado en el mítico Village Vanguard, "The Remedy" es una de las sorpresas más gratas del año. Un álbum que deja bien claro que nos encontramos ante uno de los mejores combos que podemos oir en la actualidad. La música de Kurt cobra en este formato, un valor distinto a lo que ya nos tenía acostunbrados. La libertad del directo permite ofrecernos un desarrollo de los temas sin límite de tiempo, llegando incluso a los 20 minutos, y en los que los solistas pueden explayarse con creces en sus improvisaciones. No hay mejor contexto para disfrutar de la calidad de todos los músicos que forman el Kurt Rosenwinkel Group, y en especial de su líder que, junto a Mark Turner, nos dejan momentos sublimes.

El primer cd comienza con "Chords", un tema al más puro estilo Kurt, con una intrincada melodía que desemboca en una vertiginosa improvisación del guitarrista en la que nos pone ya en este primer corte, el listón lo más alto posible para lo que se avecina. Con una inteligente bajada de presión a cargo del piano de Aaron Goldberg, el tema da entrada a un genial Mark Turner que nos regala un sólo magnífico.

"The Remedy " es el título del segundo corte del disco y se trata de una bella composición en la que la guitarra marca el rítmo casi de bossa y en la que podemos disfrutar de hermosas melodías con una armonía envolvente que nos atrapa desde el principio.

El disco continúa con "Flute", un tema que comienza con una misteriosa melodía para después romper con un sólo de piano que baja la intensidad del tema para volverla a subir de una manera espectacular, hasta el estallido, en un trabajo de gran intensidad por parte de Goldberg quien protagoniza un momento soberbio junto a Eric Hardland, antes de dar paso a la improvisación de Turner.

Como remate de la primera mitad de este conciertazo, una versión de "A Life Unfolds", el tema que cerraba "Next Step". Quizás la novedad es que en la versión de disco no había piano y en esta versión hay que destacar de nuevo el papel de Goldberg que hace una genial aportación a esta balada. Tras una larga introducción a cargo de Kurt, comienza una de las más bellas composiciones del de Philadelphia.

Para comenzar el segundo cd, un homenaje a Rusia, "View from Moscow", un tema abolutamente impresionante con una melodía in crescendo que crea momentos de gran tensión y que desemboca en un sólo extraordinario de Kurt, que exprime lo mejor de tan sugerente armonía. Igual que Turner, que toma el relevo de Kurt de forma magnífica.

"Terra nova" es el siguiente corte, que de nuevo comienza con una larga introducción a cargo del líder que nos mete de lleno en la canción más lenta del disco, que comienza Mark Turner con una bella melodía y que crea una atmósfera extraordinaria, en la que Golberg nos deja una improvisación a lo Bill Evans modernizado, al estilo de Mehldau para dar paso a un Kurt que explota aquí su lado más melódico.

Sigue este genial cd con una intro de guitarra que llega a mostrarnos pequeñas referancias al flamenco por parte de Kurt y que da paso a un sugerente blues al estilo Rosenwinkel que saca lo mejor de Mark Turner. Un tema pata negra.

Y para rematar la aventura, la otra versión del disco, esta vez una composición de Mark Turner del disco "Dharma Days" en el que también participara Kurt. "Myrons World" empieza con una larga intro de saxo en la que Turner da buena muestra de su potencial y dónde podemos apreciar su influencia coltraneniana. En esta intro se suma Kurt en un diálogo entre saxo y guitarra que sirve para introducirnos lo que vendrá después. Una magistral manera de comenzar la canción con un puente que a modo de goteo nos mete de lleno en una melodía muy hardbop que se encarga de relajar el piano de Aaron, con un bello solo que sirve de enlace para las improvisaciones de Kurt y Mark. El disco acaba a lo grande, con un solo de batería soberbio que dónde Eric hardland demuestra su genialidad y que da paso a un pasaje muy latin y muy rítmico que es el punto final de "The Remedy".

Avishai no falla: año nuevo, disco nuevo

2008-04-03T02:30:00.000-07:00

Avishai Cohen no falla: año nuevo, disco nuevo. Ha sido así desde que en el 99 sorprendiese al mundo con su genial debut discográfico Adama. Ahora acaba de anunciar la publicación de su próximo trabajo llamado Gently Disturbed.

Con la publicación de Continuo, su anterior trabajo en estudio, se confirmó lo que ya se apuntaba con At Home, que su música a trio recuperó el esplendor que tenía en sus tres primeros y geniales trabajos, el citado Adama, Devotion y Colors. El pasado año tuvimos la oportunidad de disfrutar del disco en directo As...is: live at the blue note, en el que quedaba confirmada la calidad del trio del israelí. Ahora en su nuevo trabajo Avishai sigue apostando por el trio como el mejor vehículo de expresión de su música. Esta vez prescindiendo de la colaboración del "oud" del guitarrista Amos Hofman y además estrenando nuevo pianista: Shai Maestro que sustituye al genial Sam Barsh. A la batería sigue Mark Giulliana, quien demostró ser un batería exquisito y que se complementa estupéndamente con Avishai.

Estaremos pendientes de este disco, como siempre que Avishai publica álbum y esperando una vez más disfrutar de la música de uno de los músicos más interesantes del momento. Ahora que Avishai ha encontrado el camino, tras algunos álbumes decepcionantes, esperamos que lo mantenga. Desde luego tiene el listón muy alto después de Continuo pero cuidado que estamos hablando nada más y nada menos que de Avishai Cohen.

Brad Mehldau lanza su primer directo con el nuevo trio

2008-03-28T02:08:00.000-07:00

Brad Mehldau lanza su nuevo trabajo discográfico, un doble cd en directo grabado en el mítico Village Vanguard en el 2006. Brad Mehldau Trio Live es el título de este trabajo con su nuevo trio formado por el inseparable Larry Grenadier y Jeff Ballard, que sustituyó a Jorge Rossy cuando este se marchó para emprender un proyecto como pianista.

Por lo que aparentemente parece, el concepto es el mismo que utilizó en su último trabajo de estudio Day is done. Hay clásicos como Countdown de Coltrane y hay adaptaciones de temas off jazz de grupos de los 90 como el caso de Wonderwall de los Oasis o Black Hole Sun de los Soundgarden. Parece que Brad ha encontrado su camino inmortalizando y llenando de swing grandes clásicos modernos de los 90, un camino que ya emprendió en el disco Largo, aunque aquí con un concepto de disco totalmente distinto, y ya a trio en el aclamado Day is Done.

Mehldau es uno delos músicos más prolíficos de los últimos tiempos. no contento con tener en su haber una ingente cantidad de discos, también ha participado en un sinfín de grabaciones de gente como Mark Turner, Kurt Rosenwinkel, John Scofield, Perico Sambeat... por citar una mínima parte.

Su anterior trio lo exprimió hasta la saciedad con 5 entregas de la serie The Art of the Trio y a mayores: introducing, places, anything goes y House on hill. La verdad es que no era para menos, ya que nos han regalado momentos mágicos. Pero supongo que llega un momento en el que es necesario cambiar de rumbo.

Hacer un disco como largo y descubrir lo que se puede hacer con versiones sacadas de otros estilos, el nuevo standard como aquel disco de Herbie Hancock, y abrir un nuevo camino. Esto además coincide con la marcha de su batería de siempre, así que ha llegado el momento de iniciar un nuevo camino en el trio: Day is Done. La cosa funciona de maravilla, así que comienza una nueva etapa de la que este directo parece ser su confirmación. Estaremos atentos porque creo que no se puede dejar pasar la oportunidad de disfrutar del nuvo trio de Brad Mehldau.

Canciones: Introduction; Wonderwall; Ruby's Rub; O Que Sera; B-flat Waltz; Black Hole Sun; The Very Thought of You; Buddha Realm; Fit Cat; Secret Beach; C.T.A.; More Than You Know; Countdown.

Paco Charlín: Cuanto más mejor

2008-03-25T05:59:00.000-07:00

Como no podía ser de otra manera, el gran Paco Charlín, vuelve con su tercer volumen del Jazz Frequency Group pero esta vez formando trio con parte de los integrantes de su anterior trabajo Nature´s Sound. Parece que ya se instala como práctica aprovechar las formaciones que utiliza en sus discos para formar el Jazz Frequency Group con el que Paco, a trio, interpreta varios de los standards que le gustan.

En esta ocasión le acompañan el saxofonista Javier Vercher y el batería Brannen Temple y el repertorio está formado por April in Paris, Pee wee, Pinochio, Beatrice, Ju Ju, Lonnie´s Lament, A foogy day y Black narcisus.

Charlín se está convirtiendo en uno de los músicos más prolíficos de la actualidad, en sólo dos años ha sacado nada menos que seis discos a su nombre y ha colaborado en una cantidad ingente de trabajos. Ajeno a la constante crisis discográfica de la que todo le mundo se habla, el gran bajista gallego utiliza su propio selo discográfico para publicar todo el material que estima oportuno. ¿Por qué un músico ha de seguir una política marcada por el mercado discográfico en la cual ha de sacar un disco cada dos o tres años?

Paco está teniendo la oportunidad de tocar con un sinfín de músicos, ya que se ha convertido en uno de los bajistas más solicitados, y aprovecha para sacar todo lo que lleva dentro, es mucho. Esto no va de seguir una lógica de lanzar disco, promoción, ventas, parón y vuelta a empezar, esto va de sacar todo aquel material que un músico de su talla quiere publicar. ¿Y si mañana decide que ya no quiere sacar más discos y tarda seis años en sacar otro? pues no pasa nada. Lo importante es la honestidad que demuestra en cuanto a su música, sin más reglas que hacer lo que le apetece.

Sabedor de que los discos de jazz no venden inmediatamente sino que se consolidan en, por así decirlo, catálogos y que nunca dejan de venderse aunque por goteos, Paco está consolidando una discografía que hará historia, y no sólo por la cantidad de material sino por la gran calidad que tiene todo lo que hace este arousano. Sí señor! cuando la música es tan buena como la de Paco sólo se puede decir una cosa: Cuanto más mejor. Mo´better blues

PASCALA

2008-03-25T04:20:00.000-07:00

El jazz gallego es un patrimonio que crece a un rítmo frenético. Buena muestra de ello es Pascala, la propuesta musical del inseparable dúo formado por la cantante Terela Gradín y el pianista Manuel Gutiérrez, una de las tres patas del trío Sumrrá. Arropados por el guitarrista Marcelino Galán, el bajista Xacobe Martínez y el batería Dani Domínguez, configuran un disco de exquisita calidad musical en el que interpretan, además de tres temas propios, varias versiones de músicos tan dispares como Wayne Shorter, con una preciosa versión del mítico Night Dreamer y una espectacular interpretación de E.S.P., o Radiohead, de quienes hacen dos versiones que son una auténtica delicia. Mención aparte, merece Nenhuma, de Moreno Veloso, con una hermosa introducción a manos de Xacobe y que inicia una penetrante interacción entre el piano de Manuel Gutierrez y la guitarra de Marcelino que crean una desgarradora atmósfera llena de melancolía.
Pascala es un trabajo que destaca por la interacción de los grandes músicos que conforman la sesión y en el que la voz es un instrumento más, haciendo hermosas melodías e improvisaciones arropadas por las sugerentes atmósferas que impregnan todos los temas de un disco que constituye un gran salto para el jazz gallego. Una visión moderna y actual de jazz, el vehículo para ofrecer un trabajo verdaderamente exquisito.

Fallece Cachao, el bajo del jazz latino

2008-03-24T01:16:00.000-07:00

El sábado falleció el gran Cachao, poniendo fin a una carrea de más de siete decadas de jazz latino. Israel López "Cachao" ha sido una auténtica leyenda del mundo del jazz latino, siendo el creador del mambo al modificar rítmicamente muchos de los danzones que compuso para la Gran Orquesta de Arcano y sus Maravillas cuando todavía vivía en Cuba.

Tras 1962 transcurrió su vida en el exilio dónde cosechó gran éxito en las grandes orquestas que frecuentaban el Palladium en Nueva York.

En 1978 se mudó a Miami dónde permaneció veinte años casi en el olvido hasta que Andy García lo redescubrió escribiendo, dirigiendo y produciendo el documental "Cachao... como su rítmo no hay dos". Al año siguiente el productor Emilio Estefan y Andy García produjeron el primer volumen de "Cachao Master Sessions" que le reportó el premio Grammy catapultando de nuevo la carrera y el reconocimiento del gran bajista cubano.

En España, es recordado por su aparición en el documental de Fernando Trueba "Calle 54" dónde se junta, tras varias décadas, con su amigo de la infancia Bebo Valdés interpretando a dúo piano-contrabajo una hermosa y emotiva versión del lágrimas negras, que tanto éxito le reportaría al pianista en el disco con El Cigala. En esta interpretación se puede apreciar la gran calidad musical del gran Cachao, interpretando unas líneas de bajo con un exquisito gusto y una clase que se forja con los años.

Cachao está en el panteón de las grandes leyendas del jazz latino.

Kurt regresa con "The Remedy"

2008-03-06T04:35:00.000-08:00

Ya está aquí! Acaba de anunciarse la publicación del nuevo y siempre esperadísimo álbum de Kurt Rosenwinkel. A través de su página web se puede descargar, previo pago, en MP3 o bien pedir el disco a USA, lo que te da derecho a descargártelo inmediatamente en MP3, con lo que no tendrás que esperar a que te llegue para poder disfrutarlo. Además, por el momento es la única manera de adquirirlo.

"The Remedy, Live at Village Vanguard", es el título de este doble CD que recoge 8 nuevos temas grabados en Village, como su propio nombre indica. El grupo está formado por el inseparable Mark Turner al saxo, Aaron Goldberg al piano, Joe Martin al bajo y Eric Hardland a la batería.

Después del aclamado Deep Song (2005), Kurt sigue apostando por el formato acústico para su nuevo trabajo.

Yo ya he pedido el disco y acabo de descargarlo así que ya comentaré algo en cuanto lo escuche. También tengo la portada, aunque no la voy a publicar todavía puesto que de momento sólo se puede ver si haces el pedido, y no se puede ver en ninguna otra página, así que voy a respetarlo.

Muere Teo Macero

2008-02-25T08:32:00.000-08:00

Muere a los 82 años tras una larga enfermedad, dejando tras de sí una brillante carrera como productor de jazz. Una de las particularidades de Teo Macero como productor es que era músico. Formado en la Julliard grabó varios discos pero es la necesidad económica la que le lleva a producir a otros artistas. Tras desarrollar su carrera en Columbia, continuó como productor independiente. Pero en Columbia tuvo la oportunidad de participar en muchos de los más gandes discos de la historia del jazz.

Fue durante más de diez años el productor de Miles Davis en discos tan destacados como Bitches Brew, On the Corner o Jack Johnson. También produjo a Thelonious Monk, Charles Mingus, Stan Getz y un largo etc. Es responsable del sonido de muchos de los discos más importantes de la historia del jazz.

Para los amantes de Miles, como es el caso del que escribe, Teo Macero es su productor insignia ya que es con el que ha tenido una relación más duradera y fructífera. Legendarias son ya sus discusiones con el excéntrico trompetista que limitaba el papel del productor a mantener encendidas las grabadoras pase lo que pase. Sin embargo buena parte de la calidad de la música de Miles en los setenta, sobretodo es obra de Teo Macero, quien invirtió incontables horas en mezclar tomas y tomas que desembocarían en la música del Miles rockero, construída con cortapegos.

El año pasado, en este blog publiqué una entrada que se refería a Teo, con motivo de una aparicíón tras muchos años sin saber de él.

Lástima que siempre tengamos que acordarnos de las trayectorias de muchos personajes cuando fallecen.

Hancock reina de nuevo

2008-02-25T07:55:00.000-08:00

Herbie Hancock, el eterno juvenil, está más que nunca en el candelero. Su disco River: the Joni Letters ha ganado el Grammy al mejor álbum del año en todas las categorías. Esto, que puede parecer una chorrada viniendo de alguien que aborrece este tipo de premios, tiene su importancia: primero porque es un gran álbum gane o no el premio grammy; y segundo porque no es habitual que este tipo de discos se imponga sobre todos los superventas del mundo mundial.

Que este disco obtenga el reconocimiento de todo tipo de públicos es algo muy dificil de conseguir. No vamos a entrar en el debate de si este disco es más o menos comercial que otros del género. Este no es el debate y además carece de total importancia. Que sea un disco de más facil escucha que, por ejemplo el de Ornette, no quiere decir que no estemos ante uno de los mejores discos que el 2007 nos ha regalado.

Para empezar, los músicos son Wayne Shorter, Dave Holland y Vinnie Colaiuta, que por cierto están soberbios. Wayne Shorter es un Dios. Luego está el repertorio, varias canciones de Joni Mitchel adaptadas a la propia visión del maestro Hancock más una versión alucinante de Nefertiti. Y para rematar, el gran elenco de vocalistas que participan en el disco: Norah Jones, Tina Turner, Corinne Bailey Rae, Joni Mitchell...

River es un disco lleno de matices, de momentos mágicos, un disco con un clima especial. Es un disco sin complejos, que a partir de un repertorio popular crea un sonido y una música como sólo los grandes saben hacerlo.

El que haya ganado un premio de estas características es bueno si esto contribuye a que llegue a un público mayor. Ningún purista puede acusar a Herbie de hacer una música para el gran público, creo que estos músicos ya están por encima de esto y así lo demuestran sus trayectorias. Han hecho un álbum genial y eso es lo importante. ¿Y qué si gana el grammy? a mí me gusta igual.

Sketches of Groove

2008-02-04T08:29:00.000-08:00

Por fin ha salido el segundo y tan esperado disco del trompetista Raynald Colom. Tras dos años de expectación desde su genial debut discográfico "My fifty one minutes", Raynald vuelve a conquistar nuestros oídos con su nuevo trabajo, "Sketches of Groove".

Para la ocasión ha contado con su habitual quinteto, que es el mismo que en el disco anterior salvo el cambio de José Reinoso por otro de los pianistas estandartes del jazz nacional, el gallego Abe Rábade.

El concepto del grupo no ha variado demasiado con respecto al otro trabajo aunque este está caracterizado por un amplio elenco de colaboradores que hacen de este un disco más ecléctico. Las nuevas composiciones de Raynald, sin duda llevan su marca, y su trompeta suena delicada unas veces, feroz otras pero siempre con su particular sonido siempre muy cálido y seguro.

Sketches of groove es un disco delicioso, donde las composiciones de Raynald nos descubren una música que bebe de la tradición pero que mira al futuro, ofreciendonos una música muy de nuestro tiempo. Es un placer disfrutar de la música de este genial trompetista que te engancha escucha tras escucha.

Cuando los grandes hablan...

2008-01-25T03:00:00.000-08:00

El lanzamiento de este disco ha convulsionado al mundo del jazz y es que no es para menos. Estamos ante una verdadera obra maestra y eso no ocurre demasiado a menudo. Cuando uno se conecta a la gramática del sonido que nos propone Mr. Coleman, tiene desde el primer momento la impresión de estar ante una absoluta obra maestra, ante un clásico imprescindible, ante una música atemporal y eterna.

Este incansable innovador sigue abriendo camino, esta vez con una formación tan atípica como original, dos contrabajos, batería y el saxo, violín y trompeta de Ornette.

Sound Grammar es sin duda el acontecimiento musical del año y me atrevería a decir que del milenio. Leí no hace mucho una crítica sobre este álbum que lanzaba una pregunta al lector: ¿cuantas veces tiene uno , cuando escucha un disco, la impresión de estar ante una obra maestra? Creo que esta reflexión define perfectamente la sensación que produce escuchar este disco.

La propuesta de la gramática del sonido recoje de alguna manera toda la tradición jazzistica hasta nuestros días. En sus composiciones se pueden escuchar casi todas las vertientes estilísticas del jazz, desde el blues, hasta el free.

Es dificil calibrar la importancia que tiene este lanzamiento, porque es enorme, pero lo que sí es cierto es que es absolutamente admirable que el mismísimo Ornette Coleman siga marcando la pauta de la innovación en el siglo XXI.

Sound Grammar eclipsa sin duda todos los lanzamientos discográficos que haya podido haber este último año, es un disco que ya forma parte de la historia del jazz y que está entre los mejores trabajos de su autor. Para mí esto sólo es comparable a lo que supuso el lanzamiento de otro de los grandes, Wayne Shorter, cuando publicó "Footprints" ofreciendo una propuesta única con una banda de excepción, Danilo Pérez, John Patitucci y Brian Blade. Para mí, y eso significa una visión muy particular y muy parcial, estos dos discos son los discos de referencia del jazz del siglo XXI, junto a un tercero que para mí es la obra cumbre de la generación del jazz actual, "Next Step" de Kurt Rosenwinkel.

Shorter y Coleman no se prodigan mucho en cuanto a producción discográfica. Después de más de cuarenta años haciendo historia y dejándo tras de sí un puñado de obras maestras, no necesitan hacer más. Han adquirido la madurez suficiente como para saber que menos es más, y que sólo necesitan aparecer cuando tienen algo que decir. Pero lo grande es que cuando lo hacen reinventan la historia, y demuestran porqué son quien son, y el resto de los mortales solo podemos admirarlos y disfrutar de su música. Y es que cuando los grandes hablan...

Mis discos 2007

2008-01-17T07:22:00.000-08:00

Tras dejar el 2007, uno hace balance musical de todo el año y la verdad es que en lo que a mi respeta, no ha habido demasiadas novedades a destacar. Este año me he inclinado más por las reediciones y por repasar discos antiguos redisfrutando su grandeza. Dejando aparte la gran sorpresa que me han producido descubrimientos como Andrew Hill, en el 2007 mi banda sonora ha sido el repaso a toda la obra de dos genios, Thelonious Monk y John Coltrane.

En cuanto a las novedades del 2007, de lo que yo he escuchado me quedo con:

- Ornette Coleman "Sound Grammar"

- Michael Brecker "Pilgrimage"

- Herbie Hancock "River: The Joni Letters"

- Chris Potter 10 "Song for Anyone"

- John Scofield "This Meets That"

- Avishai Cohen "As Is...live at the Blue Note"

- Raynald Colom "Sketches of Groove"

El sello que Coltrane impulsó - I!

2007-12-14T04:12:00.000-08:00

El último libro de Ashley Khan ofrece un detallado recorrido por la historia de uno de los sellos más emblemáticos de la historia del Jazz: Impulse Records.

"El sello que Coltrane impulsó" es el título de este interesante repaso al sello en el que Coltrane publicó muchos de sus más importantes trabajos como A Love Supreme, Ascension, Ballads, Crescent y un largo etc. puesto que la política de Impuse! era la de grabarlo todo, de modo que el catalogo se consolidó, en pocos años como uno de los más interesantes del momento.

Se puede decir que Impulse! destacó por dos cosas fundamentalmente, por ser el sello de Coltrane y por tener una visión distinta a sus sellos contemporáneos. Así este sello, que formaba parte de la gran ABC, contaba con un presupuesto elevado para las grabaciones de jazz, desde su producción hasta su diseño caracteristico por el color naranja y negro y por las fundas de los discos desplegables.

Entorno a la figura de Trane se construyó el sello que albergó a la gran parte de los protagonistas de la New Thing o del jazz de vanguardia. Esto no hizo sino que agrandar aúna más la figura del saxofonista puesto que debido a lo bine que funcionaban las ventas de sus discos se forjó la identidad de Impulse! a través de los músicos de la generación de Trane que compartían su visión y que lo tenían por su total referente. Músicos como Pharoah Sanders, Archie Shepp desarrollaron su música en este sello gracias al camino que Trane y un atrevido productor, Bob Thiele, abrieron.

El libro está estructurado entorno a la vida e influencia de Coltrane pero es que esto no puede ser de otra manera puesto que las distintas fases del sello estuvieron condicionadas por los movimientos del genio. Incluso después de su muerte, Impulse! siguió aprovechando todo el material que había grabado editándolo en lo que dio de sí un buen número de álbumes que permiten seguir los pasos que dio Coltrane hasta su fallecimiento.

Ashley Khan es el autor de otros dos extraordinarios libros que desarrollan la historia de problablemnte los dos álbumes más influyentes Kind of Blue y A Love Supreme que contribuyen a mantener vivo y para la posteridad lo que se ha llamado el único patrimonio cultural de los Estados Unidos, el jazz.

Charlín no para!

2007-12-09T23:42:00.000-08:00

Paco Charlín no para de deleitarnos con su música. Si el año pasado publicó nada menos que 3 discos a su nombre, este año vuelve a la carga con la publicación simultánea de otros dos lanzamientos.

El pasado año, Charlín se estrenaba en solitario con su The Ultimate Jazz Earth-tet con el que publicó "part I" y "part II", una formación compuesta por el saxofonista Jaleel Shaw, el guitarrista Jonathan Kreisberg y el batería Donald Edwards. Estos dos trabajos incluyen composiciones de Charlín en las que muestra al mundo el pedazo de músico que es. Además también publicó otro disco a trio con Jaleel Shaw y Donald Edwards llamado "Jazz Frequency Group vol I" en el que hace un repaso a un repertorio clásico con temas de Parker, Coltrane o Rollins entre otros.

Cuando estábamos empezando a digerir todos estos trabajos, Paco nos vuelve a bombardear con la segunda parte del Jazz Frequency Group, con la misma formación que el primero y con versiones de Miles, Shorter, Mingus etc. Además publica un nuevo disco a su nombre llamado "nature´s sound" en el que cuenta con el saxofonista Javier Vercher, con una de las promesas del jazz gallego y miembro del S.O.S. el guitarrista Virxilio da Silva, Aruán Ortíz al piano y Brannen Temple a la batería.

Paco es uno de los bajistas más importantes del momento y además se está convirtiendo en uno de los músicos más prolíficos gracias a la discográfica que él mismo ha fundado y en la que están publicando excelentes discos la mayoría de los jazzistas gallegos, Free Code Jazz Records. Pero siempre es un placer escuchar todo lo que hace. Un ejemplo de Cantidad+Calidad.

Avishai Cohen publica su primer disco en directo

2007-12-03T00:08:00.000-08:00

Avishai Cohen publica su primer álbum en directo, grabado en el mítico club neoyorquino Blue Note. El disco, que se titula "As is... live at the blue note", viene acompañado de un DVD con una de las actuaciones en directo que complementa de manera más que satisfactoria esta publicación.

Para esta ocasión, Avi ha contado con su trio habitual formado por el exquisito Sam Barsh al piano y el explosivo Mark Giulliana a la batería a los que se añaden en algún tema el saxofonista Jimmy Greene y el trompetista Diego Urcola.

El repertorio se centra en su último trabajo de estudio, Continuo y algunos temas de álbumes anteriores como "Adama" y "At Home".

Este disco nos muestra al mejor Avishai con un variado repertorio que deja claro su dominio tanto del bajo eléctrico como del contrabajo. El disco se abre con una potente y electrificada versión de Smash en la que Sam Barsh utiliza, además del piano, un teclado con Wah Wah mientras que Avi con su bajo eléctrico hace un acompañamiento slapeado. El final del tema es espectacular con Jimmy Greene mostrando sus dotes al saxo soprano que nos recuerdan al mismísimo Coltrane y a Kenny Garret. Particularmente suena como el final de Human Nature de Miles Davis en los 80.

Continua con una preciosa balada llamada Elli en la que el grupo nos enseña su capacidad de sutilidad y belleza. Inmediatamente después el grupo al completo nos ofrece una versión de Etude en la que podemos apreciar la faceta más latin de la música de Avishai.

Bass Suite 1 es un tema rescatado de su primer disco Adama en el que Avi está espectacular ofreciendonos un pedazo de solo al contrabajo. Volvemos al latin con la potente Feedlop y después a la pedazo de balada Remembering que es quizás la mejor muestra del sonido que caracteriza a este trio y a la capacidad de este gran bajista de conmover con susu composiciones. Ya como broche de oro, el grupo se marca una versión groove del mítico Caravan de Duke Ellington que sirve como una espacie de fiesta sobre el escenario.

Avishai es uno de los músicos más creativos en la actualidad, tanto con sus propios proyectos como de acompañante en otros muchos. Un bajista completísimo, con un dominio total de su instrumento al que utiliza también como elemento percusivo, con un sonidazo como pocos. Además hay que destacar una faceta más escondida que es la de bajista eléctrico en la cual Avishai transmite el legado de su principal influencia en este instrumento, el gran Jaco Pastorius.

Monk

2007-11-26T04:18:00.000-08:00

Laurent de Wilde es el autor de un extraordinario libro sobre Thelonious Sphere Monk que ha publicado la editorial Alba.

Este libro, a diferencia de la mayoría de este género, destaca por su gran calidad. No es una biografía al uso sino un relato sobre la vida del gran Monk pero basándose en reflexiones que hace el propio autor que, lejos de ejercer de biógrafo, lo que hace es reflexionar sobre la vida de Monk y sus particularidades.

Thelonious Monk ha sido uno de los músicos más importantes del jazz. Esto se dice a veces sobre mucha gente, pero en este caso estamos hablando de uno de los pilares imprescindibles del jazz.

Ha sido un pianista y un músico totalmente revolucionario. Representó la otra corriente del piano del jazz ofreciendo un discurso y una manera de componer distinta al otro genio de su generación, Bud Powell.

Monk siempre se movió en la disonancia, siendo un auténtico innovador por su lenguaje partucular y su su también particular técnica que muchos han considerado discutible. En lo que nadie vacila es en que se trata de uno de los más importantes compositores de jazz del siglo XX con temas tan laureados como Round Midnight, Blue Monk, Straight no Chaser, Misterioso y un gra elenco de títulos que son una de las piedras angulares del jazz.

La extravagante personalidad de este genio es sobradamente conocida y provoca que no haya mucha información sobre su vida puesto que siempre fue muy reservado en cuanto a su vida privada.

Monk tuvo una carrera dificil, su genio fue incomprendido por el gran público hasta que publicó el que probablemente sea su obra maestra, Brilliant Corners aunque ya había compuesto y publicado la gran mayoría de los temas que le hicieron famoso. A pesar de que Monk era uno delos músicos más respetados por la colectividad musical, sufrió la marginación del público y le fue, además retirada la licencia que permitía tocar en los clubes de Nueva york por lo que estuvo muchos años sin poder hacer bolos.

Laurent de Wilde nos acerca con un gran estilo a la compleja personalidad de este genio, ahondando en sus éxitos y fracasos, en sus últimos años retirado del mundo en la casa de su gran amiga y posiblemente amante la Varonesa Pannonica, dónde falleció al igual que Charlie Parker.

Este libro se vuelve imprescindible para acercarnos al que posiblemente sea uno de los cuatro músicos más importantes del jazz, y eso es mucho decir.

Ornette deslumbra A Coruña

2007-11-14T03:33:00.000-08:00

Ayer tuve el privilegio de asistir a un acontecimiento absolutamente memorable, un concierto de nada menos que Orentte Coleman. El papá de Free Jazz aterrizó en A Coruña haciendo gala de la maestría y la clase que lo ha convertido en uno de los grandes genios de la música del siglo XX.

A priori, no sabía lo que me iba a encontrar, no he escuchado (todavía) su último disco, tras 10 años sin publicaciones, y que tantos halagos está recibiendo, Sound Grammar. Pero qué importa cuando uno va a ver a un hombre que ha innovado tanto en el jazz. Cuando vas a ver a alguien como Ornette, no puedes llevar ideas preconcebidas de lo que vas a escuchar porque te puede sorprender por donde menos te lo esperas. Por lo que lo ideal es ir totalmente dispuesto a encontrarte con cualquier cosa que se le ocurra hacer. Lo único que has de tener en cuenta es que te encuentras ante una figura de una grandeza absoluta y que asistirás a un trocito de la historia de la música. A uno de los pocos mitos vivientes del jazz, junto a Sonny Rollins, Wayne Shorter y poco más.

El concierto fue espectacular de principio a fin. En poco más de hora y cuarto Ornette dejó a su público completamente entregado a la magia de su música. Lo más sorprendente es que a sus 76 años, este incansablem innovador sigue marcando la batuta en el mundo del jazz, atreviéndose con una formación nada convencional: batería, dos contrabajos, bajo eléctrico y su saxofón que intercambió por momentos con su trompeta y su violín.

Ornette está en plena forma, con un sonido espectacular y una intuición impoluta tras el paso de los años. Ofreció un concierto variado coqueteando con la música clásica, el puro estilo free, groove e incluso por momentos recordó a la etapa del Miles de lo 70. Como no podía ser de otra manera, el blues marcó buena parte del repertorio, un blues con muchas raíces. Todo este colage, con una perspectiva absolutamente libre que dejó exhausto al auditorio.

La banda y el concepto que propone son absolutamente brillantes con texturas y sonidos que rozan lo supersónico, sonidos nuevos, sonidos desconocidos, en definitiva que Ornette juega con los cinco sentidos y ofrece un repertorio, en absoluto lineal o melódico, o yo que sé... es un espectáculo de sonidos, harmonías texturas, sugerencias. No puedo desribirlo, sólo adjuntar sensaciones.

En fin, tengo que agradecerle que me dejase entrar por un día en ese universo sonoro al que no tengo acceso cotidiano, y disfrutar de un cúmulo de sensaciones totalmente nuevas para mí.

He visto al Dios Ornette y eso siempre será para recordar.

The Complete On the Corner Sessions

2007-11-12T08:15:00.001-08:00

Acaba de anyunciarse la publicación de la novena caja de columbia sobre Miles Davis, The Complete On The Corner Sessions. Esta caja de seis cd incluye los álbumes On the corner, Big Fun y Get Up With It, fruto de varias sesiones de grabación con múltiples y dispares formaciones.

Una de las etapas más controvertidas del gran Miles Davis adentrándose en los caminos del rock negro de los 70, profundamente influenciado por Jimi Hendrix, a quien emula colocándole un Wah Wah a su trompeta y fraseando de tal modo que parece una guitarra, por James Brown y por Sly & the Family Stone.

Esta época de Miles ha sido tan alabada como despreciada porque supone una completa renuncia a la tradición. Sin embargo hay que decir que representa el esfuerzo sobrehumano que supone cambiar por enésima vez su propia musica, y no sólo eso sino también su propio sonido y su manera de tocar, algo que les está reservado sólo a unos poquitos privlegiados.

Celebro la edición de este tipo de cajas con una cuidada presentación así como completos libretos que ayudan a poner en valor el gran legado de su obra.

Jaco Pastorius: la extraordinaria historia del mejor bajista del mundo

2007-11-06T05:25:00.000-08:00

La editorial Alba está publicando, a un rítmo lento pero firme, fantásticos libros sobre genios del jazz. Todo empezó con Ashley Khan con los magníficos libros: "Miles Davis y Kind of Blue: La Creación de una Obra Maestra" y con "A Love Supreme y John Coltrane: La Historia de un Álbum Emblemático". Dos libros fundamentales para adentrarse en los que posiblemente sean los mejores discos de jazz de la historia.

Este año se han publicado dos libros que han completado de manera soberbia el catálogo. El Libro del escritor Laurent de Wilde "monk y el de Bill Milkowski "Jaco: la Extraordinaria Historia del Mejor Bajista del Mundo".

Vamos a comenzar por esté último.

La vida de Jaco es de cine. El Charlie Parker de su generación. Un hombre que estaba por delante del resto, que fue un absoluto innovador de su instrumento, el revolucionarios absoluto del bajo eléctrico, pero que sin embargo tenía un onstinto autodestructivo que consiguió que ningún sello quisiese grabarle. Acabó mendigando por las calles con un radio casette que reproducía música de su época con Weather Report.

Cuando Jaco publicó su primer disco en solitario Jaco Pastorius, puso el mundo del jazz y más concretamente del bajo patas arriba con la interpretación de Donna Lee y de Portrait of Tracy.

Ese mismo año se publicó el primer disco que Jaco grabó con Weather Report, Black Market y poco después su fantástica colaboración con Pat Metheny en el genial Bright Size Life.

Jaco era el chico de moda, uno de los músicos más influyentes y con más éxito del momento. Al año siguiente Weather Report publicaría su álbum más exitoso, en el Jaco aportaba la brillante Teen Town. Este álbum, Heavy Weather, catapultaría de manera vertiginosa a la banda convirtiendo en absolutas estrellas a Joe Zawinul, Wayne Shorter y a Jaco Pastorius. También en esta época grabó varios discos con la que fue su amante en esta época, Joni Mitchell.

Jaco estaba en la cresta de la ola, estaba en uno de los grupos más exitosos del jazz del momento y era la referencia ineludible del bajo, influyendo a verdaderas legiones. Desde su aparición, el bajo no ha vuelto a ser lo mismo.

Pero todo se fue al traste por el consumo de drogas excesivo, por la ruptura de su matrimonio con Tracy y por su patología autodepresiva y autodestructiva que le llevó a protagonizar muchos de los escándalos más sonado en el mundo del jazz.

Después de Weather Report tuvo la oportunidad de deleitar al mundo con su nueva Big Band conala que grabó su segundo y último disco en solitario Word of Mouth. Con esta banda intercaló exitosas giras con actuaciones vergonzosas donde Jaco perdíael control y acababa haciendo ruídos con el bajo, y provocando al público. Después de esto la Warner no querría grabarle más y rompió su contrato.

Durante los úñtimos años de su vida le sería cada vez más dificil encontrar un lugar donde tocar, por lo que Jaco se dedicaba a subirse a los escenarios de los conciertos a los que asisitía. La noche de su muerte, asistió a un concierto de Santana del que fue expulsado a patadas por intentar subirse al escenario. Después de este incidente se lió a tortas con el dueño de un club que le propinó tal paliza que lo dejaría en coma varios días hasta que finalmente falleció.

Hasta siempre amigo!

2007-10-23T23:45:00.000-07:00

Al abrir el periódico esta mañana me encontré con una triste noticia: Carlos Asorey, el dueño del Dado Dadá ha fallecido. Carlos fue un personaje al que todos los que tuvimos la oportunidad de conocer, y le conocía todo el mundo, nunca olvidaremos.

Se me vienen a la cabeza multitud de gratos momentos vividos junto a él en este rincón compostelano dedicado al jazz del cual Carlos era su alma indiscutible, compartiendo con todo el mundo su gran alegría, su estupendo sentido del humor y como no sus increíbles y divertidos trucos de magia con los que solía congregar a su alrededor a decenas de personas que quedaban perplejas por su destreza. Y es que Carlos era muchas cosas pero si tuviera que destacar una, seguramente diría que era un gran mago. Un hombre que sentía la magia, que disfrutaba con ella como pocos y que además tenía la deferencia de compartir estas habilidades con todos aquellos que estuviesen a su alrededor.

Desde que llegué a Santiago siendo un pipiolín cada noche de martes, religiosamente asisití a las inolvidables jam sessions del Dado durante las cuales tuve el privilegio de disfrutar de su compañía que a lo largo de los años desembocó en una cordial amistad. Han sido muchas noches juntos viendo pasar por allí a lo más granado del jazz gallego, muchas noches tomando copas hasta altas horas mientras charlábamos de música o del mundo en general. Carlos tenía don de gentes, sin ninguna duda, pero además disfrutaba de la compañía de todos los que pasaban por el local. Un hombre con una educación exquisita y siempre de buen humor, un caballero!

A lo largo de los años y gracias a su manera de ser, siempre me sentí en el Dado como en mi casa. Y es que Carlos contagiaba su carácter y creaba una atmósfera más que agradable, a su alrededor sólo había buen rollo, risas y cariño.

El jazz gallego está de luto porque ha perdido a uno de sus más importantes mecenas, a un hombre muy importante para el jazz gallego por haber constituído la única isla, es decir local, de jazz de Santiago por el que han pasado músicos muy importantes. Así mismo también ha servido de plataforma para que muchos músicos gallegos pudiesen tocar cada semana en las jams que duran todo el invierno. Los músicos de jazz gallego siempre han albergado un cariño enorme hacia su persona porque todos descubrían su carácter cariñoso y cálido.

El Dado nunca volverá a ser lo mismo, es como si hubiese perdido el alma. Siempre habrá un gran vació en la atmósfera porque ya no estará allí el hombre de negro (Siempre iba vestido de negro de la cabeza a los piés, yo nunca lo vi con un prenda de otro color) ecualizando la mesa de sonido, ni poniendo música entre actuación y actuación, ni haciendo sus trucos de magia ni repartiendo sonrisas por doquier. En el Dado sólo quedará el ambiente que él y Carmen, su esposa, crearon. El Dado será siempre su templo, seguro la obra de su vida, su juguete, su sueño, su manera de rendirle tributo a la música que le volvía loco, el jazz.

Luchó contra una grave enfermedad con una entereza admirable, pero finalmente le ganó la partida arrebatándole su vida. Pero nunca fue capaz de borrarle la sonrisa. Aún en los malos momentos se le veía en el Dado con su humor de siempre y disfrutando de su rincón, de la música y como a veces no podía hablar demasiado, se expresaba como mejor sabía, a través de la magia. El Dado y Carlos son indisolubles, siempre se notará su vacío pero la mejor manera de rendirle homenaje es manteniendo viva su obra, es decir el Dado Dadá que siempre será su templo. Él estará siempre allí saliendo del habitáculo de los discos o detrás de la mesa de sonido o en todas y cada una de las mesas del local dejándonos KO con un juego de cartas o simplemente compartiendo contigo la música.

Desde aquí he querido rendirle un pequeño homenaje a Carlos del Dado, alguien a quién nunca olvidaré. El jazz fue la banda sonora de tu vida y con jazz te recordaremos. Hasta siempre amigo!

Fallece Zawinul a los 75 años

2007-09-18T04:20:00.000-07:00

Pepe Zawinul se nos ha marchado para siempre. El gran teclista austriaco que revolucionó el jazz fussion se ha muerto de cáncer a los 75 años tras llevar ingresado varias semanas.

Joe Zawinul saltó a la fama cuando en 1969 compuso junto a Miles Davis, In a Silent Way, un disco que marcaría el nacimiento del jazz rock o el jazz fussion, según se le quiera llamar, que mezclaba el jazz con elementos del rock y que supuso una de las primeras electrificaciones de esta música. Asimismo, junto a Miles, participaría componiendo y grababdo otro de sus grandes clásicos del jazz rock, considerada la obra cumbre de este estilo y en du día el disco de jazz más vendido de todos los tiempos, Bitches Brew.

Pero será cuando forme su propio grupo junto al saxofonista Wayne Shorter, cuando cosechará sus mayores éxitos. Weather Report es sin duda uno de los grupos legendarios de la música del siglo pasado, ya que durante los años 70 y 80 fue uno de máximos exponentes del jazz fussion. Por esta formación han pasado músicos de la talla de Jaco Pastorius o Áex Acuña. El propio Pastorius se presentó ante Zawinul y le dijo que él tenía que tocar en Weather Report porque era el mejor bajista del mundo, a lo que Zawinul le contestó: "Bien, pues entonces demuéstralo".

Y según la leyenda Zawinul quedó fascinado ante aquel muchacho y observó que sí era el mejor por lo que ingresó en el grupo inmediatamente.

Entre sus muchos méritos cabe destacar el conseguir que una de susu composiciones jazzisticas, "Birdland", se colase en las listas de éxitos comerciales. Una canción que durante tres décadas ha ganado tres premios grammy, uno con la versión de Weather Report, otro con la versión de Manhattan Transfer, y el último con una versión de Quincy Jones.

Durante los últimos 20 años ha recorrido el mundo entero con su grupo Zawinull Syndicate con el que también ha cosechado numerosos éxitos.

Zawinul pasará a la historia por haber sido uno de los teclistas más innovadores y experimentales, de hecho la revista estadounidense Downbeat lo ha elegido nada menos que 28 veces mejor interprete de teclados del mundo.

Descanse en paz.

Zinco será el título del segundo trabajo de Marcelino Galán

2007-09-17T01:30:00.000-07:00

Marcelino Galán ya ha grabado su segundo disco como líder que saldrá publicado en breve con Free Code Jazz Records. Zinco será el título de tan esperado trabajo que promete ser uno de los discos del año.

En esta ocasión Marcelino ha grabado a quinteto con Pablo Castaño al saxo alto, Manolo Gutierrez al piano, Xacobe Martínez al contrabajo y Max Gómez a la batería. Todo un lujo de formación con lo mejorcito del jazz gallego. El disco incluirá temas originales y contendrá una nueva versión de su ya conocido tema "Mókina".

Un servidor ya ha tenido la oportunidad de disfrutar de este nuevo trabajo y la verdad es que es buenísimo. Jazz del mejor con muchas influencias de gente como Kurt Rosenwinkel, a quien está dedicado el tema Superkurt, y de músicos de esta onda como Mark Turner, Chris Cheek... pero todo con marca Marcelino, por supuesto.

Además este disco incluye una sorpesa especial para un servidor ya que una de las composiciones lleva por título "emiles".

Este quinteto suena de maravilla con una sección rítmica muy acostumbrada a tocar juntos, y eso se nota porque la compnetración es absoluta, igual que la capacidad para intuirse y apoyarse mutuamente lo que da lugar a extraordinarias sorpresas y momento mágicos en todo el álbum.

Marcelino suena de maravilla, además cumple un papel distinto que en su anterior trabajo Roho ya que el peso armónico lo lleva el piano, lo que deja mucha mayor libertad a la guitarra para destacar como instrumento melódico junto al saxo.

De momento no quiero adelantar más hasta que se publique, entonces ya hablaremos más largo y tendido sobre, y me repito, un disco que dará que hablar y que sin duda dará fe del buen estado del jazz gallego.

Abe graba su GHU! project vol. 2 - OPEN DOORS

2007-09-03T07:21:00.000-07:00

Abe Rábade grabó los pasados 27, 28 y 29 de agosto su quinto trabajo discográfico como líder. Se trata de GHU! Project vol. 2 y se titulará Open Doors. Con la publicación de este trabajo, el músico compostelano continúa con el proyecto GHU! project que supuso su salto a Karonte y su único trabajo hasta enonces que no era a trio. En el primer volumen el quinteto estaba formado por el propio Abe, lógicamente, con su trío de entonces formado por Paco Charlín al contrabajo y Ramón Ángel Rey a la batería acompañados por Jesús Santandreu al saxo tenor y Chris Kase a la trompeta. Además intervenía el guitarrista Michel González en un par de temas.

Para Open Doors, Abe contará con su actual trio formado por Nelson Cascais al bajo y Bruno Pedroso a la batería. Pero en este trabajo la formación es un septeto formado, además de estos, por Chris Kase a la trompeta, Perico Sambeat al saxo alto, Jesús Santandreu al saxo tenor y Alan Ferber al trombón.

La edición de este trabajo está prevista para febrero de 2008 y promete ser todo un acontecimiento, desde luego la formación es un auténtico lujo, conteniendo un combo de destacadísimos músicos de distintas nacionalidades.

El disco contendrá siete temas originales de Abe y una versión del Inner Urge de Joe Henderson:

1- Campo da Estrela

2- Iria

3- Cebreiro

4- Get off my back

5- Prestige

6- Tránsito nº1

7- Open Door

8- Inner Urge

This Meets That será el debut discográfico de Scofield en Emarcy

2007-08-28T03:02:00.000-07:00

John Scofield nos sorprende de nuevo al anunciar la publicación de su último álbum, This Meets That que será su debut discográfico en Emarcy Records. Así tras 10 años en el mítico sello Verve con el que ha publicado álbumes tan importantes como A Go Go, Überjam, Works for Me o Up All Night. Scofield cambia de nuevo de sello y lanza un nuevo trabajo con el John Scofield Trio o como é lo denomina, A-Team, que integra al gran bajista Steve Swallow y al inigualable Bill Stewart a la batería. Además en el disco les acompañan una cuarta parte en forma de sección de vientos formada por Roger Rosenberg en el saxo barítono y clarinete bajo, Jim Pugh al trombón, Lawrence Feldman al saxo tenor y flauta y John Swana en la trompeta y fiscornio. Como sorpresa especial aparece Bill Frisell en uno delos temas del disco que se lanzará en el mes de septiembre.

This Meets That será su primer álbum a su nombre en dos años, cosa rara en un artista que nos tiene acostumbrados a disco por año, aunque nos ha deleitado por el camino con el magnífico Trio Beyond y con Out Louder del Medeski, Scofield, matin & Wood. Estos son los títulos que contendrá This Meets That:

1.: Low Road
2.: Down D
3.: Strangeness In The Night
4.: Heck Of A Job
5.: Behind Closed Doors
6.: House Of The Rising Sun
7.: Shoe Dog
8.: Memorette
9.: Trio Blues
10.: Pretty Out
11.: I Can't Get No Satisfaction

Fallece Max Roach el último mito viviente del Be-Bop

2007-08-28T02:39:00.000-07:00

Fallece el último gran maestro vivo del Be-Bop, el gran batería Max Roach. El pasado mes de agosto nos dejaba uno de los mitos vivientes de la historia del jazz, el batería que cambió el lenguaje musical del jazz siendo el abanderado de este instrumento durante la época del Be-Bop junto a Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Bud Powell.

Max Roach posee seguramente la biografía más extensa de todos los mitos del jazz del último siglo. comenzó su carrera como profesional sustituyendo al batería de Duke Ellington y Count Basie en 1942. Fue en esa época cuando se sumó a la nueva música que estaba naciendo en la Calle 52 y en mítico Minton´s junto a todos los mitos del Be-Bop y realizó su primera grabación de la mano de Coleman Hawkins.

En 1945 se unió al mítico quinteto de Charlie Parker y Dizzy Gillespie y graba clásicos como Now´s the Time y Billie´s Bounce. Participará así mismo en el mítico Birth of the Cool de Miles Davis y tocará con músicos de la talla de kenny Dorham, Sonny Rollins, Mingus, Archie Shepp, Dollar Brand, Anthony Braxton, o Cecil Taylor.

Max Roach es sin duda uno de los baterías de referencia del jazz, y es el responsable de conceder a la batería un protagonismo del que carecía.

Se ha marchado el último gran superviviente del Be-Bop deajando tras de sí un legado fundamental para entender la música del siglo XX.

El doloroso camino de la innovación permanente

2007-07-18T02:17:00.000-07:00

Chris Potter: tenor & soprano saxophones, Robin Eubanks - trombone, Steve Nelson - vibraphone, marimba & tamborine, Nate Smith - drums Dave Holland - double-bass
Dare2 Records - 2006

The Eyes Have It - Easy Did It - Vicissitudes - The Leak - Secret Garden - Lucky Seven - Full Circle - Amator Silenti

El Dave Holland Quintet es una de las formaciones más sólidas y más interesantes del panorama actual. Existen pocos calificativos que describan cuan increíble es la música que sale de este quinteto integrado por músicos de la talla de Chris Potter, Nate Smith y el resto de la banda. Llevan ya unos cuantos años esperiementando con unas rítmicas muy sugerentes y unas texturas que permiten improvisaciones de vértigo con su particular sonido en el que el vibráfono hace las funciones del piano.

Este nuevo lanzamiento, Critical Mass, es un gan trabajo sin duda. Uno de los mejores discos del pasado año. Como siempre, Dave holland nos deleita con un álbum exquisito siguiendo la tónica de susu últimas grabaciones. Pero este es para mí el problema.

En la lista de los discos que más me habían gustado, de los que escuché, el año pasado no incluí este discazo y me gustaría explicar porqué.

En primer lugar en la lista no pretendía hacer un ránking de los mejores discos del 2006 sino comentar y destacar los discos que más me habían enganchado y de los que más he disfrutado. Desgraciadamente de este Critical Mass no he disfrutado como me hubiese gustado y la razón es que ya me sonaba familiar y por tanto repetitivo. Cuando un proyecto como este quinteto va evolucionando disco a disco resulta apasionante cada nueva entrega del mismo. Pero cuando llega al culmen, lo que viene después tiene la dificil misión de superar el más alto grado de inspiración al que ha llegado el grupo. esto es lo que ha pasado con este disco. Critical mass es un discazo como la copa de un pino al igual que su anterior trabajo en estudio Not For Nothing. Pero es que este quinteto con este concepto y formato editó hará unos tres años el doble directo Extended Play que es sin ninguna duda una de las obras maestras del jazz contemporáneo. Constituye este disco, para mí el culmen de este gran quinteto por lo que sacar un trabajo como es Critical Mass después de este disco con el mismo concepto se vuelve decepcionante a pesar de que es un gran álbum.

El otro día leí en una crítica que daba igual que se repitiera porque era un gran disco, estoy de acuerdo, es totalmente legítimo y además ya le gustaría a muchos producir álbums de esta calidad, pero también he de señalar que a mí no me ha enganchado porque no me dice nada nuevo, todo lo bueno que es este disco es siempre superado por lo desarrollado en Extended Play.

Aquí yo creo que se abre un debate y mi opinión es que un proyecto tiene fecha de caducidad y a un genio como Dave Holland le exigimos demasiado porque él es demasiado. Creo que este era el momento de probar otras cosas, sería más gratificante que el quinteto evolucionara y nos descubriese cosas nuevas, aunque el disco no fuese tan bueno, cunado se experimenta a este nivel se cometen errores y no pasa nada porque son caminos de transición a algo distinto y estos álbumes siempre apuntan algo nuevo que es muy interesante y más gratificante. Es el camino de la innovación en el que todos se equivocan, hasta los más grandes pero así es como se hace historia, arriesgando, experimentando hacia una nueva revolución. Miles también se equivocó para llegar al camino que quería pero gracias a esta filosofía llegó a cambiar la música unas 5 veces y creó probablemente la mayor cantidad de obras maestras que ha hecho un mismo músico en la historia del jazz.